O museu tem um perfil muito definido da arte brasileira do século XIX até a contemporânea. Seu acervo tem cerca de 4 mil peças, e é significativo, especialmente para São Paulo, uma vez que reúne trabalhos de artistas paulistas, como Almeida Júnior, Pedro Alexandrino e Oscar Pereira da Silva, além de obras representativas de Cândido Portinari, Anita Malfatti, Victor Brecheret, Tarsila do Amaral e Di Cavalcanti. O Pavilhão das Artes, localizado no Parque do Ibirapuera, também faz parte da Pinacoteca e abriga exposições de grande importância artística.
A Pinacoteca do Estado de São Paulo é o museu de arte mais antigo da cidade e certamente um dos mais importantes do país. Nasceu no prédio inicialmente construído para abrigar o Liceu de Artes e Ofícios de São Paulo. Por isso, a história da Pinacoteca confunde-se em seus primórdios com a implantação do Liceu, e sua presença no edifício conturbada por uma série de eventos históricos, como os conflitos de 1930 e 1932, além de reformas, alternou-se com transferências temporárias para outros locais, como o prédio da Imprensa Oficial e o pavilhão no Ibirapuera. No momento de sua inauguração, que se deu em 24dez1905, o acervo da Pinacoteca consistia em 26 pinturas de importantes artistas que atuaram na cidade, como Almeida Júnior, Pedro Alexandrino, Berthe Worms, Antonio Parreiras e Oscar Pereira da Silva, oriundos do Museu Paulista (então Museu do Estado). Nos seus primeiros anos, a Pinacoteca ocupou uma única sala no terceiro piso. Não era ainda um órgão autônomo em relação ao Liceu, o que só aconteceria em 1911. Durante suas primeiras décadas de existência, a Pinacoteca voltou-se à ampliação de seu acervo, com ênfase na arte brasileira do século XIX. Contudo, este perfil começa a mudar a partir 1967, com as gestões de Delmiro Gonçalves, Clóvis Graciano e Walter Wey, quando se iniciaram as reformas do prédio, ampliaram-se as atividades do museu e mudaram os critérios de escolha de obras, que passou a ser feito pelo Conselho de Orientação da Pinacoteca, criado em 1970. A partir de então, a significativa coleção de arte brasileira do século XIX passava a ser complementada, pouco a pouco, por obras representativas de períodos posteriores.
Museu Nacional de Belas Artes sedia retrospectiva da obra de um dos mais importantes pintores brasileiros.
Sessenta e três anos após a primeira exposição, o Museu Nacional de Belas Artes (MNBA) abriga, a partir do dia 3abr2012, “Eliseu Visconti – A modernidade antecipada”, com cerca 250 obras, entre pinturas, desenhos, cerâmicas e documentos do artista. Das obras expostas, muitas nunca foram vistas pelo público nem pelos especialistas em história da arte brasileiros. Elas pertencem a 15 instituições e a 80 colecionadores particulares. A exposição tem como propósito consolidar o legado de Visconti, mostrando como, em sua trajetória pioneira, foi um agente capital da modernização da arte brasileira, sem romper com os artistas que o antecederam. A produção de Visconti - pouco conhecida ou discutida abertamente no Brasil - é apresentada em toda sua extensão, desde o início de sua carreira, em 1888, época em que ainda fazia parte da Academia Imperial de Belas-Artes, até o seu falecimento, em 1944. Em seus quase 80 anos de vida, acompanhou de perto a imensa transformação que conduziu o país de Império a Estado Novo, do escravismo ao trabalhismo, da arte romântica à arte moderna. Uma oportunidade e tanto para se desvendar um pouco mais de Eliseu Visconti, um italiano da cidade de Salerno, onde nasceu em 1866 e que veio ainda menino para o Brasil. A retrospectiva é dividida por períodos e temas, em consonância com os trabalhos desenvolvidos pelo pintor e designer. Entre eles estão paisagens, cenas de família, retratos, nus, temas históricos, painéis decorativos e objetos de design, além de desenhos e aquarelas. Dentre as pinturas, destacam-se na exposição 25 autorretratos, dentre os mais de 40 que Visconti criou em seus 60 anos de produção. Formalmente Visconti manteve-se na produção figurativa, sendo considerado o mais expressivo representante da pintura impressionista no Brasil. O visitante terá ainda a possibilidade de acompanhar o processo artístico de Visconti na composição das obras “Maternidade” (1906) e “Recompensa de São Sebastião” (1897), por meio de estudos e variantes pouco conhecidos, e ainda apreciar “Gioventù” (1898), considerada a “Mona Lisa” brasileira, ganhadora da medalha de prata na Exposição Universal de Paris em 1900.
“Tarsila do Amaral – Percurso Afetivo” traz ao Rio de Janeiro 85 obras, entre pinturas, desenhos, objetos e gravuras da pintora modernista que não recebia uma grande exposição na cidade há 43 anos. A ideia central para a mostra surgiu a partir da descoberta do “Diário de Viagens”, preciosidade em poder da família da artista. É documento de caráter íntimo, e possibilita essa intromissão nos aspectos mais particulares da vida de Tarsila do Amaral.
Foto: Paulo Jabur - Eliane Giardini e o curador Antonio Carlos Abdalla, na abertura da exposição
Ausência sentida, o quadro “Abaporu”, símbolo da antropofagia modernista, não está em exibição. Ele permanece no Malba (Museu de Arte Latinoamericano de Buenos Aires). Antonio Carlos Abdalla, curador da mostra em cartaz no Centro Cultural Banco do Brasil (CCBB-RJ), conversou com a reportagem do iG. “Não era absolutamente inviável insistir na vinda do quadro. Porém, ele esteve recentemente por três vezes no Brasil e isso dificultaria um pouco as coisas”, conta Abdalla.
Filha de pianista e compositora, Tarsila teve uma infância na qual a música representou um elemento do seu cotidiano. Já adulta, foi amiga de Mário de Andrade, Villa-Lobos, Souza Lima, entre outros nomes do modernismo musical brasileiro. No dia 14 de março, às 18h30, o público poderá conhecer uma pouco mais dessa faceta da pintora, durante o concerto “Tarsila Musical”, que faz parte da programação da exposição “Tarsila do Amaral – Percurso Afetivo”, no Teatro II do CCBB Rio.
iG: Qual foi a maior dificuldade na realização da mostra?
ANTONIO ABDALLA: Foi conciliar os interesses e disponibilidades de acervos museológicos e colecionadores particulares numa única data. Além, é claro, de organizar tudo em comum acordo com o CCBB carioca. Tarsila do Amaral é das artistas brasileiras mais requisitadas para exposições nacionais e internacionais. Daí talvez por que suas mostras individuais são tão esperadas.
iG: Consegue explicar por que Tarsila continua tão atual?
AA: Bem, creio que principalmente a genialidade dos trabalhos, os fatores históricos e as contingências que giram em torno de sua vida. Tarsila é tão atual quanto qualquer outro grande artista que continua despertando ao longo de décadas, séculos um interesse renovado sobre sua obra. Todo grande artista não é atual, mas atemporal. Artistas datados se perdem na história.
Foto: Romulo Fialdini - "Paisagem com ponte", 1941
iG: Que papel de destaque ela tem na busca de uma identidade no modernismo brasileiro?
AA: Certa feita li que o Brasil é tão único que é o único lugar do mundo com "certidão de nascimento para o Modernismo", com hora e lugar registrados (risos). Tarsila, apesar de não ter participado diretamente da histórica Semana de 1922, acabou se integrando de tal forma com os modernistas que virou um símbolo do movimento. Ela foi, além dos outros nomes que integraram o movimento, uma ponte cultural entre o que acontecia aqui e na Europa. Tinha circulação incrível para uma mulher de sua época.
Foto: Romulo Fialdini - "Retrato de Oswald de Andrade", 1923
iG: O que permitiu isso?
AA: O talento e, sem dúvida, a personalidade e cultura que Tarsila tinha. Dizendo claramente um clichê: ela estava na hora e no lugar certos.
iG: Houve alguma tentativa para se trazer o seu quadro mais famoso, Abaporu, à exposição?
AA: Sim. Não era absolutamente inviável insistir na vinda do quadro. Porém, ele esteve recentemente por três vezes no Brasil e isso dificultaria um pouco as coisas. Conscientemente fiz a opção curatorial de dar ênfase a outras obras importantes de Tarsila. Afinal, ela é uma artista que tem uma Obra, com "O" maiúsculo.
iG: Sem o Abaporu, não fica faltando um traço importante do panorama de sua arte?
AA: Fixar a importância de Tarsila no Abapuru apenas e como fixar a importância de Da Vinci na Gioconda... e aí seguem centenas de outros exemplos. Mas o Abapuru está na mostra! Lá, entrelaçado com A Negra, na obra Antropofagia, que, ousaria dizer, é obra de imensa envergadura. Símbolo maior do modernismo brasileiro e de tudo o que aquela revolução, talvez não tão pacífica, significou para todos.
iG: Por que se preferiu não separar a exposição por ordem cronológica?
AA: Tudo começou com um mergulho na ideia da memória... O álbum é como uma coleção de fotografias, organizada emocionalmente pela memória. Com essa abertura para o aleatório, resolvi abdicar de fazer uma retrospectiva. Procurei dar um enfoque propositalmente afetivo e, assim, o visitante pode se encantar, ou não claro, com as obras livres de classificações fechadas. A exposição foi feita para emocionar.
iG: Como veio a ideia da parte musical, sobre musicas destinadas à pintora?
AA: Tarsila tinha uma grande aproximação com a música. Em casa, sua mãe foi uma grande pianista e ela mesma pensou em determinado momento seguir carreira de pianista. Também tinha talento para isso, no ambiente cultural que frequentou, entre os intelectuais dos quais se aproximou, a música era parte importante. Ela acabou se tornando amiga de Souza Lima, Ernesto Nazareth, Donga, Villa-Lobos, Arthur Rubinstein, Eric satie, Milhaud... Enfim, de uma grande quantidade de compositores e intérpretes.
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