Bronzino, família de artistas Florentinos

Alessandro di Cristofano di Lorenzo del Bronzino Allori, nasceu em 31mai1535 - 22Set1607)italiano pintor retratista tardio da escola maneirista florentina. Nascido em Florença, após a morte de seu pai, ele foi criado e treinado na arte por um amigo próximo, muitas vezes referida como o seu "tio", o pintor maneirista Agnolo Bronzino, cujo nome às vezes ele assumiu em seus quadros. Em alguns aspectos, Allori é o último da linha de proeminentes pintores florentinos, de modo geral não diluído herança toscana artística: Andrea del Sarto trabalhou com Fra Bartolomeo (assim como Leonardo da Vinci), Pontormo trabalhou brevemente sob Andrea, e treinado Bronzino, que Allori treinado. Gerações posteriores na cidade seria fortemente influenciado pela maré de barrocas estilos pré-eminentes em outras partes da Itália. Freedburg ridiculariza Allori como derivado, alegando que ele ilustra o ideal de Maniera por que a arte (e estilo) são gerados fora do pré-existente de arte. O polonês de figuras tem uma forma de mármore como não natural, como se apontou para estatuária frio. Pode-se dizer da pintura maneirista fase final, em Florença, a cidade que teve início deu vida a estatuária com as obras de mestres como Donatello e Michelangelo, ainda era tão amedrontado por elas que petrificado as poses das figuras na pintura. Enquanto em 1600 a barroco em outro lugar estava começando a dar vida a figuras pintadas, Florence foi pintando bidimensionais estátuas. Além disso, em geral, com exceção dos maniera Contra (Counter-Maneirismo) artistas, não se atreveu perdida a partir de temas elevados ou dispersos em grande emoção. Entre seus colaboradores foi Giovanni Maria Butteri e seu pupilo principal era Giovanni Bizzelli, Cristoforo del Altissimo, Cesare Dandini, Aurelio Lomi, John Mosnier, Giovanni Battista Vanni, e Monanni também foram seus alunos. Allori foi um dos artistas, trabalhando sob Vasari, incluído na decoração do Studiola de Francesco I. Ele foi o pai do pintor Cristofano Allori (1577-1621). Principais obras: Retrato de um homem jovem, 1561, Museu Ashmolean de Oxford Cristo e a Samaritana, retábulo 1575, Santa Maria Novella, agora Prato Caminho do Calvário, 1604 em Roma Cristo Morto e Anjos, Museu de Belas Artes de Budapeste Retrato de Piero de Médici, São Paulo Museu de Arte Brasil Pérola Pesca, 1570-1572, Studiolo de Francesco I, o Palazzo Vecchio, Florença imagem Sussana e os Anciãos e Alegoria da vida humana O Milagre de São Pedro Walking on Water Vênus e Cupido, Musée Fabre, Montpellier Em 2006, a BBC correspondente estrangeiro Sir Charles Wheeler retornou um original Alessandro Allori pintura ao Gemälde galerie Berlim. Ele havia sido dada a ela na Alemanha em 1952, mas só recentemente percebeu a sua origem e que deve ter sido saqueada na esteira da Segunda Guerra Mundial. O trabalho é, possivelmente, um retrato de Eleonora (Dianora) di Toledo de Medici, sobrinha de Eleonora di Toledo, e mede 12 cm x 16 cm. Agnolo di Cosimo di Mariano (Bronzino) - O anão Morgante Agnolo di Cosimo (17nov1503 - 23nov1572), mais conhecida como Il Bronzino, ou Agnolo Bronzino (tentativas erradas também foram feitas no passado para afirmar que seu nome era Agnolo Tori e até Angelo Allori, um italiano maneirista pintor de Florença. Seu apelido, Bronzino, com toda a probabilidade se refere a sua pele relativamente escura. Bronzino nasceu em Florença, filho de um açougueiro. De acordo com seu contemporâneo Vasari, Bronzino era um aluno de primeiro Raffaellino del Garbo, e depois de Pontormo, a quem foi colocado em 14. Pontormo é pensado para ter introduzido um retrato de Bronzino como uma criança (sentado em um degrau) em uma de sua série sobre José do Egito agora na National Gallery de Londres. Pontormo exercido uma influência dominante no desenvolvimento de Bronzino estilo, e as duas deveriam permanecer colaboradores para a maioria da vida do primeiro. Um dos primeiros exemplos de mão de Bronzino tem sido frequentemente detectado na Capela Capponi, na igreja de Santa Felicita pela Ponte Vecchio, em Florença. Pontormo projetou o interior e executou o retábulo, o magistral Descida da Cruz e do afresco lateral Anunciação. Bronzino, aparentemente, foi atribuído os afrescos sobre a cúpula, que no entanto não ter sobrevivido. Dos quatro empanelled Tondi ou rodelas representando cada um dos evangelistas, dois foram por Vasari disse ter sido pintada por Bronzino. Seu estilo, porém, é tão semelhante ao seu mestre é que os estudiosos ainda debatem as atribuições específicas. Para o fim de sua vida, Bronzino tomou uma parte proeminente nas atividades da florentina Accademia delle Arti del Disegno, da qual ele foi um dos fundadores em 1563. O pintor Alessandro Allori foi seu discípulo favorito e Bronzino estava morando na casa da família Allori no momento da sua morte, em Florença, em 1572. Bronzino passou a maior parte de sua carreira em Florença. Jacopo Carucci(24mai1494 - 02jan1557), geralmente conhecido como Jacopo da Pontormo ou simplesmente Pontormo, foi um italiano maneirista pintor e retratista da escola florentina. Sua obra representa uma profunda estilística mudança da calma perspectivista regularidade que caracterizou a arte do florentino renascentista. Ele é famoso por seu uso de Twining coloca, juntamente com a perspectiva ambígua; suas figuras muitas vezes parecem flutuar em um ambiente incerto, sem interferência de forças da gravidade. Da luneta de Vertumnus e Pomona, 1520-1521

A Irmandade Pré-Rafaelita (Movie´s: O Inferno de DANTE)

Também conhecido como o pré-rafaelitas foi um grupo de ingleses pintores, poetas e críticos, fundada em 1848 por William Holman Hunt, John Everett Millais e Dante Gabriel Rossetti. Os três fundadores logo foram acompanhados por William Michael Rossetti, James Collinson, George Frederic Stephens e Woolner Thomas para formar uma "irmandade" de sete membros. A intenção do grupo era reformar arte, rejeitando o que eles consideravam ser a primeira abordagem mecanicista adotada pelos maneiristas artistas, que conseguiram Raphael e Michelangelo. Eles acreditavam que o clássico poses e elegantes composições de Rafael, em particular, tinha sido uma influência corruptora sobre o acadêmico ensino da arte, daí o nome "Pré-Rafaelita". Em particular, eles se opuseram à influência de Sir Joshua Reynolds, o fundador do Inglês Royal Academy of Arts, a quem chamou de "Sir Sloshua". Para o pré-rafaelitas, de acordo com William Michael Rossetti, "sloshy" significava "nada negligente ou scamped no processo de pintura e daí ... qualquer coisa ou pessoa de um tipo comum ou convencional". Em contrário, eles queriam voltar para a riqueza de pormenores, cores intensas, e composições complexas de Quattrocento italiano e arte flamenga. O pré-rafaelitas ter sido considerado o primeiro vanguardista movimento na arte, embora tenham também sido negado esse estatuto, porque eles continuaram a aceitar os conceitos de pintura de história e de mimese ou imitação da natureza, como centrais para o propósito da arte. No entanto, o pré-rafaelitas, sem dúvida, definiu-se como um movimento de reforma, criou um nome diferente para a sua forma de arte, e publicou um periódico, o germe, para promover suas idéias. Seus debates foram registrados no Jornal Pré-Rafaelita. A Irmandade Pré-Rafaelita foi fundada em casa dos pais de John Millais na Gower Street,Londres em 1848. Na reunião inicial, John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti e William Holman Hunt estavam presentes. Hunt e Millais eram estudantes na Royal Academy of Arts. Eles já haviam se reuniram em outra associação solta, um esboço sociedade chamado Clube Cyclographic. Rossetti foi um aluno de Ford Madox Brown. Ele tinha encontrado inspiração depois de ver a sua pintura A véspera de Santa Inês, que é baseado no poema de Keats. Como um poeta aspirante, Rossetti desejava desenvolver as ligações entre Romântico poesia e arte. No outono mais quatro membros incorporaram, para formar uma Fraternidade de sete membros-forte. Estes foram William Michael Rossetti (irmão de Dante Gabriel Rossetti), Thomas Woolner, James Collinson e Frederic George Stephens. Ford Madox Brown foi convidado a participar, mas preferiu permanecer independente. Ele, no entanto, manteve-se próximo ao grupo. Alguns pintores e escultores outros jovens também foram companheiros mais próximos, incluindo Charles Allston Collins, Thomas Tupper, e Alexander Munro. Eles mantiveram a existência do segredo Irmandade de membros da Royal Academy. Doutrinas início da Irmandade foram expressos em quatro declarações: 1.ter idéias originais para expressar; 2.para estudar a natureza atentamente, de modo a saber como expressá-los; 3.a simpatizar com o que é direta e séria e sincera na arte anterior, com a exclusão do que é convencional e auto-parodístico e aprendeu de cor; 4.mais indispensável de todos, para produzir imagens bem boas e estátuas. Estes princípios são deliberadamente não-dogmática, uma vez que a Irmandade quis enfatizar a responsabilidade pessoal de artistas individuais para determinar as suas próprias ideias e métodos de representação. Influenciado pelo Romantismo , eles pensaram que a liberdade e a responsabilidade eram inseparáveis. No entanto, eles foram particularmente fascinado por medieval cultura, acreditando que possuem uma espiritual integridade e criativa que havia sido perdido em épocas posteriores. Esta ênfase na cultura medieval foi colidir com certos princípios de realismo, que enfatizam a observação independente da natureza. Em seus estágios iniciais, a Irmandade Pré-Rafaelita acreditava que seus interesses duas foram consistentes com o outro, mas em anos posteriores o movimento dividido e começou a se mover em duas direções. O realista lado foi liderada por Hunt e Millais, enquanto o medievalista lado foi liderada por Rossetti e seus seguidores, Edward Burne-Jones e William Morris. Essa divisão nunca foi absoluta, pois ambas as facções acreditava que a arte era essencialmente espiritual em caráter, sua adversária idealismo para o materialista realismo associado com Courbet e impressionismo. A Irmandade Pré-Rafaelita foi muito influenciado pela natureza e usaram grande detalhe para mostrar ao mundo natural, usando técnicas de foco brilhante e nítida em uma tela branca. Em suas tentativas de reavivar o brilho de cor encontrado no Quattrocento arte, Hunt e Millais desenvolveu uma técnica de pintura em finas esmaltes de pigmento sobre um chão molhado branco. Eles esperavam que, desta forma as suas cores manteria perfeita jóia - como a transparência e clareza. Esta ênfase no brilho de cor foi em reação ao uso excessivo de betume por artistas britânicos mais cedo, como Reynolds, David Wilkie e Robert Benjamin Haydon. Betume produz áreas instáveis da escuridão lamacenta, um efeito que o pré-rafaelitas despreza. A primeira exposição de pré-rafaelita de trabalho ocorrido em 1849. Ambos Millais de Isabella (1848-1849) e Holman Hunt Rienzi (1848-1849) foram exibidas na Royal Academy, e Rossetti Girlhood da Virgem Maria foi mostrado na exposição gratuita em Hyde Park Corner. Conforme acordado, todos os membros da Irmandade assinado trabalhos com o seu nome e as iniciais "PRB". Entre janeiro e abril de 1850, o grupo publicou uma revista literária, o germe. William Rossetti editou a revista, que publicou a poesia pela Rossettis, Woolner e Collinson, juntamente com ensaios sobre arte e literatura por associados da Irmandade, como Coventry Patmore. Como o curto tempo de execução implica, a revista não conseguiu atingir um impulso sustentado. (Daly 1989) Em 1850, a Irmandade Pré-Rafaelita tornou-se controversa depois da exposição de pintura Millais de Cristo na casa de seus pais, considerados blasfêmia por muitos críticos, nomeadamente Charles Dickens.(Dickens considerado Millais Maria para ser feio. Curiosamente, Millais tinha realmente usado sua irmã-de-lei Maria Hodgkinson como um modelo para a Maria na sua pintura). Seu medievalismo foi atacado como retrógrada e sua extrema devoção ao detalhe foi condenado como feio e chocante para os olhos. De acordo com Dickens, Millais fez o olhar Sagrada Família como alcoólatras e favelados, adotando contorcida e absurda "medieval" poses. Um grupo rival de artistas mais velhos, The Clique, também usou sua influência contra a Irmandade Pré-Rafaelita. Seus princípios foram atacados publicamente pelo presidente da Academia, Sir Charles B. Eastlake. Após a polêmica, Collinson deixou a Irmandade. Eles se reuniram para discutir se ele deve ser substituído por Charles Allston, Collins ou Howell Walter Deverell, mas não foram capazes de tomar uma decisão. A partir desse ponto o grupo se desfez, apesar de sua influência continuou a ser sentida. Artistas que trabalharam ainda no estilo seguido estas técnicas (inicialmente de qualquer maneira), mas eles já não assinou obras "PRB". No entanto, a Irmandade encontrou apoio do crítico John Ruskin, que elogiou a sua devoção à natureza e rejeição de métodos convencionais de composição. O pré-rafaelitas foram influenciados pelas teorias de Ruskin. Como resultado, o crítico escreveu cartas ao The Times defendendo seu trabalho, depois encontrá-los. Inicialmente, ele favoreceu Millais, que viajou para a Escócia, no verão de 1853 com Ruskin e esposa de Ruskin, Effie, para pintar o retrato de Ruskin. Effie crescente apego à Millais, entre outras razões (incluindo não-Ruskin consumação do casamento criou uma crise, levando Effie deixar Ruskin, ter o casamento anulado por razões que não tinha sido consumada, e se casar com Millais, o que causou um escândalo público. Millais abandonou o estilo pré-rafaelita depois de seu casamento, e Ruskin, muitas vezes barbaramente atacada suas obras posteriores. Ruskin continuou a apoiar Hunt e Rossetti. Ele também forneceu fundos independentes para incentivar a arte da esposa Rossetti Elizabeth Siddal. Artistas que foram influenciados pela Irmandade incluem John Brett, Felipe Calderón, Arthur Hughes, Gustave Moreau, Evelyn De Morgan, Frederic Sandys (que veio para o círculo pré-rafaelita em 1857) e John William Waterhouse. Ford Madox Brown, que foi associado com eles desde o início, é muitas vezes visto como o mais de perto a adoção dos princípios pré-rafaelitas. Um seguidor que desenvolveu seu próprio estilo distinto era Aubrey Beardsley, que era pré-eminentemente influenciado por Burne-Jones. Depois de 1856, Dante Gabriel Rossetti tornou-se uma inspiração para a vertente medieval ising do movimento. Dante Gabriel Rossetti tornou-se o link para os dois tipos diferentes de pintura rafaelita Pré (Romance x natureza) após o PRB se perdeu no final de 1800. Rossetti, embora o menos comprometido com a fraternidade, continuou o nome e mudaram o estilo Irmandades drasticamente. Ele começou a pintar versões de femme fatales usando modelos como Jane Morris, em pinturas como: Proserpine, o vestido de seda azul, Tolomei La Pia de, etc. Seu trabalho influenciou seu amigo William Morris, em cuja firma Morris, Marshall, Faulkner&Co. tornou-se sócio, e com cuja esposa Jane ele pode ter tido um caso. Ford Madox Brown e Edward Burne-Jones também tornaram-se sócios da empresa. Através empresa Morris os ideais da Fraternidade Pré-Rafaelita influenciado muitos designers de interiores e arquitetos, despertando o interesse em medievais projetos, bem como outros ofícios. Isto levou diretamente para os movimento Arts and Crafts liderados por William Morris. Holman Hunt também estava envolvido com este movimento de reforma design através da Olaria Della Robbia empresa. Depois de 1850, tanto Hunt e Millais se afastou da imitação direta de arte medieval. Ambos salientou os aspectos realista e científica do movimento, embora inspiração continuou a enfatizar o significado espiritual da arte, procurando conciliar religião e ciência, fazendo observações precisas e estudos de locais no Egito e Palestina para suas pinturas sobre temas bíblicos. Em contraste, Millais abandonado rafaelismo Pré-depois de 1860, adotando um estilo muito mais amplo e mais solto influenciado por Reynolds. William Morris e outros condenou esta inversão de princípios. O movimento influenciou o trabalho de muitos artistas britânicos mais tarde até o século XX. Rossetti mais tarde veio a ser visto como um precursor do maior Europeia simbolista movimento. No final do século XX, a Irmandade de Ruralistas seus objetivos com base no Pré-rafaelismo, enquanto os Stuckists e do Grupo Birmingham também derivado inspiração dele. Birmingham Museum & Art Gallery tem uma coleção de renome mundial de obras de Burne-Jones e os pré-rafaelitas que, dizem alguns, fortemente influenciado o jovem JRR Tolkien que mais tarde viria a escrever seus romances, como A Hobbit e O Senhor dos Anéis, com sua influência retirados das mesmas cenas mitológicas retratadas pelo pré-rafaelitas. No século XX, os ideais artísticos mudou e se afastou da arte representar a realidade. Uma vez que os pré-rafaelitas foram fixados em retratar as coisas com precisão quase fotográfica, porém com uma atenção distinta para detalhados de superfície padrões, seu trabalho foi desvalorizado por muitos pintores e críticos. Em particular, após a Primeira Guerra Mundial, britânicos modernistas associado Pré-Rafaelita arte com os tempos repressivos e para trás em que eles cresceram. Na década de 1960 houve um grande renascimento do Pré-rafaelismo. Exposições e catálogos de obras, culminando em uma exposição de 1984 em Londres, a Tate Gallery, re-estabeleceu um cânone de pré-rafaelita de trabalho. Em setembro de 2012, pré-rafaelita arte foi novamente em exposição no Tate Britain. Existem grandes coleções de pré-rafaelita trabalho na Tate Gallery, Victoria and Albert Museum, Manchester Art Gallery, Lady Lever Art Gallery, do Liverpool, Walker Art Gallery e Birmingham Museum and Art Gallery. O Museu de Arte de Delaware tem a coleção mais significativa de pré-rafaelita arte fora do Reino Unido. Andrew Lloyd Webber é um ávido colecionador de obras pré-rafaelitas e uma seleção de 300 itens de sua coleção foram mostradas em uma grande exposição na Royal Academy em 2003. Os National Trust casas em Wightwick Manor, Wolverhampton e em Wallington Hall, Northumberland, ambos têm coleções significativas e representativas. A história da Irmandade, a partir de sua exposição controversa primeira até à sua eventual acolhimento pelo estabelecimento arte, tem sido retratada em duas séries da TV BBC. O primeiro, A Escola de Amor, foi ao ar em 1975, o segundo é o 2009, teatro série Desperate Romantics por Peter Bowker. Embora muito do material deste último é derivado de Franny Moyle o livro factuais Desperate Romantics: The Private Lives do pré-rafaelitas a série ocasionalmente afasta fatos estabelecidos em favor de licença dramática e é prefaciado pelo aviso: "Em meados do século 19, um grupo de jovens desafiou o establishment artístico do dia. Irmandade pré-rafaelita foram inspirados no mundo real à sua volta, mas tomou licença imaginativa em sua arte. Esta história, baseada em suas vidas e alma, que segue em espírito inventivo". Ken Russell's televisão filme Inferno de Dante (1967) contém cenas breves sobre alguns dos principais pré-rafaelitas, mas concentra-se principalmente sobre a vida de Rossetti, interpretado por Oliver Reed. Wuthering Heights 2009 é propriedade da ITV, PBS, Mammoth Tela WGBH. Escrito por Peter Bowker, Emily Brontë (romance) Dirigido por Coky Giedroyc estrelado por Tom Hardy e Charlotte Riley Song: Na minha mais bela por REM ( Buck / Mills / Stipe)

Assalto ao museu KUNSTHAL - Roterdã (video: histórias de Waterloo)

Sete pinturas, incluindo obras de Picasso, Matisse, Monet e Gauguin, foram roubadas do museu Kunsthal de Roterdã durante a madrugada de terça-feira (16out2012), anunciou a polícia, depois de se recusar inicialmente a identificar as peças levadas. Na manhã desta terça-feira sete obras de arte foram roubadas do museu Kunsthal em Roterdã. Em consulta com os proprietários a polícia pode agora divulgar suas fotos, informou um comunicado da polícia acompanhado das imagens. As obras roubadas são: "Cabeça de Arlequim" (1971), de Pablo Picasso, "A Leitora de Branco e Amarelo" (1919) de Henri Matisse, "A Ponte de Waterloo" e "Ponte de Charing Cross" (1901), de Claude Monet, "Mulher Diante de uma Janela Aberta" (1888), de Paul Gauguin, "Autorretrato", de Meyer de Haan, e "Mulher com os Olhos Fechados" (2002), de Lucien Freud. A porta-voz da polícia de Roterdã, Patricia Wessels, informou que a corporação fará uma grande investigação. Mais cedo, Wessels, informou que “durante a noite, invadiram e levaram vários quadros que representam uma quantia considerável”, anunciando uma grande investigação. O museu está exibindo uma mostra de obras da Fundação Triton como parte da celebração de 20 anos, incluindo quadros de Picasso, Van Gogh, Marcel Duchamp e Piet Mondriaan. Wessels, representante do museu, contou à agência AFP que a polícia foi chamada assim que o alarme disparou, mas o ladrão, ou ladrões, conseguiram fugir antes que as viaturas chegassem ao local. Willemieke Romijn, porta-voz da polícia, disse que os investigadores estão revendo fitas das câmeras de segurança do local e telefonando para testemunhas. Acredita-se que o furto, um dos maiores dos últimos tempos na Holanda, tenha acontecido por volta das 3h desta terça. Mais detalhes sobre como o crime aconteceu devem ser divulgados ao longo do dia. Segundo Mariette Maaskant, do museu Kunsthal, o valor das obras é "considerável". Especialistas independentes afirmam que os quadros valem, claramente, milhões de dólares, mas que seria impossível vendê-los no mercado aberto. As telas faziam parte de uma mostra de 150 peças exibidas por ocasião da celebração do 20º aniversário do Kunsthal, que ainda tem obras de Piet Mondrian, Vincent Van Gogh e Salvador Dalí. As obras roubadas pertencem à coleção particular da Fundação Triton, propriedade do casal holandês Willem e Marijke Cordia e que pela primeira vez foram expostas ao público. O diretor do Kunsthal, Wim van Krimpen, alegou que a coleção está "muito bem documentada" e considerou muito pouco provável que os quadros sejam vendidos. Em Londres, durante os bombardeios da Primeira Guerra, o oficial Roy e a bailarina Myra se conhecem na ponte de Waterloo e logo se apaixonam. Porém, Roy precisa partir para o front de batalha. Myra promete esperá-lo. Meses depois, ela recebe a notícia da morte de Roy. Desiludida e sem recursos, Myra toma uma decisão drástica. Mas será que o seu grande amor realmente morreu? AOS SAUDOSISTAS DA PONTE DE WATERLOO, nossa sugestão: A Batalha de Waterloo em 18jun1815 em Waterloo, Bélgica, foi um combate decisivo entre forças francesas, britânicas, russas, prussianas, austríacas e se deu nas proximidades da aldeia belga de Waterloo. Ocorreu durante os Cem Dias de Napoleão, entre seu exército de 72 mil homens recrutados às pressas e o exército aliado de 68 mil homens comandados pelo britânico Arthur Wellesley, Duque de Wellington, antes da chegada dos 45 mil homens do exército prussiano. Representantes de Rússia, Prússia, Áustria, Suécia, Inglaterra e várias nações e reinos menores tentavam, redesenhar o mapa político da Europa, reinstaurando as monarquias e os territórios que existiam antes do furacão napoleônico. Porém, a ilusão de que o general corso estava liquidado acabou quando souberam que ele não só havia retornado do exílio em Elba (uma ilhota no Mediterrâneo), como no dia 20 de março fora recebido em glória em Paris. Os aliados mal puderam acreditar. Napoleão, dez meses antes, em 11abr1814, fora derrotado por uma coalizão de mais de 500 mil soldados de várias nações europeias, que se sublevaram contra o domínio francês após a desastrosa campanha napoleônica na Rússia, em 1812. Vitoriosos, os aliados colocaram Luís XVIII no trono da França e enviaram Bonaparte ao exílio. Agora, quando estavam prestes a dividir o bolo, teriam de brigar novamente com seu pior pesadelo. Depois de derrotar a França e aprisionar Napoleão em Elba, encerrando duas décadas de guerra, a Europa fica chocada ao encontrar Napoleão escapou e fez com que o exército francês a desertar do Rei de volta para ele. O melhor dos generais britânicos, o duque de Wellington, bateu melhores generais Napolean em Espanha e Portugal, mas nunca sofreu Napoleão. Wellington fica entre Napoleão com um improvisado exército anglo-aliados e os prussianos. A vitória de Napoleão vai mergulhar a Europa de volta em uma guerra de longo prazo. Uma vitória aliada poderia trazer a paz a longo prazo para a Europa. Os dois se encontram em Waterloo, onde o destino da Europa será decidido.

Adolf ZIEGLER - faceta artística do Reich (video: Adrian von Ziegler)

Nasceu em 16out1892 Bremen - 18set1959 Varnhalt, alemão pintor e presidente da Câmara Reich de Belas Artes. O filho de um arquiteto, estudada desde 1910, primeiro na Universidade de Belas Artes de Weimar, em seguida, na Academia de Belas Artes de Munique, onde também Janks Angelo frequentou a escola de arte. De 1914 a 1918, ele serviu como soldado de combate na Primeira Guerra Mundial. Em seguida, ele foi contratado Jank e Karl Caspar novamente alunos da Academia e trabalhou até 1933 como um artista independente em Munique. Depois de um encontro pessoal com Adolf Hitler, em 1925, ele se juntou ao nazista, cuja funcionários nomeou-o para o "Conselheiro Propriedade de Artes Visuais" na liderança nacional do partido. Desde novembro de 1933, Adolf Ziegler ensinado como professor na Academia de Arte de Munique. Ziegler, um pintor tecnicamente qualificados exclamou, com sua ilustrada precisão meticulosa alegóricos nús e  retratos mostram a admiração de Hitler e rapidamente se tornou o principal representante da arte oficial do partido, o sangue-e-arte-solo. Escarnecedores se referiu a ele como um "artista de cabelo púbico império" ou "mestre do cabelo feminino púbico", bem como "mestre do cabelo alemão púbico“. Devido à sua exposição em termos de política cultural nazista promoveu Goebbels em novembro de 1936 para "Conselheiro Propriedade de Artes Visuais" e do Presidente da Câmara Reich de Belas Artes, da Câmara de Cultura do Reich. Nesta posição foi Ziegler responsável pela  discriminação de arte moderna e crítica. 1937 Ziegler foi encomendado por Hitler com a "limpeza" dos museus alemães e galerias de "arte degenerada", que é a arte que não é a concepção de arte nazista correspondia comissionados. Essa ação resultou na apreensão de mais de 16.000 obras. Algumas dessas pinturas e esculturas em junho de 1937, foi liderado por Adolf Ziegler exposição "Arte Degenerada"  equipada.  No discurso de abertura da exposição, ele representava a concepção Nacional-Socialista de arte e polêmica contra a arte moderna. "Você vê que nos rodeia estas invenções de insanidade, imprudência, e na incapacidade de degeneração”. Final de agosto 1937 Ziegler confiscados em obras de arte Hamburgo, incluindo 770 do Hamburger Kunsthalle. Paralelamente a seu partido relacionados com exposições, ele produziu ainda própria arte, que ele na Casa de Arte alemã, também na Grande Exposição de Arte alemã, apresentado em Munique. Em 1937, ele publicou o livro A Arte do Terceiro Reich. De derrotismo acusado porque ele tinha proposto, em 1943, dada a situação de guerra negociações de paz com a Inglaterra, Ziegler teve que renunciar ao seu cargo público por algum tempo e veio para o campo de concentração de Dachau. Após a Segunda Guerra Mundial, viveu primeiro com sua irmã em Baden-Baden e foi como um "companheiro" desnazificação.  Na zona de ocupação soviética, seu livro O movimento russo ímpios (Kosel Pustet, Munique 1932) na lista de literatura proscrita set1938. Ziegler foi pai de Pedro Werner, que foi adotado mais tarde, recebeu o sobrenome de seu padrasto e uma carreira de ator como Peter Reistenhofer. Campo de concentração de Dachau foi cerca de 20 Kms a noroeste de Munique, a capital do movimento. Como o primeiro campo de concentração (KZ), a Schutzstaffel (SS) deixou para o Reichsführer-SS e Munique chefe da polícia de Heinrich Himmler no local de uma fábrica de munições a leste da cidade de Dachau. Ela consistia de 22mar1933 para a libertação por tropas norte-americanas no dia 29abr1945 e foi o único dos doze anos de domínio nazista através de inventário existente. Tornou-se o terreno fértil para campo de concentração de novo e tomou uma série de posições especiais. Seu relógio estava fora nos primeiros anos por unidades montadas do general da SS feita. O acampamento foi o primeiro lugar no Império Alemão, onde um SS acampamento comandante foi atribuído à jurisdição exclusiva e a lei foi definido com êxito substituído. O SS criou um "Estado dentro do Estado", no qual ela segurou os adversários políticos, suprimiu e assassinados. Após a derrubada da SA, Himmler aumenta o campo de concentração e um novo detento área de construção que se juntou ao ex-fábrica de munições. Organização e estrutura espacial mais tarde serviu como um modelo para campo de concentração de novo em território alemão. O nazista regime foi apresentado propaganda como uma loja âncora e para deter dissidentes políticos. Dachau era um campo de treinamento para guardas da SS e os líderes da SS, inclusive nos posteriores campos de extermínio foram usados. O campo de Dachau não era um campo de extermínio, mas em qualquer outro campo de concentração aconteceu tantos assassinatos políticos. Dos pelo menos 200.000 prisioneiros morreram cerca de 41.500. Hoje, no local do campo de concentração de Dachau, que é visitado por cerca de 800.000 pessoas em todo o mundo. A ideologia do sangue e do solo, considera a descida (o "sangue") e do fundo (para ele se retirar, pela Agricultura e Alimentação como um habitat) e, portanto, falar, a linhagem campesinato antigo como o principal meio de subsistência. Ela surgiu a partir do racismo e nacionalismo do final dos anos 19 Século e foi fundamental para a nazista ideologia. Os críticos desta ideologia visto na ideologia do sangue e do solo, uma arrogância belicista de (própria) raça (sangue) para legitimar uma nação a se expandir e do estoque de seu próprio povo, destruindo outros povos garantia e aquisição de solo estrangeiro. Detectável como um sangue par conceitual e de solo já está em 1922 publicou o trabalho O Declínio do Ocidente de Oswald Spengler, em que a "batalha entre o sangue e do solo para a forma interior de um animal transplantado e espécie humana" falou. A imagem foi, então, a partir de agosto Winnig aceitou cuja fonte de libertação a partir de 1926, bem como seu livro O Reino da República (1928), em cada caso, com a frase que começa com "sangue e solo são o destino das nações (as pessoas)". Somente por Richard Walther Darré, Membro Artamans, de sua publicado em 1930 escrever o título Neuadel de sangue e do solo foram, foi a fórmula sucinta de um conceito central da ideologia nazista, de uma relação específica entre idéias políticas raciais, econômicas e agrícolas tentando provar. Nas artes visuais, especialmente a pintura e escultura monumental, viu os nazistas é um meio importante de influência ideológica sobre a população. Como motivos recorrentes foram os arianos mitos dos agricultores diligentes alemães, os bravos soldados alemães, fértil ou intacta alemão de mulheres grande família alemã convocado. Havia muitos tecnicamente dotado do artesão que poderia implementar o imaginário ideológico do nazismo visual-visual. O nome de Adolf Ziegler, Paulo Mathias Pádua, Werner Peiner, Arthur Kampf, Arno Breker, Josef Thorak de estar aqui em nome de muitos. Alguns desses artistas chamados nazistas eram nas artes e na política cultural do NSDAP posições importantes. As obras de até 1933 na República de Weimar, parcialmente conhecido e famoso artista alemão cujo trabalho se baseia na liberdade e independência foram, depois de Hitler tomada do poder como uma arte degenerada banido de museus e parcialmente destruído. Você mesmo tinha muitas vezes para o exílio. O selo de sangue e do solo (também chamado de "Blubo-selo" ou literatura Blubo) é uma direção literária em que a ideia de uma raça liderança camponesa artreinen emerge. É composto principalmente agricultores, assentados e romances de aquisição de terras. Representantes são Gerhard Schumann, Herbert Böhme, Heinrich Anacker, Herybert Menzel, Josefa Berens-Totenohl e outros. A exposição "Arte Degenerada" foi um dos nazistas exposição propaganda organizada em Munique. Ela nasceu em 19Jul1937 nos arcades Hofgarten abriu e terminou em novembro do mesmo ano. Paralelo encontrado no dia antes de abrir "Exposição de Arte Primeira Grande Alemão", realizada de modo que "Arte Degenerada" e do regime financiado arte, o chamado "Arte alemã", foram comparados. exposições de Munique foi seguida até 1941, uma exposição itinerante com o mesmo título, A estação feita em 12 cidades, no entanto, houve algumas outras exposições. A exposição de Munique de Adolf Ziegler organizado, que também liderou as apreensões anteriores. Assim, da Comissão de Ziegler em coleções e museus, como o Museu Wallraf-Richartz, em Colônia, o Museu Folkwang, em Essen, a Kunsthalle de Hamburgo, o Landesmuseum em Hanover e o novo Departamento da Galeria Nacional em Berlim como "degenerada" em vigor obras de arte selecionadas para uso no programa, dos quais 600 foram realmente mostrado. Eles representavam o caluniado arte estilos expressionismo, dadaísmo, surrealismo e Nova Objetividade. Para conseguir um efeito de "caótica" fenomenal, as obras nas salas de exposição foram deliberadamente enforcado desfavorável e desde que com slogans difamatórias nas paredes. Assim, toda a exposição foi a propaganda voltada para a ação. A exposição "Arte Degenerada" teve 2.009.899 visitantes, de acordo com funcionários e foi, embora este valor é embelezado, até então uma das exposições mais visitadas da arte moderna.

Edgar (DEGAS) Hilaire Germain de Gas e suas bailarinas (Impressionismo)

Edgar Hilaire Germain de Gas(Paris, 19jul1834 - 27set1917) foi um gravurista, pintor e escultor francês. Embora seja muito conhecido pelas suas pinturas, majoritariamente de carisma impressionista, é igualmente relembrado como gravurista. Muitos dos seus trabalhos conservam-se hoje no Museu de Orsay, na cidade de Paris, onde o artista nasceu e faleceu. A origem e a formação de Edgar Degas jamais sugeriam que ele viesse a ser um revolucionário, que de uma forma tão morta satirizou e reformulou as percepções visuais das pessoas do seu tempo. Nasceu no seio de uma família da alta-burguesia. O seu pai, René Auguste de Gas, geria uma sucursal de um banco napolitano que pertencia à família. Com onze anos, os pais ingressaram-no num bom colégio, da típica sociedade, mas, somente quando se inscreveu no Lycee Louis Le Grand, começou a perseguir um sonho chamado «Arte». Com dezoito anos, numa sala da mansão dos seus pais, formou um atelier onde concebeu alguns dos melhores trabalhos do início da sua carreira. Não pintava muito na escola pois tinha bem assente a sua posição social e os pais relembravam-lhe constantemente que era um aristocrata. Cansado, saiu do liceu aos vinte anos de idade com outros planos em mente. Com Louis Lamothe estudou desenho. Foi este artista quem lhe serviu de conselheiro durante os primeiros anos da sua carreira e que lhe fez florescer o gosto iminente por Dominique Ingres. Nos anos próximos Degas foi admitido na École des Beaux-Arts, em Paris. Entusiasmado, empreendeu uma viagem à Itália onde tomou mútuo contato com as obras de Rafael Sanzio, Leonardo da Vinci, Michelângelo, Andrea Mantegna - tanto que chegou mesmo a fazer um quadro cujo título era «A cruxificação de Mantegna» - entre outros artistas da Renascença. Durante esta viagem concebeu um dos seus melhores trabalhos: Retrato da família Bellelli. Quadro cuja preparação lhe roubou mais de dois meses, tendo esboços de todos os membros da família aristocrata italiana. Com esta pintura Degas descreveu extraordinariamente o carácter psicológico da baronesa, que contrasta visível e implacavelmente com o do barão. A baronesa confina-se a olhar enaltecidamente para uma janela que somente se sabe que ali está devido ao espelho, em pose burguesa. O barão, mais velho que a esposa, mira encarecidamente a sobrinha sentada. A par deste quadro, não se cansou de retratar os membros da sua família, incluindo o seu avô, Hilaire Germain de Gas, o patriarca da família De Gas. Retornado a Paris, com a soberba imponência de quem travou conhecimento com o grande Gustave Moreau, visitou várias vezes o Louvre onde estudou concisamente a obra de Delacroix e de Dominique Ingres. Este último era, por assim dizer, «idolatrado» por Degas. Com tudo isto conheceu um homem que se viria a revelar um grande amigo e que o marcaria até ao final dos seus dias: Edouard Manet. Começara, de vez, o impressionante percurso artístico de Edgar Degas. Depois da sua longa visita a Itália, onde não se absteve de estudar e até mesmo copiar as obras dos mais distintos pintores do Renascimento italiano, Degas regressou a Paris. Enfastiado pela arte renascentista e barroca, passou a ir frequentemente ao Museu do Louvre, onde estudou as obras de pintores, seus precedentes, de toda a Europa, sem exceptuar Nicolas Poussin, Dominique Ingres, Leonardo da Vinci, Hans Memling, Ticiano, Anthony van Dyck, Joshua Reynolds, Hubert Robert, John Constable e outros mestres. As pinturas deste período, cópias das obras dos precedentes pintores ou inspiradas nas obras dos mesmos, começaram a encarar o sucesso e foram até aceitas no Salon. Degas era reconhecido como um convencional e ecléctico pintor parisiense do Salon. Mas, em 1870, a vida de Degas mudou algo, aquando da Guerra Franco-Prussiana. Na guerra, entre duas das maiores potências europeias - embora em declínio - que Degas serviu, na Guarda Nacional, na artilharia, agindo na defesa de Paris. Estava ali junto a Henri Rouart. Os dois ficaram instalados na casa de uns amigos da família De Gas (ou, abreviadamente, Degas), de nome Valpiçon. Foi aqui, em Ménil-Hubert, na Normandia, que Degas trabalhou em Retrato da jovem Hortense Valpiçon. O quadro revela uma assimetria semelhante a A dama dos crisântemos, que, por sua vez, retrata a mãe de Hortense, a famosa Madame Valpiçon. Esta temporada marcou o interesse maior do aristocrata pela pintura histórica. Depois da Guerra - e para descansar - Degas retirou-se para Nova Orleans, por via Londres, com o seu irmão René (que tinha o mesmo nome que o pai), onde o tio estava imigrado e mantinha um negócio de algodão. Ali concebeu um vasto número de trabalhos antes de retornar a Paris, entre A Bolsa de algodão de Nova Orleans, O pedicuro (que tem-se como mais um dos incansáveis estudos da vida quotidiana proferidos por Degas) e Negociantes do algodão em Nova Orleans. Regressou à sua cidade natal no ano de 1873, depois de permanecer cerca de cinco meses nos EUA. Depois de tantos anos dedicado à pintura Degas quis, a par dessa atividade, experimentar uma nova ocupação. Vendo-se em favorável posição social, Degas teve acesso às mais contemporâneas tecnologias e modas. Recentemente inventada, a Fotografia também atraiu o francês. Mas por pouco tempo. De opinião conservadora, digna de um verdadeiro aristocrata, reinventou-se como colecionador de arte e comprou vários trabalhos de Paul Gauguin, Van Gogh e Paul Cézanne, o que demonstra a aptidão que tinha para a escolha de tons vivos e fortes e a «força» que estes exercem sobre si. Criou então uma coleção, hoje, de imenso valor comercial. Como já foi dito explicitamente, Degas gozou de uma grande estabilidade monetária. Todavia somente gozou de tanta estabilidade até 1874, aquando da morte do seu pai. Tendo herdado algumas dívidas, Degas viu-se na obrigação de vender a sua coleção de arte. Mesmo assim não deixou de parte os seus luxos, incluindo os criados, os quais retratava frequentemente. A sua governanta era Zoé Cloisier. Em 1874, após a morte do pai, Degas precisava de ajuda para a concretização de uma exposição onde pudesse exibir as suas pinturas. A exposição, a princípio um acontecimento simples, que não deveria chamar muita atenção, acabou sendo a Primeira Exposição Impressionista, onde Degas se apresentou com trabalhos como Nas corridas e Cavalos de corridas. Ambas as obras estão hoje em exibição em museus: a primeira no Museum of Fine Arts, em Boston, e a segunda no Museu de Orsay, em Paris. Degas e os demais impressionistas protagonizaram mais sete exposições, a última em 1886. Degas participou em todas, sem exceção. Na maioria das exposições, Degas foi ali inserido sob alçada de Manet, o seu «amigo rival». Depois destas exposições o mundo havia, de certo, mudado. As pessoas renovaram a sua visão da arte e foram se acostumando àquelas pinturas que a «boa-sociedade» tinha como imprudentes, escandalosas (as de Edouard Manet) e até mesmo imorais, objetos incitadores de revoluções. E de fato, os impressionistas foram mesmo revolucionários: revolucionaram a maneira muito conservadora de ver a arte, mudaram a visão naturalista que as pessoas tinham do Mundo que as rodeava, deram o primeiro passo para a Arte Moderna. Apesar de Degas, ao longo da sua vida, ter sido conservador tanto nas opiniões como na própria forma de vida, as transformações que sofreu, tal como com a maioria dos outros impressionistas, viriam, de fato, a transformar-se na «alavanca» do Modernismo. Degas é considerado vulgarmente como um dos impressionistas, todavia, tal afirmação revela-se um erro, visto que o autor nunca adotou o leque de cores típico dos impressionistas, proposto por Monet e Boudin, e para além disso desaprovou vários trabalhos seus. Pelo contrário, Degas misturava o estilo impressionista - inspirado em Manet - com inspirações conservadoras, com bases assentes na Renascença italiana e no Realismo francês. Mas à semelhança de muitos modernistas - desta época ou de outras, veja-se Matisse, que viveu posteriormente, inspirou-se muito nas odaliscas de Dominique Ingres. Na primeira exibição impressionista, Degas constava na lista dos que ali tinham obras expostas. As suas obras reuniam uma gama de influências vastas e sem semelhança, onde sobressaem as gravuras japonesas e os torneados humanos de Dominique Ingres. Como é de notar os quadros de Degas não surpreenderam tanto como os de Monet, por exemplo. O público não se espantava tanto com as suas pinturas; eram tão mais delicadas, sem a agressividade que viram nos outros trabalhos, fazia-lhes até lembrar a pintura histórica, os grandes mestres italianos e o encanto dos franceses do setecento. Degas ficou conhecido por muito pintar bailarinas, principalmente, cavalos, retratos de família - dos quais o mais conhecido é Retrato da Família Bellelli - ou individuais (por exemplo, o Retrato de Edmond Duranty), cenas do quotidiano parisiense e cenas domésticas, como o banho (como A banheira), paisagens e pela burguesia de Nova Orleans. Todavia, durante algum tempo Degas aplicou-se a pintar as tensões maritais, entre homem e mulher (recorde-se O estupro e O amo). Na década de 60, Degas adquire finalmente o estilo que o tornaria famoso e diferente dos seus colegas: a pintura histórica. Apesar desse particular não deixou de continuar a pintar as cenas de ópera e concertos, mulheres e finalmente, as bailarinas. Sim, as famosas bailarinas que o tornaram um pintor de renome. Desta série que perdurou ao longo do final do seu glorioso percurso artístico, as mais famosas pinturas são, sem dúvida, A primeira bailarina e A aula de dança. Nestes trabalhos o francês aplicou-se vivamente nos tons vibrantes, que vigoraram vulgarmente ao longo da sua vida. Porém, durante este período os seus trabalhos tornaram-se muito expressivos, alarmantes, assustadores. Veja-se o caso do primeiro. A bailarina parece que voa e o ambiente em torno dela é inspirador e implacável. Um quadro vivo, uma obra-prima inquestionável. É impossível esquecer Músicos da Ópera, uma verdadeira cena saída de um conto literário. Um particular interessante na pintura de Degas é o fato de conceder a cada personagem dos seus trabalhos uma atmosfera brilhante e eclética que faz com estas pareçam reais, móveis, tocáveis, inexplicáveis. Degas era, incontestavelmente, um mestre da pintura. Músicos da Ópera não foge à regra. Até aqui era frequente utilizar pastel, todavia, durante a década de 70 era mais frequente a pintura a óleo, nos seus trabalhos. Devido à sua brilhante técnica, hoje, as pinturas de Edgar Degas são das mais procuradas pelos compradores de todo o Mundo. Em 2004 um trabalho de Degas de nome As corridas no Bois de Boulogne foi vendido na Sotheby's pela quantia espantosa de cerca de 10 milhões de Euros, ao lado de O tomateiro, de Pablo Picasso e de alguns outros trabalhos do seu eterno «amigo-rival» Edouard Manet. Saúdo Vossa Excelência que tem aquela perspectiva, talvez das pinturas de Degas, capaz de vislumbrar o horizonte sem o impressionismo que dificulta muitas vezes o exercício da poesia para a boa aplicação da justiça. Ministro Menezes Direito. Degas era um aristocrata, um homem de família típica, um descendente de banqueiros napolitanos. Portanto, os seus trabalhos, do início da sua carreira, foram bem aceitos pela crítica e pela aristocracia restante que se espantava ao ver o talento. Sem dúvida, a sua classe social influenciava na aceitação dos seus trabalhos. Desde cenas do cotidiano doméstico às frenéticas ruas de Paris, desde a Bolsa de Nova Orleans à pintura histórica, desde as corridas de cavalo a mulheres passando a ferro, todas as suas obras eram bem aceitas e de extrema reputação. Contudo, tal viria a mudar depois da concepção de Place de La Concorde. Enquanto nos seus antigos quadros surgem com bastante dinamismo, a composição deste não permitiu tal coisa. As figuras deslocam-se, perece, vagarosamente - o que é óbvio pois representava um passeio. Existe uma quase ausência de personagens na praça parisiense. Figuram duas meninas que não se sabe a quem pertencem, de onde vêm nem para onde vão. Demonstram um sorriso implacável e constrangedor, comparável ao de Mona Lisa, de Leonardo da Vinci. Dois velhos de cara triste, perambulando com cartola posta, e barba arranjada, muito ecléticos. Parecem infelizes. E esta atmosfera triste realça-se mais com os trajes dos personagens, cinzas ou pretos. Não se sabe ao certo como reagiram as pessoas ao quadro, sabe-se porém, que ficaram eternizadas expressões de cansaço, no público. Pareciam tristes ao ver a obra. Degas já não era a mesma coisa. E depois de A pequena bailarina de catorze anos, Degas marca o início da sua independência do grupo dos impressionistas. Deixa-os para trás. Aquilo para ele era somente uma brincadeira, com a qual se tornou reconhecido na Europa. Ao exibir esta escultura deixou os seus colegas chocados como toda a «boa sociedade» da época. A bailarina representada era um dançarina da Ópera que Degas conheceu. A sua família era miserável, tendo mesmo uma irmã prostituta. Estudou balé até os 16 anos, já depois de Degas a ter esculpido, até que teve que se prostituir para conseguir viver. Escandalizado, Degas fez com que a bailarina muito jovem se deixasse desenhar. Começou com simples esboço, depois as telas e depois, uma escultura revolucionária que viria a mudar o mundo. Degas fê-la com o propósito de deixar bem marcados na cera (material com que esculpiu a bailarina) os seus sentimentos face àquela miséria fútil, na qual viviam milhares de parisienses. A sua face mostra o árduo trabalho com o qual conviveu. Ao exibir, chocados, todos perguntavam o porquê de estar ali exposta aquela escultura. Aquilo comovia a sociedade, remexia-lhes o peito, fazia-os tristes, não queriam olhar. Por outro lado, esta escultura foi o primeiro trabalho nesta área da arte que incluiu uma roupa real, desta feita uma saia. A partir daí, o Mundo começou a refletir sobre aquele aristocrata que se atreveu a provocar a sociedade e Degas foi, de algum modo, rejeitado e até mesmo humilhado. Mas ninguém se pôde esquecer que ele mudara a visão conservadora e eclética do mundo, e não se esqueceu de publicitar e de tornar públicos os problemas deste. Anos mais tarde, a famosa escultura tornou-se um ícone desta forma de Arte. Impossível é deixar de referir que Edgar Degas foi um dos maiores revolucionários da arte do oitocento e de todos os tempos.

Tambores de SAFO

Chora a floresta, a floresta chora, Chora a floresta mas o governo não olha. Refrão da música-poesia criado por Brigida Souza, integrante das Tambores de Safo Se o corpo, se o corpo, se o corpo é da mulher, ela dá pra quem quiser, ela dá pra quem quiser, ela dá pra quem quiser, inclusive pra outra mulher. Trecho do Funk da Solução, Música de autoria de Lila M. e Lídia Rodrigues, integrantes das Tambores de Safo.     A nossa luta é todo dia,somos mulheres e não mercadorias A nossa luta é por respeito Mulher não é só bunda e peito Nós, Tambores, durante o Ato, tiramos nossas blusas como forma de protesto, como sempre fazemos em cortejos e no nosso espetáculo, na apresentação da música A Carne, que é de autoria do Marcelo Yuka, Ulisses Cappelletti e Seu Jorge e que tem como interprete principal a cantora Elza Soares. O fato de protestarmos de "peito aberto" causou um grande interesse da mídia, que deu grande destaque a participação das Tambores de Safo no Ato das Mulheres. No momento em que tiramos a blusa, fomos cercadas por diversos fotógrafos e repórteres pedindo entrevistas, mas não nos intimidamos e seguimos assim até o final do Ato. Aparecemos no mesmo dia em telejornais de diversas emissoras de televisão, fomos capa de alguns jornais no dia seguinte e em muitos outros haviam reportagens sobre nós. A notícia se espalhou pela Casa Feminista e arredores, fazendo com que os jornais se esgotassem nas bancas mais próximas. Fomos procuradas pela imprensa de diversos meios de comunicação após a Cúpula, tendo aspectos positivos, como a oportunidade de visibilizar os ideais feministas em rede nacional, e negativos, como a tentativa machista e capitalista de transformar o nosso ato em mais uma forma de mercantilização do corpo da mulher, lidando conosco como se fossemos mercadorias. Devido a isso, fomos bastante seletivas nas entrevistas dadas, aceitando as que queriam abordar o assunto com enfoque político e recusando inúmeras propostas de meios de comunicação renomados. Devido a manipulação de entrevistas dadas por nós a alguns meios de comunicação, chegando a deturpar seu conteúdo, a AMB em parceria com as Tambores de Safo, criaram uma nota para a imprensa como forma de repúdio a tentativa de transformar um Ato político anti-machista, anti-capitalista, anti-patriarcal no seu oposto. O link abaixo é a carta a imprensa postada nesse mesmo blog: http://tamboresdesafo.blogspot.com.br/2012/06/nota-imprensa.html Brigida Safo foi uma poetisa grega que viveu na cidade lésbia de Mitilene, ativo centro cultural no século VII a.C.. Nascida algures entre 630 e 612 a.C., foi muito respeitada e apreciada durante a Antiguidade, sendo considerada "a décima musa". No entanto, sua poesia, devido ao conteúdo erótico, sofreu censura na Idade Média por parte dos monges copistas, e o que restou de sua obra foram escassos fragmentos. A biografia de Safo (Psappha, como a própria assinava no dialeto eólico) é um tanto controversa. Muito do que se diz a seu respeito está envolto em lendas (inclusive suas relações com mulheres). Nasceu em Eresos, uma cidade da fértil ilha grega de Lesbos, entre 630 e 612 a.C., tendo mudado-se para Mitilene, sua capital e principal cidade, ainda menina. Já em 593 a.C. figurava dentre os aristocratas deportados para a cidade de Pirra (também na ilha de Lesbos) por conspiração. Safo já tomava parte da vida pública (na política e na poesia) aos 19 anos. O ditador Pítaco, temendo-lhe a escrita, condenou-a a um exílio mais distante, fora da ilha de Lesbos. Sobre tal exílio: Era Pitaco ditador de Mitilene, a maior das cinco cidades de Lesbos. Os comerciantes e cidadãos menos abastados derrubaram a aristocracia, fazendo de Pitaco o ditador, nos moldes do seu contemporâneo e amigo Sólon. Tentando a retomada do poder, os aristocratas conspiram, e são novamente derrotados, sendo exilados seus líderes, dentre os quais o poeta Alceu e Safo. Alceu teria sido um poeta que mesclara sua arte com a política, num estilo todo próprio que se diz alcaico e teria sido, certamente, mais conhecido não tivesse ao lado a grandeza de Safo. No primeiro exílio, em Pirra, consta que Alceu tenha lhe enviado um convite amoroso: "Oh pura Safo, de violetas coroada e de suave sorriso, queria dizer-te algo, mas a vergonha me impede." Não se sabe se este affair teve consequências, mas que Safo respondera-lhe, então: "Se teus desejos fossem decentes e nobres e tua língua incapaz de proferir baixezas, não permitirias que a vergonha te nublasse os olhos - dirias claramente aquilo que desejasses". Alceu dedicou-lhe muitas odes e serenatas. Por volta de 591 a.C. parte para a Sicília. Naquela época casou-se com um rico comerciante de Andros que, falecendo em breve, deixou-lhe uma rica herança e uma filha, Cleis, que a mãe assim definia: "dourada flor que eu não trocaria por toda a Lídia, nem pela formosa Lesbos". Após cinco anos exilada, volta para Lesbos, onde logo se torna a líder da sociedade local, no plano intelectual. Sedutora, não dotada da beleza na concepção grega da época (embora Sócrates a houvesse denominado "A Bela"), Safo era baixa e magra, olhos e cabelos negros, e de refinada elegância, viúva e vivendo numa sociedade que não tinha regras morais como hoje se concebem. Concebeu Safo uma escola para moças, onde lecionaria a poesia, dança e música - considerada a primeira "escola de aperfeiçoamento" da história. Ali as discípulas eram chamadas de hetairai (amigas) e não alunas. A mestra apaixona-se por suas amigas, todas. Dentre elas, aquela que viria a tornar-se sua maior amante, Atis - a favorita, que descrevia sua mestra como vestida em ouro e púrpura, coroada de flores. Mas Atis apaixona-se por um moço e, com ciúmes, Safo dedica-lhe os versos: "Semelhante aos deuses parece-me que há de ser o feliz mancebo que, sentado à tua frente, ou ao teu lado, te contemple e, em silêncio, te ouça a argêntea voz e o riso abafado do amor. Oh, isso - isso só - é bastante para ferir-me o perturbado coração, fazendo-o tremer dentro do meu peito! Pois basta que, por um instante, eu te veja para que, como por magia, minha voz emudeça; sim, basta isso, para que minha língua se paralise, e eu sinta sob a carne impalpável fogo a incendiar-me as entranhas. Meus olhos ficam cegos e um fragor de ondas soa-me aos ouvidos; o suor desce-me em rios pelo corpo, um tremor (…). A aluna foi retirada da escola por seus pais, e Safo escreve que "seria bem melhor para mim se tivesse morrido". Tantos milênios passaram-se após a vida desta figura feminina excepcional, que a humanidade viveu momentos de glória e desprezo sobre sua arte e personalidade. Em 1073 suas obras, junto com as de Alceu, foram queimadas em Constantinopla e em Roma. Mas foram redescobertas poesias dela em 1897. Safo foi chamada de "cortesã" (prostituta), por Suidas. E contavam que havia se suicidado pulando de um precipício na ilha de Leucas, apaixonada pelo marinheiro Faonte - fato que é descrito também em Menandro, Estrabão e Ovídio. Mas há consenso de que isto seja verdadeiramente mítico. Escritos sobreviventes dão Safo como tendo atingindo a velhice, e o certo é que não se sabe como nem quando ela morreu, sendo considerada por alguns a maior de todas as poetisas. Sua poesia era considerada das mais sublimes. Dentre os gregos que lhe foram contemporâneos e pósteros, Safo era considerada uma dos chamados "Nove Poetas Líricos" (os outros eram: Álcman, Alceu, Estesícoro, Íbico, Anacreonte, Simônides, Píndaroe Baquílides). Estrabão escrevera que "Safo era maravilhosa pois em todos os tempos que temos conhecimento não sei de outra mulher que a ela se tenha comparado, ainda que de leve, em matéria de talento poético." Assim como Homero era conhecido como "o Poeta", Safo era conhecida como "a Poetisa". Narram, ainda, os historiadores, que tendo Excetides declamado um canto de louvor a Safo para Sólon, seu tio, este pediu que o moço o ensinasse todo, de tanto que o agradou. Alguém então perguntou-lhe para quê queria tal coisa, ao que o célebre jurista respondeu: "Quero aprendê-lo, e depois morrer!" Mas nenhum epigrama foi mais próximo ao êxtase que seus versos provocavam do que este: Há quem afirme serem nove as musas. Que erro! Pois não vêem que Safo de Lesbos é a décima? — Platão peça teatral “Safo” de Patrícia Vilela, parceira do projeto “Na Gandaia”. ‘Safo’ traz história grega para metrópole paulistana atual. Solo é inspirado no poema ‘Safo ou o Suicídio’, da escritora francesa Marguerite Yourcenar. Muito antes do solo Safo, que estreia amanhã nos Satyros, o dramaturgo e fundador do grupo Ivam Cabral já havia se debruçado sobre a obra e a vida dessa poetiza nascida em 650 a.C. na ilha grega de Lesbos. Em parceria com Patrícia Aguille – atriz poderosa que depois faria todos os cinco espetáculos de Os Sertões no Teatro Oficina, ele escreveu Sappho de Lesbos na década de 90. Era um espetáculo para 13 atrizes com coro e estrutura de tragédia grega. Sappho fez temporada em Lisboa e na sede do grupo, na Praça Roosevelt, em São Paulo. Numa de suas idas a Curitiba – cidade onde o Satyros já manteve uma sede, Ivam Cabral soube que uma atriz interpretava Safo numa montagem local e, curioso, foi ver. “Era outra Patricia, a Vilela, e gostei do trabalho.” Recentemente, reencontrou a atriz que lhe pediu um texto sobre a poetiza. “De imediato recusei, achei excessivo voltar ao tema, mas lembrei do poema de Safo ou o Suicídio, publicado em seu livro Fogos. É uma atualização, ela faz da personagem uma trapezista.” Com essa inspiração, decidiu criar um novo texto, não totalmente realista, com um toque de fantástico, quase que na intersecção entre o anterior, de sua autoria, e o da escritora francesa. Assim, a Safo vivida por Patricia Vilela é a poetiza grega nascida em Lesbos, que viaja no tempo até a metrópole paulistana dos nossos dias. “Ela é bailarina, tem uma academia, como na Grécia tinha sua escola para preparar as moças para o casamento”, diz Ivam. Ali, conhece a jovem Átis, por quem se apaixona. “É um solo sobre o amor.” Há humor sobretudo nas citações a nomes, como da crítica de dança do Estado Helena Katz. Clipping publicado no Caderno 2 do jornal Estado de São Paulo, no dia 17set2011. Autora: Beth Néspoli. Em 1827 é publicada a série de desenhos de Girodet sobre a vida de Safo, gravados por seu aluno Chatillon e acompanhados de uma biografia da poetisa por seu amigo Coupin.

Monte Olimpo e Parnaso - Inspiração artística

O Monte Olimpo é a mais alta montanha da Grécia, com 2.917 m de altitude máxima e 2.355 m de proeminência topográfica. O Monte Olimpo é uma das mais altas montanhas da Europa, em altitude absoluta da base até o topo. Está situado a 40°5'N 22°21'E, a cerca de 100 km de distância de Salônica, segunda maior cidade da Grécia. Localiza-se próximo do Mar Egeu, na Tessália. Rafael Sanzio - Parnaso O seu ponto mais alto é designado Mitikas. O Monte Olimpo é reconhecido pela sua flora, a qual é muito rica, sobretudo devido à presença de espécies endêmicas. Qualquer um que queira escalar o Monte Olimpo começa a partir da cidade de Litochoro, que acabou também por receber o nome Cidade dos Deuses, devido à sua localização próxima à base do Monte Olimpo. Olimpo é um nome popular para montanhas em todo o mundo. Além do Monte Olimpo na Tessália, há na Grécia mais quatro com esse nome: na Mísia, na Cilícia, na Arcádia e na Élida. Ainda há um com o mesmo nome e que é o ponto mais alto da ilha de Chipre (Monte Olimpo), um na antiga região da já extinta região de Frígia, e outros dois nos estados norte-americanos de Utah e Washington, além de um vulcão em Marte (Olympus Mons). Andrea Mantegna Apolo e as Musas Na mitologia grega, o Monte Olimpo é a morada dos Doze Deuses do Olimpo, os principais deuses do panteão grego. Os gregos pensavam nisto como uma mansão de cristais que estes deuses (como Zeus) - habitavam. Sabe-se também, na mitologia grega, que, quando Gaia deu origem aos Titãs, eles fizeram das montanhas gregas, inclusive as do Monte Olimpo, seus tronos, pois eram tão grandes que mal cabiam na crosta terrestre. A etimologia de Olimpo é desconhecida, mas possui grandes traços de semelhança com a cultura pré-indo-europeia. Há também várias referências a ele na série de livros e filmes "Percy Jackson e os Olimpianos". Rafael Sanzio e Eliodoro (Cacciata) As Musas. Ao todo eram nove. Filhas de Zeus e de Mnemosine, viviam no Olimpo. Depois que Zeus venceu sobre os titãs, foi lhe ordenado que criasse divindades que cantassem as vitórias. Zeus se uniu a Mnemosine e a possuiu por nove noites. Um ano depois a Memória deu a luz as nove filhas, em um lugar perto do monte Olimpo. Foram criadas ali pelo caçador Croto, que depois da morte, foi transformado na constelação de Ságitário. Eram deusas, que cantavam o passado, presente e futuro, nas festas no Olimpo, para divertimento das divindades e também a vitória e gloria dos deuses. Seu lider era Apolo, deus da música, que sempre era seguido por elas, que por isso recebia o nome de Apolo Musagetes. Habitavam alem do Olimpo, o monte Hélicon e o monte Parnaso em Delfos. Eram bastante zelosas de sua honra e puniam os mortais que ousassem presumir igualdade com elas na arte da música tinham a virtude de conferir inspiração poética a quem bebesse suas águas. Em sua homenagem, deram o nome de "Museu", ao lugar que preserva as artes e as ciências. Raphael Morghen e Rafael Sanzio Mapa Liga de Delos 431ac Nicolas Poussin - Parnaso, Museu do Prado Situado em Delfos, o Oráculo de Delfos era dedicado principalmente a Apolo e centrado num grande templo, ao qual vinham os antigos gregos para colocar questões aos deuses. Situado na Grécia, no que foi a antiga cidade chamada Delfos (que hoje já não existe), no sopé do monte Parnaso, nas encostas das montanhas da Fócida, a 700 m sobre o nível do mar e a 9,5 km de distância do golfo de Corinto. Delfos era um recinto e um complexo de construções num terreno sagrado para os antigos gregos, onde se realizavam os Jogos Píticos e havia um templo consagrado ao deus Apolo, originalmente consagrado à Pítia. Neste templo, as sacerdotisas de Apolo (Pitonisa) faziam profecias em transes. As respostas e profecias ali obtidas eram consideradas verdades absolutas. Hoje, suspeita-se que os transes e visões das sacerdotisas eram provocados por gases emitidos por uma fenda subterrânea no local. Das rochas da montanha circundante brotam várias nascentes que formam fontes. Uma das fontes mais conhecidas desde tempos muito antigos era a fonte de Castália, rodeada de um bosque de loureiros consagrado ao deus Apolo. A lenda e a mitologia contam que no monte Parnaso e próximo desta fonte se reuniam algumas divindades, deusas menores do canto e da poesia, chamadas musas, e as ninfas das fontes, chamadas náiades. Nestas reuniões Apolo tocava a lira e as divindades cantavam. Conta-se que o oráculo de Delfos ganhou tamanho significado mágico após o deus Apolo matar a serpente Phyton neste local, daí que se deriva o nome das sacerdotisas (pitonisas). "Ó homem, conhece-te a ti mesmo e conhecerás os deuses e o universo". Inscrição no oráculo de Delfos, atribuída aos Sete Sábios c. 650a.C.-550 a.C.. O oráculo de Delfos influenciou significativamente a colonização grega das costas do sul da Itália e da Sicília. Chegou a ser o centro religioso do mundo helenico. A Fócida ou Fócia é uma antiga região do centro da Grécia atravessada pelo grande maciço do monte Parnaso. Na época da Grécia clássica uma parte desta região, a que está situada junto desse monte, tinha o topônimo de Pyto. Este lugar é conhecido como Delfos, ou seja, Pyto e Delfos são sinônimos. O porto de Itea era o acesso por mar mais próximo de Delfos. O recinto inclui ainda os chamados tesouros, que eram pequenas construções semelhantes a capelas onde se guardavam os ex-votos e os donativos que frequentemente eram muito valiosos. Sabe-se que existiam estes tesouros: Tesouro de Siracusa / de Cirenea / de Cnido / de Sifnos / de Sición / de Tebas / de Corinto / dos etruscos / dos atenienses (o único restaurado). O Sítio Arqueológico de Delfos encontra-se classificado como Patrimônio Mundial pela UNESCO. O oráculo de Delfos também é o oráculo em que o herói mitológico Hércules (Heracles) foi para saber o seu destino.