Jan Hendrik Lange (Vladimir Kush)

O Homem que faz pintura ganha a vida

- Diga-me algo sobre si mesmo

Eu nasci em Bloemfontein, África do Sul em 1973, para os pais que estavam tanto no meio acadêmico. Nós nos mudamos para os EUA durante a década de 80. Após o colegial, fui para Universidade de Drexel, na Filadélfia para Engenharia Elétrica, formado, casou-se e começou a trabalhar na indústria de software que era apenas tornar-se vermelho quente devido ao advento da World Wide Web em meados dos anos noventa. optei por software sobre engenharia elétrica, porque eu vinha fazendo desde os 14 anos e ele veio naturalmente e eu adorei. Trabalhei em que a indústria por um longo tempo, finalmentecomecei a minha própria empresa de consultoria, foi muito bem sucedido e entediado. eu finalmente decidi um dia que eu não ia escrever mais software, eu estava indo só para fazer produção de vídeo ou animação.

- Então o que você tem interesse em animação?

Para mim, não estava assistindo desenhos animados ou crescendo com a idéia de que eu queria me tornar um animador ou qualquer coisa assim. Minha irmã era o artista, eu era o engenheiro, e eu nunca sonhei que eu poderia se interessar por arte. eu não andar por aí com um bloco de desenho, e não material de arte própria. Eu fiz no entanto, ter aulas de desenho mecânico em meus cursos de engenharia cedo e isso foi interessante. fui exposto pela primeira vez uma versão preliminar de um programa de animação 2D Autodesk volta no início dos anos 90 e aprendi um monte de conceitos de enquadramento chave de brincar um pouco com ele. Meu primeiro emprego depois da faculdade foi com uma empresa de consultoria que era uma subsidiária da IBM. tive a oportunidade de trabalhar em um projeto multimídia para promover a serviços da empresa. O legal foi que eles me deram muitos programas divertidos para brincar. Vi 3D Studio (agora chamado de 3ds Max) e ele agarrou a minha atenção imediatamente. Ter um conhecimento AutoCAD pouco do colégio também ajudaram. Aquele projeto foi um enorme sucesso. Aprendi uma tonelada sobre produção de vídeo e animação, e naquele momento a semente foi plantada com firmeza. A única coisa que me interessa foi a frieza da tecnologia. Ser um geek já, eu já podia escrever uma peça de software para tornar o computador fazer qualquer coisaque eu queria fazer, mas agora eu estava aprendendo a fazer qualquer imagem que eu poderia conceber digitalmente. fiquei com todas as coisas ao longo dos anos e fez cursos e aprendeu sozinho. Joguei muito. Acabei por ter de chegar a uma decisão se eu queria resolver os mesmos problemas das empresas mais chato e mais ou se eu queria surpreender as pessoas com imagens visuais. O material visual, eventualmente, me conquistou no final.

- Vladimir Kush Por quê?

Eu vi meu Kush primeira pintura em Las Vegas em 2001. Foi a pintura chamada de vento, e eu estava determinado a comprá-lo. Eu tinha sido um fã de Salvador Dali, mas Kush foi diferente para mim por causa de suas idéias. Gostava que ele tirou esta idéia da metáfora e da natureza usados para torná-la real. Ele também colocou quebra-cabeças e jóias escondidas em suas pinturas que você só descobrir mais tarde. Existem pinturas dele que eu olhei por anos e então um dia eu observo uma coisa e ele explode em minha mente novamente eu realmente não posso dizer que de qualquer outros pintores então é por isso que eu escolhi Kush.

- O que estava envolvido?

Vladimir e eu trabalhei nesse filme, pelo menos, um ano antes, vimos outra vez depois do nosso primeiro encontro em Lahaina. Logo que vi o seu trabalho eu percebi que era adaptável para animação. Este filme poderia ter sido feito de várias maneiras. Poderíamos ter feito a coisa toda como um filme em 3D. E deixe-me lhe dizer agora que teria sido uma tonelada mais fácil porque não teria de duplicar a aparência das pinturas. No início começamos com apenas algumas animações para o Kush Fine Art galerias de Pessoas começou a perguntar como poderiam obter cópias desses animações. Esta deu origem a esta ideia de um DVD que as pessoas pudessem comprar. Então nós fomos com a ideia de manter com pinturas e mantendo o espectador lembrar que eles estão vendo o trabalho de um pintor, mas, ao mesmo tempo continua a fazer-lo em uma experiência para eles. Em outras palavras, temos criado uma viagem através das pinturas. Começamos por decidir o que usar pinturas, e Vladimir, e seu pai decidiu sobre o arranjo daquelas pinturas. Existe uma ordem lógica para eles, embora desde o início do projeto que tem mudado um pouco. Comecei a animação e modelagem. Havia uma tonelada de modelagem 3D, texturização e iluminação que eu fiz, mesmo que não parece. Just a criação de quadros para as pinturas demorou um pouco desde que criei essas partir do zero em 3D apenas por razões de direitos autorais. Então você tem todas as pequenas coisas que voam e quaisquer outros objetos que possam aparecer, e estes tiveram de ser criado e animado. A única coisa que teve de longe o mais longo foi modificando pinturas no Photoshop. Muitas pessoas colaboraram para a produção para efeitos de partículas, música, efeitos sonoros. Iasos me ajudou com alguns efeitos de partículas para algumas das pinturas. Ele faz um grande trabalho nesta campo e não é uma área que eu gosto tanto como ele faz. As transições entre pinturas eram projetos interessantes em si mesmos como cada um é diferente e não sabia o que fazer com a música por um longo tempo eventualmente Brian Thomas Lambert escreveu a trilha e que ela amava. Ele era fácil de trabalhar e ele foi muito profissional. Mieloch David adição de efeitos sonoros para as animações. Animation flores com efeitos sonoros para acentuar o que acontece. Brian Lambert completados alguns desses efeitos e havia um monte de idas e vindas sobre os efeitos que seria bom para eventos específicos no visual para que o espectador não iria perdê-las. Isto não foi apenas um filme que nós criamos se fosse um DVD e decidimos dar pessoas de uma galeria de pinturas de olhar para galeria. Ele contém quase duas centenas de Vladimir de pinturas no presente. Robin prata veio no final do jogo, e escreveu a partitura para isso - a música em que o DVD é original "Todos".

- Quanto tempo demorou?

Começamos a idéia para o DVD em 2005, mas acho que minha mulher provavelmente diria que demorou mais do que o que eu diria. Perto do final de 2006, voltamos à estaca zero e não havia uma edição nova de se fazer . O filme foi feito no final de 2008, mas depois disso ainda havia um monte de outras coisas para fazer, como site promocional, de autoria do DVD, recebendo todas as estratégias de lançamentos feitos que foi em 2009. Assim, a partir esposa minha perspectiva, e portanto, mais perspectivas de fora, de quatro anos seria o número que eu iria com para a duração do tempo que levou para a conclusão.

- O que é o meu conselho para os estudantes?

Eu acho que meu maior conselho para os estudantes é o de permanecer na escola. Existem dois grandes galhos, animação para a indústria de videogames e tudo o resto, meu conselho seria o mesmo para ambos. posso pensar o seguinte quatro coisas que são importantes Se você estiver em toda interessado em perseguir algo no mundo da animação. O primeiro, o seu talento e sua criatividade e sua paixão, sem esses, o resto não importa. O segundo, a sua capacidade de trabalhar com outras pessoas é super importante. Estes dias vemos belos filmes como Avatar. Olhando a lista de crédito, quase todas as empresas de efeitos visuais em Hollywood, participou no filme porque cada tiro tinha animação, composição, efeitos visuais, iluminação, texturização, etc. nele, trabalhar bem com os outros é fundamental para seu sucesso, e que se inicia todo o caminho de volta à escola. Terceiro, ser um especialista em Photoshop, se você estiver indo para estar neste negócio, sabe-lo bem empregadores esperam que você sabe. Você usá-lo o tempo todo. O passado, se tornar um especialista em algumas partes do software 3D, ou mesmo apenas um. Ao invés de espalhar o seu tempo em vários pacotes, investir seu tempo em um ou dois pacotes. Todos têm pontos fortes e fracos, mas você pode realizar as mesmas coisas em todos eles.

Jacek Yerka

Pintor Jacek Yerka nasceu em uma pequena cidade no norte da Polônia, em 1950. Seus anos de desenvolvimento foram gastas jogando no meio da arquitetura maravilhosamente preservados da Europa medieval, como sua cidade natal foi poupado de grande parte do atentado que a Polónia assediado durante a guerra. É neste ambiente de tijolos marrom-avermelhada que logo chama a atenção para as obras de Bosch e Brueghel, cuja paleta partes Yerka. Estudou arte na Universidade, antes de se rebelar contra a tendência a pintar com menos atenção ao realismo e detalhe. Em vez disso, ele encontrou sua formação estudando as obras dos mestres da Europa do Norte como o Eycks Van, Dierk Bouts, Robert Campin, Bosch, e surrealistas, como Magritte.

"Eu fiz a minha primeira pintura da minha vida um ano antes de ir para a faculdade, onde eu comecei a estudar os gráficos. Meus instrutores sempre tentou me a pintar em um estilo mais contemporâneo abstrato, a AMD se afastar do meu fascínio com realismo. Vi esta como uma tentativa de abafar o meu próprio estilo criativo e se recusou a entrar na linha. Eventualmente, meus professores cedeu."

Suas pinturas(acrílicos sobre tela) estão repletos de imagens da infância do artista, uma das mais fortemente influenciado pelo ambiente de sua casa durante a década de 1950, e cozinha de sua avó, onde ele passou boa parte de seu tempo.bestas pouco estranho, e as paisagens maravilhosamente extravagante são as principais características das obras.

"Para mim, os anos 1950 foram uma espécie de Idade de Ouro. Estes foram os anos felizes da minha infância, cheio de admiração no mundo ao meu redor. Ela se reflete em todo o meu trabalho em construções, móveis e bugigangas várias pré-guerra. Se eu fosse, por exemplo, para pintar um computador, ele iria ter uma estética pré-guerra a ele."

Seu trabalho tem sido exibido na Polônia, Alemanha, Mônaco, França e Estados Unidos. Suas obras também pendurar em museus de arte polonesa. Seus dois livros a cores, arte Mind Campos e A Arte Fantástica de Jacek Yerka são publicados por Morpheus.

René François Ghislain Magritte - Surrealismo

Nasceu em 21nov1898 - 15ago1967, artista belga surrealista. Ele se tornou conhecido por um número de instigantes imagens espirituosas. Seu objetivo pretendido por seu trabalho era desafiar precondicionado percepções de observadores e forçar os espectadores a realidade tornam-se hipersensíveis ao ambiente.

Pieter Brueghel

Um fazendeiro e Six Geese foi roubado no domingo, 18 de abril de 2004 a partir de Hertogenbosch, na Holanda. A peça em si é uma pequena pintura a óleo sobre um painel de madeira circular de cerca de 17 centímetros de diâmetro, que é montado em um painel hexagonal coberta com veludo vermelho. Toda a peça tem um tom de marrom escuro quadro, aumentando suas dimensões com cerca de 30 cm por 30 cm. A pintura retrata um camponês segurando um bastão, seis gansos espalhados agricultor pés, e uma aldeia camponesa no fundo.agricultor e Six Geese foi pintado em 1609 pelo pintor flamengo Pieter Brueghel, o Jovem.

Pieter, o filho foi mais conhecido por ser um copista do pai, as suas obras, que foram muito procurados e muito escasso após a morte do Ancião "Pieter. O mais velho dos dois filhos, Pieter pintadas em um estilo mais semelhante ao seu pai, mas foi considerado muito menos talento do que seu pai e seu irmão janeiro As obras de Pieter, o filho, não têm a profundidade de seu pai ou o refinamento de sua irmão. Pieter, o filho, correu um atelier próspera (estúdio / oficina), em Antuérpia, suas pinturas estavam na demanda popular e vendeu bem desde que foram reconhecidos e aceitos como cópias e imitações das mais famosas obras do pai dele. Pieter, o filho, pai imitava o estilo dele, sem ter acesso a muitos dos originais, em vez disso, ele baseia suas réplicas e as variantes de trabalhos incompletos e esboços (Orenstein, 74). Algumas das peças mais jovens de Pieter que não eram cópias ou variantes, como um fazendeiro e Seis gansos, foram inspiradas nos estilos e temas do seu pai trabalha.

Os camponeses foram um tema recorrente em muitas das pinturas de Pieter Elder, e é assim que ele ganhou o apelido de "Camponesa Bruegel" (Sullivan, 3). Pieter, sendo um morador da cidade, em vez de um camponês, gostava de ir para fora e observando como os camponeses comeu, bebeu, jogou, brincou, cortejado e envolvido em outros atos bem-humorado. Pieter Bruegel, o Velho, foi um pintor renascentista flamengo norte que ao contrário de pintores renascentistas italianos viram os seres humanos como pequeno e fraco, em vez de Godlike (Foote, 15). O povo em suas obras são geralmente de camponeses e de classe média popular, que são irregulares, desajeitado na aparência, e aparentemente muito grandiloquente. Eles são vítimas do seu próprio excesso e agir tolamente quando não estão a trabalhar arduamente. "É fácil reconhecer no estranho pinturas de 40 Bruegel e mais de 150 desenhos de uma tentativa pioneira de mostrar o homem comum na arte, bem como um e insuperável retrato fascinante de condições no norte da Europa numa época em que a vida era curta, árdua e cheio de dor "(Foote, 15). Em muitas de suas obras quando os camponeses estão comendo, bebendo, jogando, comemorando ou divertindo-se, a representação é o da comédia e leveza, o que contrasta sua freqüente imagens menos e simples camponeses dignidade no trabalho. Muitos de Pieter Bruegel Elder camponês obras são comentários satíricos sobre as loucuras da humanidade mostra que a simpatia para com o campesinato (Sullivan, 43).

Apesar de Pieter, o filho de um fazendeiro e Six Geese definitivamente coincide com pai tema recorrente camponês dele, a pintura fica longe de comum satírica e crítica da natureza mais de alguns de Pieter, o Velho, trabalha e se concentra no retrato postive de um camponês de trabalho. Em vez de um retrato grande da vida social e bem-humorado em excesso de camponeses, cheio de personagens e acções, a pintura retrata um único agricultor realizar uma única tarefa. Ele fica no centro da pintura, em frente a sua direita com o corpo ligeiramente virado para o espectador, expondo o peito para o espectador, mas mantendo o rosto olhando em direção a uma árvore na direção que ele está enfrentando. A descrição parece bastante inocente e simples, um agricultor com alguns gansos ao redor de seus pés, uma aldeia poucas casas ao fundo, e um cão passeia na frente das casas, mas bem atrás do fazendeiro. Uma mulher está a meio de uma porta para uma das casas ao fundo, alguns camponeses estão a distância, subindo uma inclinação leve para terrenos mais elevados, de costas para o espectador.

Da pesquisa que fiz parece que um fazendeiro e Seis gansos é, provavelmente, um membro de um único e determinado tipo de produção que se tornou uma especialidade de Pieter, o Jovem. Estas pequenas, pinturas circular ilustrado "Mensagens moralizador" semelhantes aos dos provérbios, e eram conhecidos como "Zinnekens", dos quais sessenta foram pintadas (http://www.artnet.com/).

Infelizmente eu não conseguia encontrar fontes acadêmicas que tratavam de um fazendeiro e Six Geese diretamente, muito menos qualquer comentário sobre o que a mensagem moral desta pintura é, por isso decidi fazer a minha própria interpretação.

Nada muito excitante está acontecendo dentro da cena retratada, mas algo não chamar a atenção quase que imediatamente, a postura do agricultor. Ele não é reto, embora o cajado na mão é completamente vertical. Sua parte superior do corpo se inclina para a frente, a perna esquerda é reta e logo abaixo a parte inferior do corpo e sua perna direita está estendida na frente dele quase como se ele está dando um passo, no entanto, todo o seu corpo está em uma posição embaraçosa, em vez de a dar um passo. Sua pose real não é diferente de alguns dos gansos em seus pés. A pose faz lembrar de uma pessoa tentou personificações de uma galinha. Sua ligeira inclinação, seu olhar sempre em frente, com os braços atraídos para o centro segurando o pessoal, e seus passos são um pouco desajeitado pássaro. Pode-se interpretar o agricultor é colocar como zombaria ou miseráveis, como se a vida do agricultor na terra, é comparável ao de um ganso em uma fazenda. No entanto, a sutileza dessas esquisitices deixar o telespectador imaginando se o artista é simplesmente pintar uma recriação da vida dos camponeses e exibir os e ideal camponês comum, ou comentando sobre a desesperança, e miserável, e irrelevância possível da vida dos camponeses na Jovem é hora Pieter , fazendo com que o pinhão manso pedaço aparentemente têm uma sensação persistente de significado velado possível.

Foote, Timóteo. O Mundo de Bruegel c. 1525-1569.
New York: Livros Time Life, 1968.

Orenstein, Nadine. Pieter Bruegel, o Velho: desenhos e gravuras.
New York: The Metropolitan Museum of Art, 2001.

Sullivan, Margaret. Camponeses de Bruegel.
New York: Cambridge University Press, 1994.

Hieronymus (Jerome) Bosch

Nasceu em 1450, d. Agosto 1516, passou toda a sua carreira artística na pequena cidade holandesa de Hertogenbosch, da qual deriva seu nome. Na época de sua morte, a Bosch foi internacionalmente comemorado como um excêntrico pintor de visões religiosas, que tratou, em especial com os tormentos do inferno. Durante sua vida, pinturas de Bosch e outras obras foram nos inventários das famílias nobres, dos Países Baixos, Áustria e Espanha. Eles foram imitados em várias pinturas e gravuras ao longo do século 16, especialmente na obra de Pieter Bruegel, o Velho.

Bosch era um membro da Irmandade religiosa de Nossa Senhora, para quem pintou vários retábulos para a Catedral de Saint John's, Hertogenbosch, que agora estão perdidos. O artista nunca provavelmente foi longe de casa, mas existem registros de uma comissão em 1504 a partir de Filipe, o Belo (mais tarde rei de Castela), por um retábulo Acórdão perdido última. Nenhuma das fotos da Bosch estão datadas, embora o artista assinou muitos deles.

Jim e Criswell Warren - Artistas norte-mericano

Warren Criswell - nasceu em 1936 na Florida e atualmente mora perto de Benton, Arkansas. Pintor autodidata e também um pintor e escultor que já expôs nacionalmente e internacionalmente. Ele teve catorze exposições individuais nos Estados Unidos e um em Taiwan. Seu trabalho foi incluído em 47 exposições coletivas na Alemanha, Taiwan e nos Estados Unidos, incluindo uma na Galeria Baum de Belas Artes. A Biblioteca
Desde a década de 20, com as vanguardas modernistas, temos o Surrealismo inserido nas artes. Na pintura ou na literatura, cinema o surrealismo é a critividade materialisada nos ramos artísticos. Max Ernst, René Magritte e Salvador Dalí - nas artes plásticas, André Breton - na literatura e Luis Buñuel - no cinema, são os nomes ligados à esse estilo e obrigatórios pra quem gosta do surreal. Nada de lógica ou razão. No surrealismo se vai além da conciência prática e cotidiana. É a expressão do inconsciente, dos sonhos e alucinações. Uma das principais idéias trabalhadas pelos surrealistas é a da escrita automática, segundo a qual o impulso criativo artístico se dá através do fluxo de consciência despejado sobre a obra. Ainda segundo esta idéia, a arte não é produto de gênios, mas de cidadãos comuns. Agora saiamos um pouco das origens do surrealismo e vamos falar sobre o nome que assina esse post - Jim Warren. Artista plástico nascido em Long Beach, Estados Unidos. É um dos mais bem sucedidos e versáteis artistas da atualidade apresentando-se em algumas das melhores galerias do mundo. Jim brinca com as imagens, funde e confunde, mostrando que sonhos surreais podem surgir das formas estáticas. Acompanhando as pinturas de Jim Warren, nota-se suas raízes cravadas profundamente em Salvador Dalí. A partir de um mundo sugerido e pintado, Jim nos força a criar um segundo - sem tinta, sem imagem concreta, apenas suposições que cada um pode criar ou sonhar individualmente.




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Chris Jordan - arte com sucata

Quando o artista Chris Jordan começou a primeira palestra de 2008 TASTE3 conferência, o público estava animado, envolvidos e dispostos a aprender. Mas, com seu primeiro alguns slides - sacos de papel, copos plásticos, garrafas de água - eles começaram a se contorcer um pouco, como Jordan mostrou como as ações individuais cotidianas como beber uma garrafa de água ou comprar mantimentos criar quantidades quase inconcebíveis de resíduos e os danos ambientais, quando consideradas em uma escala nacional.

Para a sua série "Running the Numbers", Jordan criou digital foto-mosaicos que ilustram algumas realidades desagradáveis do mundo industrializado. Através de que deve ser cuidadosa manipulação digital, Jordânia estabelece uma vista infinita de garrafas de plástico (2 milhões usados a cada 5 minutos), constrói um labirinto de copos de plástico (1 milhão de usados em vôos em todo o mundo a cada 6 horas), e cresce uma floresta de sacos de papel marrom de supermercado (1,4 milhões utilizados em os EUA a cada hora). Embora muito do seu trabalho é sobre os resíduos, ele também olha para outros temas como abuso de drogas, a violência armada, e os retalhamento da Constituição.

À distância, ele disse, o consumo parece estar indo bem - nós temos muitas coisas boas. Mas cavar um pouco para os detalhes, e parece muito pior. Tome telefones celulares, por exemplo. Para criar um, precisamos de minerais como o coltan. A mineração de coltan causas da destruição ambiental, a exploração humana e da guerra, principalmente na África. Eliminação de mais de 400 mil celulares que são aposentados todos os dias nos Estados Unidos é outro desafio, como a maioria dos aparelhos contêm materiais tóxicos que podem contaminar a água subterrânea ou criar produtos químicos tóxicos quando queimado. (Em 2001, artigo na New York Times Magazine descreve alguns dos problemas em torno de coltan, um outra edição explica o que acontece com os telefones celulares "aposentados").

A realidade por trás das estatísticas abstratas como "2,3 milhões de americanos atualmente preso" pode ser difícil de compreender. Jordan se esforça para nos ajudar a realmente ver essas quantidades. Em outras palavras, ele leva números inerte e investe-los com sentimento. Se os problemas têm um peso emocional, Jordan disse que, talvez possamos mudar o nosso comportamento menciona que vem lutando para a visualização do consumo de petróleo da América porque a quantidade é tão grande, e que os "números estão além da capacidade da nossa mente realmente a experiência." Mesmo em uma base diária, a quantidade é impressionante: a Energy Information Administration relatórios que os Estados Unidos utilizam cerca de 800 milhões de litros de petróleo por dia.

Quando eu penso grande quantidades cerca de fluidos, uma imagem que salta à minha mente é notável pintura Igreja Frederic das Cataratas do Niágara, no Corcoran Gallery em Washington, DC Corrente em quase 750 mil litros por segundo (a vazão mínima exigida por um tratado EUA-Canadá durante a alta temporada, de acordo com Niagara Parks), leva apenas 17 minutos para 800 milhões de galões de passar sobre as quedas.




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Emiliano Augusto Cavalcanti de Albuquerque e Melo (Di Cavalcanti)

Nasceu no Rio de Janeiro em 6set1897 — 26out1976, pintor, desenhista, ilustrador e caricaturista brasileiro. Inicia suas participações em exposições coletivas, salões nacionais e internacionais como a International Art Center em Nova Iorque. Em 1932, funda em São Paulo, com Flávio de Carvalho, Antonio Gomide e Carlos Prado, o Clube dos Artistas Modernos. Sofre prisão em 1932 durante a Revolução Paulista. Casa-se com a pintora Noêmia Mourão. Publica o álbum A Realidade Brasileira, série de doze desenhos satirizando o militarismo da época. Em Paris, em 1938, trabalha na rádio Diffusion Française nas emissões Paris Mondial. Viaja ao Recife e Lisboa onde expõe no salão “O Século” quando retorna é preso novamente no Rio de Janeiro.

Em 1936 esconde-se na Ilha de Paquetá e é preso com Noêmia. Libertado por amigos, segue para Paris, lá permanecendo até 1940. Em 1937 recebe medalha de ouro com a decoração do Pavilhão da Companhia Franco-Brasileira, na Exposição de Arte Técnica, em Paris. Com a iminência da Segunda Guerra deixa Paris. Retorna ao Brasil, fixando-se em São Paulo. Um lote de mais de quarenta obras despachadas da Europa não chegam ao destino, extraviam-se. Passa a combater abertamente o abstracionismo através de conferências e artigos. Viaja para o Uruguai e Argentina, expondo em Buenos Aires. Conhece Zuília, que se torna uma de suas modelos preferidas. Em 1946 retorna à Paris em busca dos quadros desaparecidos, nesse mesmo ano expõe no Rio de Janeiro, na Associação Brasileira de Imprensa. Ilustra livros de Vinícius de Morais, Álvares de Azevedo e Jorge Amado. Em 1947 entra em crise com Noêmia Mourão - "uma personalidade que se basta, uma artista, e de temperamento muito complicado...".

Participa com Anita Malfatti e Lasar Segall do júri de premiação de pintura do Grupo dos 19. Segue criticando o abstracionismo. Expõe na Cidade do México em 1949. É convidado e participa da I Bienal de São Paulo, 1951. Faz uma doação generosa ao Museu de Arte Moderna de São Paulo, constituída de mais de quinhentos desenhos. Beryl passa a ser sua companheira. Nega-se a participar da Bienal de Veneza. Recebe a láurea de melhor pintor nacional na II Bienal de São Paulo, prêmio dividido com Alfredo Volpi. Em 1954 o MAM, Rio de Janeiro, realiza exposição retrospectivas de seus trabalhos. Faz novas exposições na Bacia do Prata, retornando à Montevidéu e Buenos Aires. Publica Viagem de minha vida. 1956 é o ano de sua participação na Bienal de Veneza e recebe o I Prêmio da Mostra Internacional de Arte Sacra de Trieste. Adota Elizabeth, filha de Beryl. Seus trabalhos fazem parte de exposição itinerante por países europeus. Recebe proposta de Oscar Niemeyer para a criação de imagens para tapeçaria a ser instalada no Palácio da Alvorada também pinta as estações para a Via-sacra da catedral de Brasília. Ganha Sala Especial na Bienal Interamericana do México, recebendo Medalha de Ouro.

Torna-se artista exclusivo da Petite Galerie, Rio de Janeiro. Viagem a Paris e Moscou. Participa da Exposição de Maio, em Paris, com a tela Tempestade. Participa com Sala Especial na VII Bienal de São Paulo. Recebe indicação do presidente João Goulart para ser adido cultural na França, embarca para Paris e não assume por causa do golpe de 1964. Vive em Paris com Ivete Bahia Rocha, apelidada de Divina. Lança novo livro, Reminiscências líricas de um perfeito carioca e desenha jóias para Lucien Joaillier. Em 1966 seus trabalhos desaparecidos no início da década de 40 são localizados nos porões da Embaixada brasileira. Candidata-se a uma vaga na Academia Brasileira de Letras, mas não se elege. Seu cinquentenário artístico é comemorado. A modelo Marina Montini é a musa da década. Em 1971 o Museu de Arte Moderna de São Paulo organiza retrospectiva de sua obra e recebe prêmio da Associação Brasileira dos Críticos de Arte. Comemora seus 75 anos no Rio de Janeiro, em seu apartamento do Catete. A Universidade Federal da Bahia outorga-lhe o título de Doutor Honoris Causa. Faz exposição de obras recentes na Bolsa de Arte e sua pintura Cinco Moças de Guaratinguetá é reproduzida em selo. Di Cavalcanti era um intelectual bem informado sobre as vanguardas modernistas do seu tempo, interessado não só por artes plásticas, mas por outras áreas também. Por isso mesmo, em 1921, o artista fora convidado a ilustrar o livro “Balada do Cárcere de Reading”, de Oscar Wilde, um dos mais significativos escritores contemporâneos.

Em 1923, Di Cavalcanti realiza viagem a Paris, freqüentando o ambiente intelectual e boêmio da época e convivendo com Picasso e Braque, entre outros, numa relação de admiração mútua. Sua experiência do contato com o cubismo, expressionismo e outras correntes artísticas inovadoras, conjugadas à consciência da sua posição de artista brasileiro, concorreram para aumentar a sua convicção no propósito de ousar e destruir velhas barreiras, colocando a arte brasileira em compasso com o que acontecia no mundo.

Di Cavalcanti sabia estar no caminho certo esteticamente e a viagem a Paris só reforçou as suas certezas. Entretanto, o ambiente do pintor não era o dos boulevares de Paris: Di Cavalcanti estava impregnado dos trópicos, de uma atmosfera sensual e quente. À sua ousadia estética e perícia técnica, marcada pela definição dos volumes, pela riqueza das cores, pela luminosidade, vem somar-se a exploração de temas ligados ao seu cotidiano, que ele percebia com vitalidade e entusiasmo. A profunda inclinação aos prazeres da carne e a vida notívaga influenciaram sobremaneira sua obra: o Brasil das telas de Di Cavalcanti é carregado de lirismo, revelando símbolos de uma brasilidade personificada em mulatas que observam a vida passar, moças sensuais, foliões e pescadores. A sensualidade é imanente à obra do pintor e os prostíbulos são uma de suas marcas temáticas, assim como o carnaval e a festa, como se o cotidiano fosse um permanente deleitar-se. A originalidade de uma cultura constituída por um caldo de referências indígenas, européias e africanas, de forma contraditória e única, transparece em suas telas através de uma luminosidade ímpar. Marcada pela evolução constante em direção a uma técnica cada vez mais acurada, a obra de Di Cavalcanti pode ser situada numa tradição interpretativa do Brasil. Hoje, o pintor é um dos mais populares artistas brasileiros, alcançando enorme prestígio também no exterior: suas obras são disputadíssimas nos leilões internacionais, imprescindíveis a todas as coleções latino-americanas. A pintura de Di Cavalcanti representa toda uma imagem do país no mundo afora, ressaltando a sua exuberância natural e humana: é indiscutivelmente figura chave da arte brasileira. Todo o seu entendimento tem passagem obrigatória por Di Cavalcanti.

Link para arquivo PPT do acervo de obras, o primeiro slide contém 34 imagens distribuidas em um mosaico com a idéia de estampar em camiseta camiseta.
http://www.4shared.com/account/file/LS59AGja/Di_Cavalcanti.html
http://www.4shared.com/file/PTADLyXc/Di_Cavalcanti_2.html

Patrick Blanc

A moda dos jardins verticais

Uma ponte esverdeada chama a atenção dos motoristas e pedestres em Aix en Provence, sul da França. É um jardim – só que vertical. Invenção do francês Patrick Blanc, esses canteiros que pendem pelas paredes se encontram em prédios e casas mundo afora, como Paris, Milão, Frankfurt e Bancoc. Patrick entendeu que a terra funciona como uma base para as plantas, mas do que elas necessitam mesmo é água, luz e nutrientes. Baseado nessa constatação, criou uma estrutura que funciona como uma base, instalada nas paredes e coberta com um feltro especial, em que as plantas são fixadas. Esse feltro é irrigado regularmente com fertilizantes, o que impede que as raízes cresçam muito à procura de água. As plantas são escolhidas cuidadosamente, de acordo com o as condições climáticas do local, que pode ser tanto um ambiente interno ou externo. “As cidades estão cada vez mais verticais, daí a ideia de criar jardins antigravitacionais”, diz Patrick. Sua inspiração veio da própria natureza, ao observar plantas que crescem em despenhadeiros, entradas de cavernas e rochas. Veja outras paredes verdejantes em seu livro Vertical Garden.



Link para arquivo de imagens PPT referente as obras de Patrick
http://www.4shared.com/document/o32WAQgG/Jardines_verticales_-_Patrick_.html

Pierre-Auguste Renoir

Nasce em Limoges, 25 de fevereiro de 1841 — Cagnes-sur-Mer, 3 de dezembro de 1919, foi um dos mais célebres pintores franceses e um dos mais importantes nomes do movimento impressionista.
Desde o princípio sua obra foi influenciada pelo sensualismo e pela elegância do rococó, embora não faltasse um pouco da delicadeza de seu ofício anterior como decorador de porcelana. Seu principal objetivo, como ele próprio afirmava, era conseguir realizar uma obra agradável aos olhos. Apesar de sua técnica ser essencialmente impressionista, Renoir nunca deixou de dar importância à forma - de fato, teve um período de rebeldia diante das obras de seus amigos, no qual se voltou para uma pintura mais figurativa, evidente na longa série Banhistas. Mais tarde retomaria a plenitude da cor e recuperaria sua pincelada enérgica e ligeira, com motivos que lembram o mestre Ingres, por sua beleza e sensualidade.

A sua obra de maior impacto é Le Moulin de la Galette, em que conseguiu elaborar uma atmosfera de vivacidade e alegria à sombra refrescante de algumas árvores, aqui e ali intensamente azuis. Percebendo que traço firme e riqueza de colorido eram coisas incompatíveis, Renoir concentrou-se em combinar o que tinha aprendido sobre cor, durante seu período impressionista, com métodos tradicionais de aplicação de tinta. O resultado foi uma série de obras-primas bem no estilo Ticiano, assim como de Fragonard e Boucher, a quem ele admirava. Os trabalhos que Renoir incluiu em uma mostra individual de 70, organizada pelo marchand Paul Durand-Ruel, foram elogiados, e seu primeiro reconhecimento oficial veio quando o governo francês comprou Ao Piano, em 1892.


Link para arquivo de PPT imagens das obras de Renoir:
http://www.4shared.com/file/zDva1J62/Renoir.html

Casa São Conrado - Vitrais

Um pouco de história sobre a confecção e a arte de cortar vidro.





Link para arquivo PPT com imagens de vitrais:
http://www.4shared.com/document/jCX2ioOB/Vitrais.html

Jean Pierre Augier

Nascido no ano de 1941 em Nice no vilarejo de Saint-Antoine-de-Siga, Jean Pierre Augier quando criança recolhia ferramentas e sucatas no trajeto da escola, que utilizava como brinquedos sob os olhares complacentes do pai Pierre, um agricultor amante da caça e da pesca e da mãe Josephine, uma dona de casa sensível e amorosa.

Em 1955 conclui o ensino primário e estimulado por miss Carpenter, sua professora, percorre museus, mosteiros, igrejas e catedrais, passando a ter um contato mais direto com as artes plásticas. Em 1956 sob orientação do escultor Marcel Maury passou a criar colares e pulseiras feitas de escamas de pinhas. Durante o serviço militar na Argélia (1961-1963), esculpiu em madeira as figuras do deserto e criou peças de cerâmica inspiradas em gravuras rupestres.

Ao dar baixa do exercito (1964) aprende a soldar e encontra o sucesso inspirando-se nas peças de ferro, às quais passa a dar formas, transformando-as em personagens articulados, aos quais imprime segundo ele mesmo diz, as quatro “virtudes cardeais”: graça, movimento, sensibilidade e humor. Maternidade, fábulas, contos de fadas, mitologia e temas religiosos são os temas favoritos deste artista genial conhecido como o mágico do ferro, que ostenta em seu currículo exposições individuais nos museus mais importantes da Europa e coletivas ao lado dos escultores mais famosos do mundo.

A coleção pessoal de esculturas de Jean-Pierre, nomeado em 2003 Cavaleiro da Ordem das Artes e das Letras, está em exposição permanente na Maison du Portal, em Nice no vilarejo de Saint-Antoine-de-Siga, onde o artista nasceu e vive atualmente.


Link para arquivo em PPT de imagens das criativas peças de Augier:
http://www.4shared.com/document/0FVqtREU/Jean_Pierre_Augier.html

Bruno TORFS - Marysville / Austrália

Entre as árvores da pequena aldeia vitoriana de Marysville é um mundo cheio de beleza, fantasia e
humor. Rodeado pela floresta tropical mágica. Bruno Torfs criou um dos mais exclusivos cenários do mundo em experiências profundamente inspiradora da arte e do jardim. Aos amantes de todas as idades. Com mais de três centenas de pinturas e esculturas a serem exploradas, uma viagem para Bruno´s Graden é uma das atrações especiais da Austrália.

Link para imagens em arquivo PPT:
http://www.4shared.com/document/Ai2aUZk1/Bruno_-_Esculpture_Garden.html

Jason DeCaires Taylor - Museu Subaquático de Artes, Cancún

Até o fim do ano começará a última fase do trabalho. DeCaires, o Parque Nacional Marítimo e a Associação Náutica de Cancún vão convidar outros artistas para contribuir para o museu submarino. Um exército de figuras humanas vai deixar a praia em Cancún, no México, para ser submerso. As esculturas de Jason DeCaires Taylor vão ajudar na recuperação das barreiras de corais. As esculturas são feitas de cimento. Com sua obra, DeCaires tenta unir a arte e o meio ambiente.

Sua obra, A Evolução Silenciosa, é inspirada em pessoas reais, na maioria mexicanos comuns, que foram transformadas em esculturas submarinas para dar abrigo à vida marinha.

O escultor conta que há enorme pressão sobre os corais na região de turismo intenso. Sua intervenção tenta representar a responsabilidade de todos sobre os danos ambientais, sob uma perspectiva 'otimista'.

A composição química e o acabamento em cimento das esculturas promove a colonização da vida marinha, que com o tempo vai cobrir as esculturas em cores diferentes.



As primeiras peças deste museu submarino, submersas em 2009, são o 'Homem em Chamas' (baseado em um pescador local), o 'Colecionador de Sonhos Perdidos' e a 'Jardineira da Esperança', na foto acima.



Com sua obra, DeCaires quer ressaltar que, apesar de nos cercarmos de edifícios, não podemos esquecer o quanto dependemos da natureza. O principal grupo - que consiste em 400 figuras pesando mais de 120 toneladas - será submersa nas próximas semanas. Quando isso ocorrer, o artista vai perder o 'controle estético' sobre sua obra, que ficará a cargo da natureza.

Os modelos vivos usados por DeCaires vão desde uma freira de 85 anos até um menino de 3 anos. Para fazer os moldes, ele cobriu de gesso um contador, uma professora de ioga, um estudante, um acrobata e até um jornalista da BBC.

Bienal MERCOSUL

"Acreditar que basta ter filhos para ser um pai é tão absurdo quanto acreditar que basta ter instrumentos para ser músico." Mansour Chalita

"Os filhos são educados como se fossem ficar toda a vida filhos, sem nunca se pensar que eles se tornarão em pais." August Strindberg

Em 2009 foi realizado a VII edição da bienal MERCOSUL

Link para obter o catalogo completo:
http://www.4shared.com/account/document/vEhBDdgX/bienalmercosulartbr_7_2009.html

Recordações da V edição.

Angelo Venosa - Brasil

Caralos Colombiano - Paraguai

Claudia Casarilo - Paraguai

Jamex de La Torre - Mexíco

Oswaldo Salerno - Paraguai

Mauro FUKE

"Os pais fazem dos filhos, involuntariamente, algo semelhante a eles, a isso denominam “educação”, nenhuma mãe duvida, no fundo do coração, que ao ter seu filho pariu uma propriedade; nenhum pai discute o direito de submeter o filho aos seus conceitos e valorações."
(Friedrich Nietzsche)

Segue o link para conhecer a criação deste artista:
http://mauro-fuke.blogspot.com/2007/10/public-sculptures.htm











mauro.fuke@gmail.com

Lewis HINE

Lewis Hine Wickes nasceu em Oshkosh, Wisconsin em 1874. Depois de se graduar da High School, trabalhou em vários empregos antes de se matricular na Universidade de Chicago em 1900. Enquanto esteve na Universidade de Chicago, Hine encontrou Frank E. Manny, Professor de Educação na Escola Normal do Estado, que tinha sido recentemente nomeado superintendente do Ethical Culture School, em Nova York.

Em 1901, a convite de Manning, Hine se mudou para New York City e aceitou uma posição como professor assistente na ECS. Hine começou neste momento para usar uma câmera como um instrumento educativo e de eventos da escola fotografia. Hine também começou a freqüentar a Faculdade de Educação da Universidade de Nova York.

Em 1904, Hine, recém-casado com Sara Ann Rich se envolveu em um projeto de fotografar Ellis Island. Sentimento anti-imigrante foi difundida e incentivada Manny Hine para retratar o recém-chegado com a mesma dignidade e respeito como os imigrantes que desembarcaram em Plymouth Rock.

Em 1905, Hine havia recebido seu diploma da Universidade de Nova York. Continuando a fotografia para a ECS e na condução de suas fotografias clube, ele conheceu Paul Strand. Em 1906 Hine estava considerando uma carreira em Sociologia Fotografia e começou a perseguir o trabalho freelance com o National Child Labor Committee.

Em 1907, o NCLC Hine deu seu primeiro projeto atribuído. Hine foi fotografar casa cortiço de Nova York.Mais tarde esse ano depois de se matricular na escola de pós-graduação da Universidade de Columbia para estudar sociologia, Paul U. Kellogg Hine atribuído a um projeto pioneiro sociológico, a Pesquisa de Pittsburgh. Este inquérito foi ser um tudo visão abrangente detalhada de uma típica cidade industrial. A pesquisa mostrou que o fosso entre os trabalhadores imigrantes não qualificados e em grande parte da classe média confortável de gerentes, executivos e políticos. O objetivo da pesquisa foi o de promover uma compreensão racional das desigualdades sociais e econômicas. Acreditava-se que uma maior sensibilização do público resultaria em ação social corretivas.


Em 1908, o NCLC desde Hine, com um salário mensal e Hine atribuído às práticas de fotografia do trabalho infantil. Para os próximos anos, Hine viajou extensivamente, fotografando as crianças nas minas, fábricas, fábricas de conservas, fábricas de têxteis, comércio de rua e diversos setores agrícolas. Hine, registra e alerta o público para o fato de que o trabalho infantil crianças carenciadas da infância, saúde, educação e uma chance de um futuro. Seu trabalho nesse projeto foi a força motriz da mudança de atitude dos públicos e foi fundamental na luta por leis mais rigorosas do trabalho infantil.

Em 1912, com uma casa em mente para o futuro de seu filho recém-nascido, Corydon, a Hine, AOS, também compraram terras em Hastings-on-Hudson, Nova York.

Em 1913, Hine havia se estabelecido como um fotógrafo bem-estar, talvez a mais bem sucedida social. Para os próximos anos, ele continuou a viagem, bem como para a palestra NCLC. várias exposições, nomeadamente, em San Diego e San Francisco, ainda estabeleceu a sua reputação.

Em 1917, após o seu vencimento na NCLC foi reduzida, Hine aceitou uma posição com a Cruz Vermelha Americana. Durante os próximos dois anos, os refugiados Hine fotografou e civis deslocados na Europa devastada pela guerra. Hine retornou a Nova York em 1920 e foi designado para a sede da Cruz Vermelha Americana Nacional. Hine, AOS publicidade publicidade agora ler, ÄúLewis Wickes Hine, Interpretativo Fotografia, UA e refletida Hine, AOS crença na dimensão simbólica e artística de seu trabalho. Essa crença pode ter sido reforçada por uma visita em 1921 para uma exposição de fotografias de Alfred Stieglitz.

Durante a década de 1920, AOS, Hine voltou a Ellis Island, fazendo trabalhos para diversas agências e publicações. Ele também realizou várias missões comerciais e, em 1924, o Art Directors Club de Nova York, concedeu-lhe uma medalha na Exposição de Artes de Publicidade.

Apesar da fama e reconhecimento que recebeu, Hine encontrou dificuldade para fazer a vida em fotografia. Então, em 1930, Hine foi contratado para fotografar a construção do Empire State Building. Quando uma grande parte Hine, AOS trabalho anterior tinha documentado o lado escuro do trabalho e do progresso, o Império fotografias State Building comemorou a dignidade ea produtividade de um posto de vigor guerra orgulhosos de trabalho americano.

Em 1931, a maior exposição de Hine ainda, o trabalho Aos teve lugar no Museu de Arte Yonkers. Pouco depois, em 1932, livro Homens Hine, AOS no Trabalho foi publicado. Em 1930, Hine Aos impressas diversas carteiras, inclusive através do Tear, que foi obtida pelo Brooklyn Museum, o Museu de Arte Moderna, o Museu Metropolitano e foi exibido na Feira Mundial de 1933. Em 1936-37, Hine foi nomeado fotógrafo de cabeça para o Projeto Nacional de Pesquisas da Works Progress Administration.Tentativas neste momento para garantir o trabalho com os Serviços de Administração Fazenda não foi bem sucedida como Roy Stryker Hine considerado antiquado e difícil de trabalhar.

Em 1939, o patrocínio para uma retrospectiva de Hine feito especialmente grandes impressões no Museu Riverside, em Nova York foi organizada e incluiu, entre outros, Paul Strand, Alfred Stieglitz. Esta mostra também viajou para o Des Moines Belas Artes Associação Gallery, em Iowa e New York State Museum, em Albany. Depois de Lewis Hine, AOS morte em 1940, Corydon Hine doou seus pais impressões e negativos para o campeonato depois de encontrar fotografias pouco interesse em outro lugar. Eventualmente, estes materiais foram doados pela Liga de fotos para o George Eastman House.