Edgar Hilaire Germain de Gas(Paris, 19jul1834 - 27set1917) foi um gravurista, pintor e escultor francês. Embora seja muito conhecido pelas suas pinturas, majoritariamente de carisma impressionista, é igualmente relembrado como gravurista. Muitos dos seus trabalhos conservam-se hoje no Museu de Orsay, na cidade de Paris, onde o artista nasceu e faleceu. A origem e a formação de Edgar Degas jamais sugeriam que ele viesse a ser um revolucionário, que de uma forma tão morta satirizou e reformulou as percepções visuais das pessoas do seu tempo. Nasceu no seio de uma família da alta-burguesia. O seu pai, René Auguste de Gas, geria uma sucursal de um banco napolitano que pertencia à família.
Com onze anos, os pais ingressaram-no num bom colégio, da típica sociedade, mas, somente quando se inscreveu no Lycee Louis Le Grand, começou a perseguir um sonho chamado «Arte». Com dezoito anos, numa sala da mansão dos seus pais, formou um atelier onde concebeu alguns dos melhores trabalhos do início da sua carreira. Não pintava muito na escola pois tinha bem assente a sua posição social e os pais relembravam-lhe constantemente que era um aristocrata. Cansado, saiu do liceu aos vinte anos de idade com outros planos em mente. Com Louis Lamothe estudou desenho. Foi este artista quem lhe serviu de conselheiro durante os primeiros anos da sua carreira e que lhe fez florescer o gosto iminente por Dominique Ingres. Nos anos próximos Degas foi admitido na École des Beaux-Arts, em Paris. Entusiasmado, empreendeu uma viagem à Itália onde tomou mútuo contato com as obras de Rafael Sanzio, Leonardo da Vinci, Michelângelo, Andrea Mantegna - tanto que chegou mesmo a fazer um quadro cujo título era «A cruxificação de Mantegna» - entre outros artistas da Renascença. Durante esta viagem concebeu um dos seus melhores trabalhos: Retrato da família Bellelli. Quadro cuja preparação lhe roubou mais de dois meses, tendo esboços de todos os membros da família aristocrata italiana. Com esta pintura Degas descreveu extraordinariamente o carácter psicológico da baronesa, que contrasta visível e implacavelmente com o do barão. A baronesa confina-se a olhar enaltecidamente para uma janela que somente se sabe que ali está devido ao espelho, em pose burguesa. O barão, mais velho que a esposa, mira encarecidamente a sobrinha sentada. A par deste quadro, não se cansou de retratar os membros da sua família, incluindo o seu avô, Hilaire Germain de Gas, o patriarca da família De Gas.
Retornado a Paris, com a soberba imponência de quem travou conhecimento com o grande Gustave Moreau, visitou várias vezes o Louvre onde estudou concisamente a obra de Delacroix e de Dominique Ingres. Este último era, por assim dizer, «idolatrado» por Degas. Com tudo isto conheceu um homem que se viria a revelar um grande amigo e que o marcaria até ao final dos seus dias: Edouard Manet. Começara, de vez, o impressionante percurso artístico de Edgar Degas. Depois da sua longa visita a Itália, onde não se absteve de estudar e até mesmo copiar as obras dos mais distintos pintores do Renascimento italiano, Degas regressou a Paris. Enfastiado pela arte renascentista e barroca, passou a ir frequentemente ao Museu do Louvre, onde estudou as obras de pintores, seus precedentes, de toda a Europa, sem exceptuar Nicolas Poussin, Dominique Ingres, Leonardo da Vinci, Hans Memling, Ticiano, Anthony van Dyck, Joshua Reynolds, Hubert Robert, John Constable e outros mestres. As pinturas deste período, cópias das obras dos precedentes pintores ou inspiradas nas obras dos mesmos, começaram a encarar o sucesso e foram até aceitas no Salon. Degas era reconhecido como um convencional e ecléctico pintor parisiense do Salon. Mas, em 1870, a vida de Degas mudou algo, aquando da Guerra Franco-Prussiana. Na guerra, entre duas das maiores potências europeias - embora em declínio - que Degas serviu, na Guarda Nacional, na artilharia, agindo na defesa de Paris. Estava ali junto a Henri Rouart. Os dois ficaram instalados na casa de uns amigos da família De Gas (ou, abreviadamente, Degas), de nome Valpiçon. Foi aqui, em Ménil-Hubert, na Normandia, que Degas trabalhou em Retrato da jovem Hortense Valpiçon. O quadro revela uma assimetria semelhante a A dama dos crisântemos, que, por sua vez, retrata a mãe de Hortense, a famosa Madame Valpiçon. Esta temporada marcou o interesse maior do aristocrata pela pintura histórica.
Depois da Guerra - e para descansar - Degas retirou-se para Nova Orleans, por via Londres, com o seu irmão René (que tinha o mesmo nome que o pai), onde o tio estava imigrado e mantinha um negócio de algodão. Ali concebeu um vasto número de trabalhos antes de retornar a Paris, entre A Bolsa de algodão de Nova Orleans, O pedicuro (que tem-se como mais um dos incansáveis estudos da vida quotidiana proferidos por Degas) e Negociantes do algodão em Nova Orleans. Regressou à sua cidade natal no ano de 1873, depois de permanecer cerca de cinco meses nos EUA.
Depois de tantos anos dedicado à pintura Degas quis, a par dessa atividade, experimentar uma nova ocupação. Vendo-se em favorável posição social, Degas teve acesso às mais contemporâneas tecnologias e modas. Recentemente inventada, a Fotografia também atraiu o francês. Mas por pouco tempo. De opinião conservadora, digna de um verdadeiro aristocrata, reinventou-se como colecionador de arte e comprou vários trabalhos de Paul Gauguin, Van Gogh e Paul Cézanne, o que demonstra a aptidão que tinha para a escolha de tons vivos e fortes e a «força» que estes exercem sobre si. Criou então uma coleção, hoje, de imenso valor comercial. Como já foi dito explicitamente, Degas gozou de uma grande estabilidade monetária. Todavia somente gozou de tanta estabilidade até 1874, aquando da morte do seu pai. Tendo herdado algumas dívidas, Degas viu-se na obrigação de vender a sua coleção de arte. Mesmo assim não deixou de parte os seus luxos, incluindo os criados, os quais retratava frequentemente. A sua governanta era Zoé Cloisier.
Em 1874, após a morte do pai, Degas precisava de ajuda para a concretização de uma exposição onde pudesse exibir as suas pinturas. A exposição, a princípio um acontecimento simples, que não deveria chamar muita atenção, acabou sendo a Primeira Exposição Impressionista, onde Degas se apresentou com trabalhos como Nas corridas e Cavalos de corridas. Ambas as obras estão hoje em exibição em museus: a primeira no Museum of Fine Arts, em Boston, e a segunda no Museu de Orsay, em Paris. Degas e os demais impressionistas protagonizaram mais sete exposições, a última em 1886. Degas participou em todas, sem exceção. Na maioria das exposições, Degas foi ali inserido sob alçada de Manet, o seu «amigo rival». Depois destas exposições o mundo havia, de certo, mudado. As pessoas renovaram a sua visão da arte e foram se acostumando àquelas pinturas que a «boa-sociedade» tinha como imprudentes, escandalosas (as de Edouard Manet) e até mesmo imorais, objetos incitadores de revoluções. E de fato, os impressionistas foram mesmo revolucionários: revolucionaram a maneira muito conservadora de ver a arte, mudaram a visão naturalista que as pessoas tinham do Mundo que as rodeava, deram o primeiro passo para a Arte Moderna. Apesar de Degas, ao longo da sua vida, ter sido conservador tanto nas opiniões como na própria forma de vida, as transformações que sofreu, tal como com a maioria dos outros impressionistas, viriam, de fato, a transformar-se na «alavanca» do Modernismo. Degas é considerado vulgarmente como um dos impressionistas, todavia, tal afirmação revela-se um erro, visto que o autor nunca adotou o leque de cores típico dos impressionistas, proposto por Monet e Boudin, e para além disso desaprovou vários trabalhos seus. Pelo contrário, Degas misturava o estilo impressionista - inspirado em Manet - com inspirações conservadoras, com bases assentes na Renascença italiana e no Realismo francês. Mas à semelhança de muitos modernistas - desta época ou de outras, veja-se Matisse, que viveu posteriormente, inspirou-se muito nas odaliscas de Dominique Ingres.
Na primeira exibição impressionista, Degas constava na lista dos que ali tinham obras expostas. As suas obras reuniam uma gama de influências vastas e sem semelhança, onde sobressaem as gravuras japonesas e os torneados humanos de Dominique Ingres. Como é de notar os quadros de Degas não surpreenderam tanto como os de Monet, por exemplo. O público não se espantava tanto com as suas pinturas; eram tão mais delicadas, sem a agressividade que viram nos outros trabalhos, fazia-lhes até lembrar a pintura histórica, os grandes mestres italianos e o encanto dos franceses do setecento.
Degas ficou conhecido por muito pintar bailarinas, principalmente, cavalos, retratos de família - dos quais o mais conhecido é Retrato da Família Bellelli - ou individuais (por exemplo, o Retrato de Edmond Duranty), cenas do quotidiano parisiense e cenas domésticas, como o banho (como A banheira), paisagens e pela burguesia de Nova Orleans. Todavia, durante algum tempo Degas aplicou-se a pintar as tensões maritais, entre homem e mulher (recorde-se O estupro e O amo).
Na década de 60, Degas adquire finalmente o estilo que o tornaria famoso e diferente dos seus colegas: a pintura histórica. Apesar desse particular não deixou de continuar a pintar as cenas de ópera e concertos, mulheres e finalmente, as bailarinas. Sim, as famosas bailarinas que o tornaram um pintor de renome. Desta série que perdurou ao longo do final do seu glorioso percurso artístico, as mais famosas pinturas são, sem dúvida, A primeira bailarina e A aula de dança. Nestes trabalhos o francês aplicou-se vivamente nos tons vibrantes, que vigoraram vulgarmente ao longo da sua vida. Porém, durante este período os seus trabalhos tornaram-se muito expressivos, alarmantes, assustadores. Veja-se o caso do primeiro. A bailarina parece que voa e o ambiente em torno dela é inspirador e implacável. Um quadro vivo, uma obra-prima inquestionável. É impossível esquecer Músicos da Ópera, uma verdadeira cena saída de um conto literário. Um particular interessante na pintura de Degas é o fato de conceder a cada personagem dos seus trabalhos uma atmosfera brilhante e eclética que faz com estas pareçam reais, móveis, tocáveis, inexplicáveis. Degas era, incontestavelmente, um mestre da pintura. Músicos da Ópera não foge à regra.
Até aqui era frequente utilizar pastel, todavia, durante a década de 70 era mais frequente a pintura a óleo, nos seus trabalhos. Devido à sua brilhante técnica, hoje, as pinturas de Edgar Degas são das mais procuradas pelos compradores de todo o Mundo. Em 2004 um trabalho de Degas de nome As corridas no Bois de Boulogne foi vendido na Sotheby's pela quantia espantosa de cerca de 10 milhões de Euros, ao lado de O tomateiro, de Pablo Picasso e de alguns outros trabalhos do seu eterno «amigo-rival» Edouard Manet.
Saúdo Vossa Excelência que tem aquela perspectiva, talvez das pinturas de Degas, capaz de vislumbrar o horizonte sem o impressionismo que dificulta muitas vezes o exercício da poesia para a boa aplicação da justiça. Ministro Menezes Direito.
Degas era um aristocrata, um homem de família típica, um descendente de banqueiros napolitanos. Portanto, os seus trabalhos, do início da sua carreira, foram bem aceitos pela crítica e pela aristocracia restante que se espantava ao ver o talento. Sem dúvida, a sua classe social influenciava na aceitação dos seus trabalhos. Desde cenas do cotidiano doméstico às frenéticas ruas de Paris, desde a Bolsa de Nova Orleans à pintura histórica, desde as corridas de cavalo a mulheres passando a ferro, todas as suas obras eram bem aceitas e de extrema reputação. Contudo, tal viria a mudar depois da concepção de Place de La Concorde. Enquanto nos seus antigos quadros surgem com bastante dinamismo, a composição deste não permitiu tal coisa. As figuras deslocam-se, perece, vagarosamente - o que é óbvio pois representava um passeio. Existe uma quase ausência de personagens na praça parisiense. Figuram duas meninas que não se sabe a quem pertencem, de onde vêm nem para onde vão. Demonstram um sorriso implacável e constrangedor, comparável ao de Mona Lisa, de Leonardo da Vinci. Dois velhos de cara triste, perambulando com cartola posta, e barba arranjada, muito ecléticos. Parecem infelizes. E esta atmosfera triste realça-se mais com os trajes dos personagens, cinzas ou pretos. Não se sabe ao certo como reagiram as pessoas ao quadro, sabe-se porém, que ficaram eternizadas expressões de cansaço, no público. Pareciam tristes ao ver a obra.
Degas já não era a mesma coisa. E depois de A pequena bailarina de catorze anos, Degas marca o início da sua independência do grupo dos impressionistas. Deixa-os para trás. Aquilo para ele era somente uma brincadeira, com a qual se tornou reconhecido na Europa. Ao exibir esta escultura deixou os seus colegas chocados como toda a «boa sociedade» da época. A bailarina representada era um dançarina da Ópera que Degas conheceu. A sua família era miserável, tendo mesmo uma irmã prostituta. Estudou balé até os 16 anos, já depois de Degas a ter esculpido, até que teve que se prostituir para conseguir viver. Escandalizado, Degas fez com que a bailarina muito jovem se deixasse desenhar. Começou com simples esboço, depois as telas e depois, uma escultura revolucionária que viria a mudar o mundo. Degas fê-la com o propósito de deixar bem marcados na cera (material com que esculpiu a bailarina) os seus sentimentos face àquela miséria fútil, na qual viviam milhares de parisienses. A sua face mostra o árduo trabalho com o qual conviveu. Ao exibir, chocados, todos perguntavam o porquê de estar ali exposta aquela escultura. Aquilo comovia a sociedade, remexia-lhes o peito, fazia-os tristes, não queriam olhar. Por outro lado, esta escultura foi o primeiro trabalho nesta área da arte que incluiu uma roupa real, desta feita uma saia. A partir daí, o Mundo começou a refletir sobre aquele aristocrata que se atreveu a provocar a sociedade e Degas foi, de algum modo, rejeitado e até mesmo humilhado. Mas ninguém se pôde esquecer que ele mudara a visão conservadora e eclética do mundo, e não se esqueceu de publicitar e de tornar públicos os problemas deste. Anos mais tarde, a famosa escultura tornou-se um ícone desta forma de Arte. Impossível é deixar de referir que Edgar Degas foi um dos maiores revolucionários da arte do oitocento e de todos os tempos.
Depois de um encontro pessoal com Adolf Hitler, em 1925, ele se juntou ao nazista,
cuja funcionários nomeou-o para o "Conselheiro Propriedade de Artes Visuais" na liderança nacional do partido. Desde novembro de 1933, Adolf Ziegler ensinado como professor na Academia de Arte de Munique. Ziegler, um pintor tecnicamente qualificados exclamou, com sua ilustrada precisão meticulosa alegóricos nús e
retratos mostram a admiração de Hitler e rapidamente se tornou o principal representante da arte oficial do partido, o sangue-e-arte-solo. Escarnecedores se referiu a ele como um "artista de cabelo púbico império" ou "mestre do cabelo feminino púbico", bem como "mestre do cabelo alemão púbico“. Devido à sua exposição em termos de política cultural nazista promoveu Goebbels em novembro de 1936 para "Conselheiro Propriedade de Artes Visuais" e do Presidente da Câmara Reich de Belas Artes, da Câmara de Cultura do Reich. Nesta posição foi Ziegler responsável pela
discriminação de arte moderna e crítica. 1937 Ziegler foi encomendado por Hitler com a "limpeza" dos museus alemães e galerias de "arte degenerada", que é a arte que não é a concepção de arte nazista correspondia comissionados. Essa ação resultou na apreensão de mais de 16.000 obras. Algumas dessas pinturas e esculturas em junho de 1937, foi liderado por Adolf Ziegler exposição "Arte Degenerada" equipada.
No discurso de abertura da exposição, ele representava a concepção Nacional-Socialista de arte e polêmica contra a arte moderna. "Você vê que nos rodeia estas invenções de insanidade, imprudência, e na incapacidade de degeneração”. Final de agosto 1937 Ziegler confiscados em obras de arte Hamburgo, incluindo 770 do Hamburger Kunsthalle. Paralelamente a seu partido relacionados com exposições, ele produziu ainda própria arte, que ele na Casa de Arte alemã, também na Grande Exposição de Arte alemã, apresentado em Munique. Em 1937, ele publicou o livro A Arte do Terceiro Reich. De derrotismo acusado porque ele tinha proposto, em 1943, dada a situação de guerra negociações de paz com a Inglaterra, Ziegler teve que renunciar ao seu cargo público por algum tempo e veio para o campo de concentração de Dachau. Após a Segunda Guerra Mundial, viveu primeiro com sua irmã em Baden-Baden e foi como um "companheiro" desnazificação. Na zona de ocupação soviética, seu livro O movimento russo ímpios (Kosel Pustet, Munique 1932) na lista de literatura proscrita set1938. Ziegler foi pai de Pedro Werner, que foi adotado mais tarde, recebeu o sobrenome de seu padrasto e uma carreira de ator como Peter Reistenhofer.
Campo de concentração de Dachau foi cerca de 20 Kms a noroeste de Munique, a capital do movimento. Como o primeiro campo de concentração (KZ), a Schutzstaffel (SS) deixou para o Reichsführer-SS e Munique chefe da polícia de Heinrich Himmler no local de uma fábrica de munições a leste da cidade de Dachau. Ela consistia de 22mar1933 para a libertação por tropas norte-americanas no dia 29abr1945 e foi o único dos doze anos de domínio nazista através de inventário existente. Tornou-se o terreno fértil para campo de concentração de novo e tomou uma série de posições especiais. Seu relógio estava fora nos primeiros anos por unidades montadas do general da SS feita. O acampamento foi o primeiro lugar no Império Alemão, onde um SS acampamento comandante foi atribuído à jurisdição exclusiva e a lei foi definido com êxito substituído. O SS criou um "Estado dentro do Estado", no qual ela segurou os adversários políticos, suprimiu e assassinados. Após a derrubada da SA, Himmler aumenta o campo de concentração e um novo detento área de construção que se juntou ao ex-fábrica de munições. Organização e estrutura espacial mais tarde serviu como um modelo para campo de concentração de novo em território alemão. O nazista regime foi apresentado propaganda como uma loja âncora e para deter dissidentes políticos. Dachau era um campo de treinamento para guardas da SS e os líderes da SS, inclusive nos posteriores campos de extermínio foram usados. O campo de Dachau não era um campo de extermínio, mas em qualquer outro campo de concentração aconteceu tantos assassinatos políticos. Dos pelo menos 200.000 prisioneiros morreram cerca de 41.500. Hoje, no local do campo de concentração de Dachau, que é visitado por cerca de 800.000 pessoas em todo o mundo.
A ideologia do sangue e do solo, considera a descida (o "sangue") e do fundo (para ele se retirar, pela Agricultura e Alimentação como um habitat) e, portanto, falar, a linhagem campesinato antigo como o principal meio de subsistência. Ela surgiu a partir do racismo e nacionalismo do final dos anos 19 Século e foi fundamental para a nazista ideologia. Os críticos desta ideologia visto na ideologia do sangue e do solo, uma arrogância belicista de (própria) raça (sangue) para legitimar uma nação a se expandir e do estoque de seu próprio povo, destruindo outros povos garantia e aquisição de solo estrangeiro. Detectável como um sangue par conceitual e de solo já está em 1922 publicou o trabalho O Declínio do Ocidente de Oswald Spengler, em que a "batalha entre o sangue e do solo para a forma interior de um animal transplantado e espécie humana" falou. A imagem foi, então, a partir de agosto Winnig aceitou cuja fonte de libertação a partir de 1926, bem como seu livro O Reino da República (1928), em cada caso, com a frase que começa com "sangue e solo são o destino das nações (as pessoas)". Somente por Richard Walther Darré, Membro Artamans, de sua publicado em 1930 escrever o título Neuadel de sangue e do solo foram, foi a fórmula sucinta de um conceito central da ideologia nazista, de uma relação específica entre idéias políticas raciais, econômicas e agrícolas tentando provar.
Nas artes visuais, especialmente a pintura e escultura monumental, viu os nazistas é um meio importante de influência ideológica sobre a população. Como motivos recorrentes foram os arianos mitos dos agricultores diligentes alemães, os bravos soldados alemães, fértil ou intacta alemão de mulheres grande família alemã convocado. Havia muitos tecnicamente dotado do artesão que poderia implementar o imaginário ideológico do nazismo visual-visual. O nome de Adolf Ziegler, Paulo Mathias Pádua, Werner Peiner, Arthur Kampf, Arno Breker, Josef Thorak de estar aqui em nome de muitos. Alguns desses artistas chamados nazistas eram nas artes e na política cultural do NSDAP posições importantes. As obras de até 1933 na República de Weimar, parcialmente conhecido e famoso artista alemão cujo trabalho se baseia na liberdade e independência foram, depois de Hitler tomada do poder como uma arte degenerada banido de museus e parcialmente destruído. Você mesmo tinha muitas vezes para o exílio. O selo de sangue e do solo (também chamado de "Blubo-selo" ou literatura Blubo) é uma direção literária em que a ideia de uma raça liderança camponesa artreinen emerge. É composto principalmente agricultores, assentados e romances de aquisição de terras. Representantes são Gerhard Schumann, Herbert Böhme, Heinrich Anacker, Herybert Menzel, Josefa Berens-Totenohl e outros.
A exposição "Arte Degenerada" foi um dos nazistas exposição propaganda organizada em Munique. Ela nasceu em 19Jul1937 nos arcades Hofgarten abriu e terminou em novembro do mesmo ano. Paralelo encontrado no dia antes de abrir "Exposição de Arte Primeira Grande Alemão", realizada de modo que "Arte Degenerada" e do regime financiado arte, o chamado "Arte alemã", foram comparados. exposições de Munique foi seguida até 1941, uma exposição itinerante com o mesmo título, A estação feita em 12 cidades, no entanto, houve algumas outras exposições. A exposição de Munique de Adolf Ziegler organizado, que também liderou as apreensões anteriores. Assim, da Comissão de Ziegler em coleções e museus, como o Museu Wallraf-Richartz, em Colônia, o Museu Folkwang, em Essen, a Kunsthalle de Hamburgo, o Landesmuseum em Hanover e o novo Departamento da Galeria Nacional em Berlim como "degenerada" em vigor obras de arte selecionadas para uso no programa, dos quais 600 foram realmente mostrado. Eles representavam o caluniado arte estilos expressionismo, dadaísmo, surrealismo e Nova Objetividade. Para conseguir um efeito de "caótica" fenomenal, as obras nas salas de exposição foram deliberadamente enforcado desfavorável e desde que com slogans difamatórias nas paredes. Assim, toda a exposição foi a propaganda voltada para a ação. A exposição "Arte Degenerada" teve 2.009.899 visitantes, de acordo com funcionários e foi, embora este valor é embelezado, até então uma das exposições mais visitadas da arte moderna.
