Baldassare Tommaso Peruzzi

Nascido em 7 de março de 1481 — 6 de janeiro de 1537, foi um pintor e arquiteto italiano, nascido em uma pequena cidade próxima à Siena e falecido em Roma. Construiu a Villa Farnesina (ou Villa della Farnesina), um palácio de Roma construído entre 1508 e 1511, no Rio Trastevere, para o banqueiro de Siena Agostino Chigi. Em 1580 foi adquirido pelo Cardeal Alessandro Farnese, recebendo assim o nome atual. A Villa Farnesina foi a primeira villa nobre suburbana de Roma.




L'église Sainte Marie de la Paix est un mélange d'une commande du pape Sixte IV de la fin du 15è siècle et d'une reconstruction du 17è siècle réalisée par Pierre de Cortone. La façade baroque qui lui est due est tout à fait théâtral et l'intérieur présente de riches décorations. Mentionnons en particulièr le maître autel de Carlo Maderno qui renferme une icône de la Vierge à l'enfant, les fresques de Raphaël, de Rosso Fiorentino et de Baldassare Peruzzi ainsi que les marbres pris aux ruines du temple de Jupiter Capitolin. Mais le plus intéressant reste sans doute le cloître à deux niveaux d'arcades dessiné par Bramante au tout début du XVIè siècle.


i mosaici della cappella di Sant'Elena in Santa Croce in Gerusalemme a Roma attibuiti a Baldassarre Peruzzi.

Giambattista (Giovanni) Battista Tiepolo

Nascido em Veneza, 15 de março 1696 - Madri, 27 de março 1770, foi um dos grandes mestres da pintura italiana.

Com estilo grandioso, caracteriza-se pela sofisticação e elevado senso que marcou os artistas do século XVIII, os cenários por ele criados evocam uma dimensão terrena voltada para o infinito e a ficção, cromaticamente marcado por uma paleta de cores frias e irreais, dando às suas figuras e objetos um reflexo de tom prateado, perdendo toda a consistência plástica.

Giambattista nasce em Veneza em 1696, filho de Domenico, pequeno armador, e Orsetta Maramgon. Foi batizado a 16 de abril do mesmo ano. No ano seguinte morre o pai, deixando a família em grande dificuldades financeiras. Tem suas primeiras formações a partir de 1710, aproximadamente, no ateliê de Gregorio Lazzarini, pintor de estilo eclético, capas de unir os diferentes estilos da tradição veneziana, e de quem aprende, além dos primeiros rudimentos da pintura, o gosto pela grandiosidade teatral das composições.

Bem cedo é influenciado pela pintura "tenebrosa" de Federico Bencovich e de Piazzeta, mas também recebe forte interferência dos mestres da Renascença Veneziana, Tintoretto e Paolo Veronese.
Em 1715 inicia a pintura na igreja veneziana de Nossa Senhora dos Órfãos, representando figuras dos apóstolos, usando de um brutal claro-escuro e tons escuros.

Tiepolo por esta época trabalha para o doge que governa a cidade (Giovanni II Cornaro), em seu palácio pintando quadros e retratos, dentre os quais o retrato do doge Marco Cornaro (1716), com tons pastel (mornos e claros), lembrando o trabalho de Sebastião Ricci. Neste ano realiza o afresco "Assunta" na igreja paroquial de Biadene. Em 11 de agosto expõe, na festa de S. Rocco, o seu esboço para o "Mergulho do Faraó".

Em 1717 tem seu nome citado pela primeira vez dentre os grandes pintores venezianos. É também incluído no livro "Grande apresentação da pintura e perspectiva de Veneza". Tiepolo realiza pinturas em diversos palácios. Em 1727 tem seu filho Giandomenico, um colaborador no futuro.
Em 1730 realiza "O triunfo das Artes", em Milão, uma obra-prima que foi destruída pelos bombardeios de 1943. Realiza trabalhos sob encomenda de várias cortes européias.

Em 1761 o rei Carlo III de Espanha contrata Tiepolo para ornar com afrescos os quartos do novo Palácio Real, em Madri. Trabalha vários anos na Espanha, morrendo em 1769 na capital daquele país, sendo enterrado na igreja de São Martin, já destruída.

Os seis Tiepolos mais bem vendidos
Obra Leilão Valor Final
Retrato de mulher como Flora Christie's Londres, 2008 €3.300.000
A Lamentação Christie's Londres, 2002 €2.170.000
Alexandre e Campapse no est. de Apeles Christie's Nova Iorque, 2000 €1.500.000
A Deposição de Cristo no Túmulo Leiria e Nascimento, Lisboa, 2007 €1.500.000
"Putti" com molhos de trigo e uvas Sotheby's Nova Iorque, 2000 €750.000
Rinaldo abandonando Armida Christie's Nova Iorque, 2000 €712.000
Apollo homenageado pelas Musas (modelo) Christie's Nova Iorque, 1998 €465.000

Giorgio Vasari

Nascido em Arezzo, 30 de julho de 1511 — Florença, 27 de junho de 1574, foi um pintor e arquiteto italiano conhecido principalmente por suas biografias de artistas italianos.

Ainda muito jovem, tornou-se discípulo de Guglielmo da Marsiglia, um pintor de grande talento especializado em vitrais. Fora recomendado a Marsiglia por um parente, Luca Signorelli. Aos 16 anos, o cardeal Silvio Passerini o enviou para estudar em Florença, no círculo de Andrea del Sarto e seus pupilos, Rosso e Jacopo Pontormo. Sua educação humanista foi-lhe de grande serventia, e durante seus estudos, conheceu Michelangelo, cuja arte influenciou bastante o estilo de Vasari.

Em 1529, visitou Roma e estudou os trabalhos de Rafael e outros artistas do Alto Renascimento romano e que pertenciam à geração anterior à de Vasari. Produziu pinturas maneiristas que foram mais admiradas durante sua vida do que postumamente. Seus serviços eram regularmente utilizados pela família dos Médici tanto em Florença como em Roma, mas trabalhou também em locais como Nápoles e Arezzo. Dentre seus trabalhos mais importantes, podem-se citar: a parede e o teto da sala principal do Palazzo Vecchio, em Florença, e os afrescos incompletos, no Domo de Santa Maria del Fiore, a catedral de Florença.

Teve maior êxito como arquiteto, podendo-se citar a loggia do Palazzo degli Uffizi, ao lado do Arno: o planejamento urbanístico do longo e estreito jardim que funciona como praça pública (piazza) e a longa passagem que o conecta ao Palácio Pitti através da "Ponte Vecchio.
Trabalhou com Giacomo Vignola e Bartolomeo Ammanati na mansão do Papa Júlio II (a "Villa Giulia"), em Roma. Por outro lado, sua atividade prejudicou bastante as igrejas medievais de Santa Maria Novella e da Basilica di Santa Croce, em Florença, pois delas ele retirou várias partes que viriam a integrar seus trabalhos, além de ter-lhes modificado a estética conforme o estilo maneirista de seu próprio tempo. Em vida, Vasari contou com alta reputação e fez fortuna.

Em 1547, construiu para si uma mansão em Arezzo (que hoje é museu em sua homenagem) e passou incontáveis dias dedicando-se a decora-la com obras-de-arte. Foi eleito para o Conselho Municipal (priori) de sua cidade natal, tendo alcançado, mais tarde, o cargo supremo de gonfalonier.

Em 1563, fundou a Accademia del Disegno em Florença. O Grão-Duque local e Michelangelo tornaram-se líderes da instituição e trinta e seis artistas foram escolhidos para tornarem-se

Vasari ficou conhecido como o primeiro historiador da arte, através de seu livro Vite ou Le Vite de' più Eccellenti Pittori, Scultori e Architettori, onde registrou a biografia dos principais artistas do Renascimento. O termo Gótico foi pela primeira vez impresso em seu livro. Publicado pela primeira vez em 1550, incluía, além das biografias, um valioso tratado das técnicas empregadas. Teve uma revisão em 1568, acrescida de retratos dos biografados.

Por bairrismos e jogo político, o livro favorecia os florentinos, em detrimento de outros artistas, como os venezianos. Tiziano, por exemplo, só foi incluido na segunda edição, após Vasari visitar Veneza. Apesar dessas falhas, e mesmo não utilizando uma pesquisa rigorosa, é uma das únicas fontes coevas para a história da arte da época.

Antonio Marziale e Annibale CARRACCI

Antonio Marziale Carracci (1583 - 8abr1618) foi um italiano pintor. Ele era filho natural de Agostino Carracci.

Carracci nasceu na freguesia de Sta. Lucia em Veneza, provavelmente em 1583, o produto de um caso amoroso com uma cortesã chamada Isabella, que ocorre em sua primeira visita de pai para Veneza. Agucchi Giovanni Battista, um amigo e protegido do Cardeal Odoardo Farnese nos diz em uma letra 1609, levantou, juntamente com Sisto Badalocchio e um quase contemporâneo a Domenichino e Lanfranco. Ele primeiro colocado com o pai. O principal barroco biógrafos do artista do seu tempo, Baglione, Bellori e Malvasia, fazer alguma nota sobre ele. Malvasia recorda seu pai admirava um e Madonna crianças que completaram a idade de dezessete anos. 1590 retrato de Aníbal de um menino é muito semelhante ao da xilogravura no Malvasia de 1678 felsina Pittrice. Ele também pode ser o menino do Brera grupo retrato, incluindo o pai de Aníbal Mastro Antonio. Quando seu pai morreu em 1602, Antonio se mudou para Roma para trabalhar com seu tio Aníbal, a quem ele desenvolveu um profundo afeto. Ele provavelmente trabalhou nos afrescos do Farnese Galleria, em óculos para o Palazzo Aldobrandini capela, e, provavelmente, na Capela Herrera. Após seu tio está passando, ele recebeu comissões em Roma, do Cardeal Tonti e Peretti Cardeal-Montalto, incluindo o Stanza del Diluvio no Palácio do Quirinal, e retábulos importantes como Berlim Madonna e Criança com Santos e Galleria Corsini - Natividade. A autoconfiança das cartas que ele escreveu ao cardeal Farnese, e do antigo protetor, seu pai, o cardeal Spinola, depois do tio a morte de seu sugerir que eles foram escritos por Agucchi, que em seu mais recente (12set1609) a letra ligeiramente para Dulcini tudo sobre Antonio, fala de uma carreira que já está bem começou. Malvasia misquotes esta carta e copia-o como[Antonio] trabalho parece que de um novato a MS realmente diz o oposto "il suo da tarifa de principiante não pare". Não é nenhuma surpresa ao ver que Antonio fala da impegni que ele já tem, ao ler que ele tenha aprendido o suficiente "Tanto da tirarmi avanti da me stesso", e que ele se vê como a manutenção da escola Carracci, em Bolonha, e girando o estúdio para serviço à Farnese 'em scuola ESSA, procurerò che s'avanzino na ESSA por dovere indirizzare L'Opera et l'oro di Servizio VS Ill.ma... Antonio herdou o estúdio contra as pretensões de Aníbal está sobrevivendo irmão Giovanni Antonio, que disputou a herança lançando dúvida sobre a paternidade do sobrinho dele. Apesar de ganhar comissões, os do cardeal Pietro Aldobrandini, o padroeiro principal após o Farnese, diminuiu uma vez que o cardeal tio Clemente VIII morreu em 1605. Isso também coincide com o início da doença incapacitante de Aníbal. A ascensão do Papa Borghese, Paulo V, prosseguiu o declínio do estúdio. Ao relatório, Aníbal não poderia receber o cardeal Scipione Borghese, saindo de uma porta traseira, quando ele veio ao estúdio, mas Antonio foi introduzida a papa Prodatario o Cardeal Tonti, também um ávido colecionador. Tonti empregado Antonio pintar quatro capelas em sua igreja, com outras comissões pública incluiu uma capela em Santa Maria, em Monticelli, o trabalho em Sant 'Girolamo dei Schiavoni, Santa Maria in Trastevere e Sant 'Sebastiano fuori le Mura, e no Palazzo Mattei. Antonio e Guido Reni colaboraram na decoração do dell 'Anunciata Cappella no Palácio Quirinal, a pintura de um friso do Stanza del Diluvio. Ele contribuiu, por volta de 1616, a Alexander afrescos feito por Cardeal Peretti Montalto, outras obras foram feitas para Marchese Giustiniani, Cardeal Orsino, o Ludovisi, Sachetti Cavalier, Buonavia Dionigio em Bolonha, e é claro que ele estava sob a proteção do Cardeal Odoardo Farnese, que o reconheceu como seu "pittor di casa e lhe pagava um estipêndio mensal. Antônio era conhecido por fazer-size gabinete composições muitas vezes baseada na grande variedade de materiais gráficos na posse do estúdio Carracci. Sua obra-prima, O Dilúvio foi um dos cardeal Mazarino é valorizada mais fotos e influentes de Poussin é Battle primeiras pinturas, bem como suas pinturas de Estações de Luís XIV, 40 anos depois. Com sua Reni como refinamento, a articulação da narrativa, espaço, gesto e expressão, o Dilúvio foi um acadêmico importante colaboração com Agucchi. Antonio foi muito admirado pelos contemporâneos, que fez sua morte prematura uma trágica perda particularmente "nel Morire che nel 1618 Segui Mostro contritione e tal Sentimento che simil passaggi si vedono em pochi". Recentemente, sua reputação caiu, e ele tem sido descrita como uma pequena e desajeitada de imitar o seu funciona ancião. Seu amigo Giulio Mancini disse que não só herdou de estúdio do Aníbal, mas também "Herede dei Suoi disegni et arte fù Antonio ...". Antonio, como Guido colocá-lo, a "scintilla ultima (del) valor Caraccesco" tinha, de fato, mais investiu no estúdio Carracci do que ninguém. O original do copiado composição muito do Martírio de St. Denis (St Denis bourreaux ses effrayant) é, evidentemente, de Antonio, e o tema para o seu companheiro de São Paulo batizando St Denis. Não foi um elogio ocioso no Mancini é parte, quando ele falou que o Antonio 'Segni di gran dover' grande venir mostro. Tudo o mesmo, foi fácil para a sua identidade para ser incluído ao de Carracci ancião. Porque ele compartilhava as mesmas iniciais de seu pai e tio, e porque o Carracci colaborou frequentemente, as pinturas eram muitas vezes confundidas. Quando Padre Resta deu o desenho do Dilúvio, que ele teve de Bellori, para Max Emanuel da Baviera, que estava satisfeito ao ouvir que o eleitor o dom precioso e manteve-o sobre uma mesa a seu lado, mas 'lo teneva por pittura Aníbal d'.

Lista de obras:
O Dilúvio (Louvre)
Latona, com seus filhos Apolo e Diana, transformando os camponeses em rãs Lícia Whitfield Fine Art, em Londres
Paisagem com Banhistas, Museum of Fine Arts, Boston
O martírio de Santo Estêvão, National Gallery, Londres
Cristo cura um homem cego (Modena)
Lute Player(Modena)

Nascido em Bolonha, 3nov1560 - Roma, 15jul1609,Annibale Carracci, e muito provavelmente iniciou seu aprendizado com a família. Em 1582, Annibale, seu irmão Agostino e seu primo, Ludovico Carracci, abriram um estúdio de pintura inicialmente chamado por alguns de Academia de Desiderosi "desejoso de fama e de aprendizagem" e em seguida chamada Incamminati (progressistas; literalmente "aqueles que abrem novo caminho").

Embora os Carracci enfatizassem o esboço linear tipicamente florentino, como exemplificado por Rafael e Andrea del Sarto, seus interesses pelas cores cintilantes e contornos sutis dos objetos eram derivados dos pintores venezianos, notavelmente do trabalho do artista Ticiano, o qual foi estudado por Annibale e Agostino durante viagens pela Itália em 1580-81, a mando do ancião Caracci Lodovico. Esse ecletismo se tornaria a característica que definiria os artistas do “Barroque Emilian” ou “Escola Bolonhesa”.

Em muitas das primeiras obras de Bolonha, é difícil distinguir as contribuições individuais de cada Carracci. Por exemplo, os afrescos sobre a história de Jasão para o Palazzo Fava (1583-1584) carregam a assinatura Carracci, o que sugere que todos eles contribuíram. Em 1585, Annibale concluiu o retábulo do Batismo de Cristo para a igreja de São Gregório, em Bolonha. Em 1587, ele pintou A Assunção para a igreja de San Rocco, em Reggio Emilia.

Em 1587-88, Annibale viajou para Parma e, em seguida, Veneza, onde se reuniu com seu irmão Agostino. A partir de 1589-92, os três Carracci completaram os afrescos sobre A Fundação de Roma para o Palazzo Magnani, em Bolonha. Até 1593, Annibale havia completado o retábulo Virgem no Trono com São João e Santa Catarina, trabalhando em colaboração com Lucio Massari. Sua Ressurreição de Cristo também data de 1593. Em 1592, ele pintou a Assunção para a capela Bonasoni, em San Francesco. Durante 1593-1594, os três Carracci estavam trabalhando em afrescos no Palazzo Sampieri, em Bolonha.

Tendo como base os afrescos prolíficos e magistrais realizados pelos Carracci em Bolonha, o Duque de Parma, Ranuccio I Farnese, recomendou Anibale a seu irmão, o cardeal Odoardo Farnese, que desejava decorar o piano nobile do Palazzo Farnese, em Roma. Entre novembro e dezembro de 1595, Anibale e Agostino viajaram para Roma para começar a decorar o Camerino com histórias de Hércules, adequadas, uma vez que a sala abrigava a famosa escultura da antiguidade greco-romana de Hércules Farnese.

Enquanto isso, Anibale desenvolveu centenas de esboços preparatórios para o produto principal, onde ele liderou uma equipe na pintura de afrescos no teto do grande salão com o quadri riportati secular do Amor dos Deuses, ou, como o biógrafo Giovanni Bellori descreveu, O Amor dos Humanos regido pelo Amor Celestial. Ainda que o teto seja ritualmente rico em elementos ilusionistas, as narrativas são emolduradas no rígido classicismo de decoração da alta Renascença. Seu trabalho inspiraria, mais tarde, a corrente livre do ilusionismo Barroco e a energia que iria emergir dos grandes afrescos de Cortona, Lanfranco e, em décadas posteriores, Andrea Pozzo e Gaulli.

Durante os séculs XVII e XVIII, o teto de Forense era considerado a obra prima incomparável dos afrescos de sua época. A obra era não só considerada um livro modelo do desenho de figuras históricas, como também um exemplo de procedimento técnico. As centenas de esboços preparatórios feitos pr Annibale passaram a ser um passo fundamental para composição de qualquer pintura histórica ambiciosa.

Cronologia da obra
Ragazzo che beve, 1582-1583, óleo sobre tela, 55 x 43 cm, coleção particular.
Testa d'uomo sorridente, 1583, óleo sobre tela, Roma, Galleria Borghese.
Crocifissione e santi, 1583, óleo sobre tela, 305 x 210 cm, Bolonha, Santa Maria della Carità.
Salma di Cristo, 1583-1585, óleo sobre tela, 70,7 x 88,8 cm, Stuttgart, Staatsgalerie Stuttgart
Battesimo di Cristo, 1584, óleo sobre tela, Bolonha, Chiesa di San Gregorio.
Mangiafagioli, 1584-1585, óleo sobre tela, 57 x 68 cm, Roma, Galleria Colonna.
La bottega del macellaio, 1585, óleo sobre tela, 185 x 266 cm, Oxford, Christ Church Picture Gallery.
San Francesco penitente, 1585 ca, óleo sobre tela, 75 x 57 cm, Roma, Pinacoteca Capitolina.
Visione di sant'Eustachio, 1585-1586, óleo sobre tela, 86 x 113, Nápoles, Museo di Capodimonte.
Matrimonio mistico di santa Caterina, 1585-1587, óleo sobre tela, 160 x 128 cm, Nápoles, Museo di Capodimonte.
Cristo coronato di spine sorretto dagli angeli, 1585-1587, óleo sobre tela, 85 x 100 cm, Dresden, Gemäldegalerie.
San Francesco d'Assisi, 1585-1590, óleo sobre tela, 55 x 37 cm, Nápoles, Museo di Capodimonte.
Ritratto di musicista, 1587 ca, óleo sobre tela, 91 x 67 cm, Nápoles, Museo di Capodimonte.
Madonna col Bambino in gloria e santi, 1587-1588, óleo sobre tela, 278 x 193 cm, Bolonha, Pinacoteca Nazionale.
Venere con un Satiro e Cupido, 1588, óleo sobre tela, 112 x 142 cm, Florença, Galleria degli Uffizi.
Arcangelo Gabriele e Vergine Annunziata, 1588, óleo sobre tela, 152 x 76 cm cada, Bolonha, Pinacoteca Nazionale.
Madonna col Bambino in trono e i santi Francesco, Matteo e Giovanni Battista, 1588, óleo sobre tela, 384 x 255 cm, Dresden, Gemäldegalerie.
Satiro, 1588-1590, óleo sobre tela, 128 x 76 cm, Nápoles, Museo di Capodimonte.
Paesaggio con Diana ed Endimione, 1590, óleo sobre madeira, 33 x 46 cm, York, City Art Gallery.
Autoritratto di profilo, 1590, óleo sobre tela, Florença, Galleria degli Uffizi.
Uomo con scimmia 1590, óleo sobre tela, 68 x 58,3, Florença, Galleria degli Uffizi.
Venere e Cupido, 1590, óleo sobre tela, 110 x 130 cm, Modena, Galleria Estense.
Paesaggio con un fiume, 1590, óleo sobre tela, 88,3 x 148 cm, Washington, National Gallery of Art.
Assunzione della Vergine, 1590, óleo sobre tela, 130 x 97 cm, Madrid, Museo del Prado.
Le tre Marie al sepolcro, 1590, óleo sobre tela, 121 x 145,5 cm, São Petersburgo, Ermitage.
Bacco, 1590-1591, óleo sobre tela, 160 x 100 cm, Nápoles, Museo di Capodimonte.
Venere abbigliata dalle Grazie, 1590-1595, óleo sobre tela, 133 x 170,5 cm, Washington, National Gallery of Art.
La Vergine appare alle sante Lucia e Caterina, 1592, óleo sobre tela, 401 x 226 cm, Paris, Museu do Louvre.
Assunzione della Vergine, 1592, óleo sobre tela, 260 x 117 cm, Bolonha, Pinacoteca Nazionale.
La resurrezione di Cristo 1593, óleo sobre tela, 217 x 160 cm, Paris, Museu do Louvre.
La Sacra Famiglia, 1593, óleo sobre tela, 120 x 98 cm, Paris, Museu do Louvre.
Adorazione dei pastori, 1593, óleo sobre tela, 85 x 63 cm, Roma, Galleria Nazionale di Arte Antica.
Madonna col Bambino in trono e i santi Giovanni Evangelista e Caterina, 1593, óleo sobre tela, 289,5 x 192,5 cm, Bolonha, Pinacoteca Nazionale.
Allegoria fluviale, 1593-1594, óleo sobre tela, 80,5 x 90,5 cm, Nápoles, Museo di Capodimonte.
Cristo Crocifisso, 1594, óleo sobre tela, 33,8 x 23,4 cm, Berlim, Staatliche Museen.
Visione di san Francesco d'Assis, 1594, óleo sobre tela, 47 x 35,5 cm, Kassel, Staatliche Kunstsammlungen.
San Giovanni Battista nel deserto, 1594-1595, óleo sobre tela, 129,3 x 98 cm, Bolonha, Pinacoteca Nazionale.
Scena di pesca, 1595 ca, óleo sobre tela, 136 x 253 cm, Paris, Museu do Louvre.
Scena di caccia, 1595 ca, óleo sobre tela, 136 x 253 cm, Paris, Museu do Louvre.
Venere, Adone e Cupido, 1595 ca, óleo sobre tela, 212 x 268 cm, Madrid, Museo del Prado.
Venere con Adone, 1595 ca,óleo sobre tela, 217 x 246 cm, Viena, Kunsthistorisches Museum.
Incoronazione della Vergine, 1595 ca, óleo sobre tela, 117,8 x 141,3 cm, New York, Metropolitan Museum.
San Francesco adorante il Crocifisso, 1596 ca, óleo sobre tela, 48 x 36,5, Bolonha, Pinacoteca Nazionale.
La scelta di Ercole, 1596 ca, óleo sobre tela, 167 x 273 cm, Nápoles, Museo di Capodimonte.
Cristo deriso, 1596 ca, olio su tela, 60 x 69,5 cm, Bolonha, Pinacoteca Nazionale.
Orazione nell'orto, 1596-1597, óleo sobre madeira, 39,4 x 29 cm, Hampton Court, Royal Collection.
San Girolamo, 1596-1599, óleo sobre tela, 44 x 32 cm, Nápoles, Museo di Capodimonte.
Cristo in gloria e santi, 1597, óleo sobre tela, 194,2 x 142,4 cm, Florença, Palazzo Pitti.
Marsia e Olimpo, 1597-1600, óleo sobre madeira, 35,4 x 84,2 cm, Londres, National Gallery.
Sileno che mangia l'uva, 1597-1600, óleo sobre madeira, 54,5 x 88,5 cm, Londres, National Gallery.
Maria Maddalena in un paesaggio, 1598, óleo sobre madeira, Cambridge, Fitzwilliam Museum.
Cristo appare a sant'Antonio Abate, 1598, óleo sobre madeira, 49,5 x 34,4 cm, Londres, National Gallery.
Madonna col Bambino e san Giovannino, 1599-1600, óleo sobre tela, 51,2 x 68,4 cm, Hampton Court, Royal Collection.
Sacrificio di Isacco, 1599-1600 ca, óleo sobre tela, 45 x 34 cm, Paris, Museu do Louvre.
Compianto su Cristo morto, 1599-1600, óleo sobre tela, 156 x 149 cm, Nápoles, Museo di Capodimonte.
Ercole strozza i serpenti, 1599-1600, óleo sobre tela, 16 x 15 cm, Paris, Museu do Louvre.
Madonna Montalto, 1600, óleo sobre madeira, 35 x 27,5 cm, Londres, National Gallery.
Ritratto di Giovanni Gabrieli, 1600, óleo sobre madeira, Dresden, Gemäldegalerie.
Riposo durante la Fuga in Egitto, 1600, óleo sobre tela, diametro 82,5 cm, São Petersburgo, Ermitage.
Assunzione della Vergine Maria, 1600-1601, óleo sobre tela, 245 x 155 cm, Roma, Santa Maria del Popolo, Cappella Cerasi.
Rinaldo e Armida, 1601, óleo sobre tela, 154 x 233 cm, Nápoles, Museo di Capodimonte.
Domine, quo vadis?, 1602, óleo sobre madeira, 77,4 x 56,3 cm, Londres, National Gallery.
Pietà con san Francesco e Maria Maddalena, 1602-1607, óleo sobre tela, 277 x 186 cm, Paris, Museu do Louvre.
La Pietà e due angeli, 1603, óleo sobre madeira, 41 x 60,8 cm, Viena, Kunsthistorisches Museum.
Martirio di santo Stefano, 1603-1604, óleo sobre tela, 51 x 68 cm, Paris, Museu do Louvre.
Lapidazione di santo Stefano, 1603-1604, óleo sobre tela, 51 x 53 cm, Paris, Museu do Louvre.
Paesaggio con la fuga in Egitto, 1604, óleo sobre tela, 122 x 230 cm, Roma, Galleria Doria Pamphilj.
Autoritratto su tela, 1604, óleo sobre madeira, 42 x 30 cm, São Petersburgo, Ermitage.
Trittico della Deposizione, 1604-1605, óleo sobre madeira, 37 x 24 cm; 37 x 12 cm, Roma, Galleria Nazionale di Arte Antica.
Cristo e la samaritana al pozzo, 1604-1605, óleo sobre tela, 60,5 x 146 cm , Viena, Kunsthistorisches Museum.
Traslazione della Santa Casa, 1605, óleo sobre tela, 250 x 150 cm, Roma, Chiesa di Sant'Onofrio.
Natività della Vergine, 1605-1609, óleo sobre tela, 279 x 159 cm, Paris, Museu do Louvre.
Compianto su Cristo morto, 1606, óleo sobre tela, 92,8 x 103,2 cm, Londres, National Gallery.
Deposizione nel sepolcro, 1610, óleo sobre tela, 45 x 35 cm, Viena, Kunsthistorisches Museum.
San Girolamo 1585
Il trionfo di Bacco e Arianna (1597 - 1600)
L'ira di Polifemo (1600 circa)
Annunciazione (1593-1596) Louvre
Due macellai al lavoro (La piccola macelleria), óleo sobre tela, 59.7 x 71.0 cm, (1582-1583 ca), Fort Worth, Kimbell Art Museum.
La Samaritana al pozzo Pinacoteca di Brera

Julio Cesar´s

Júlio César Soares de Espíndola (Rio de Janeiro, 3set1979), é um futebolista brasileiro que atua como goleiro. Atualmente, joga pela Internazionale. Foi eleito pela FIFA, o terceiro melhor goleiro do mundo, ficando atrás apenas do Espanhol Casillas, do Real Madrid, e do Italiano Buffon, da Juventus. É casado desde 2002 com a atriz Susana Werner com quem tem dois filhos: Cauet e Giulia.


Caio Júlio César (em latim: Caius ou Gaius Iulius Caesar ou IMP•C•IVLIVS•CÆSAR•DIVVS; 13jul100 a.C. – 15mar44 a.C.), foi um patrício, líder militar e político romano. Desempenhou um papel crítico na transformação da República Romana no Império Romano. As suas conquistas na Gália estenderam o domínio romano até o oceano Atlântico: um feito de consequências dramáticas na história da Europa. No fim da vida, lutou numa guerra civil com a facção conservadora do senado romano, cujo líder era Pompeu. Depois da derrota dos optimates, tornou-se ditador (no conceito romano do termo) vitalício e iniciou uma série de reformas administrativas e econômicas em Roma. O seu assassinato nos idos de Março de 44 a.C. por um grupo de senadores travou o seu trabalho e abriu caminho a uma instabilidade política que viria a culminar no fim da República e início do Império Romano. Os feitos militares de César são conhecidos através do seu próprio punho e de relatos de autores como Suetónio e Plutarco.


Eu... Julio+Cesar de Almeida, nascido em São Paulo/Brasil, as margem do rio Ipiranga, mais informações... email: jcnavegador57@gmail.com
Apresento meus homônimos...
Júlio César de Almeida Braz

professor Julio Cesar Almeida, campeão mundial de Jiu-Jitsu 2007/2008

Capelão Julio César de Almeida

professor Júlio César Horta de Almeida

Julio Cesar Almeida Santos (Juninho)

Júlio Cesar Almeida Nunes

Julio Cezar Motta

Júlio Cezar

Júlio César

Julio Cesar Chavez Jr.

Júlio Cesar (goleiro do Sport Club Corinthias)


Júlio César de Mello e Souza(Rio de Janeiro, 6mai1895 — Recife, 18jun1974), mais conhecido pelo heterônimo de Malba Tahan, foi um escritor e matemático brasileiro. Através de seus romances foi um dos maiores divulgadores da matemática no Brasil. Ele é famoso no Brasil e no exterior por seus livros de recreação matemática e fábulas e lendas passadas no Oriente, muitas delas publicadas sob o heterônimo/pseudônimo de Malba Tahan. Seu livro mais conhecido, O Homem que Calculava, é uma coleção de problemas e curiosidades matemáticas apresentada sob a forma de narrativa das aventuras de um calculista persa à maneira dos contos de Mil e Uma Noites. Monteiro Lobato classificou-a como: "… obra que ficará a salvo das vassouradas do Tempo como a melhor expressão do binômio ‘ciência-imaginação.’" Júlio César, como professor de matemática, destacou-se por ser um acerbo crítico das estruturas ultrapassadas de ensino. "O professor de Matemática em geral é um sádico. — Denunciava ele. — Ele sente prazer em complicar tudo." Com concepções muito à frente de seu tempo, somente nos dias de hoje Júlio César começa a ter o reconhecimento de sua importância como educador. Em 2004 foi fundado em Queluz - terra onde o escritor passou sua infância — o Instituto Malba Tahan, com o objetivo de fomentar, resgatar e preservar a memória e o legado de Júlio César.


Julio Cesar Rojas Tello (n. Huarochiri, Peru, 11abr1880 - d. Lima, 03jun1947) foi um proeminente médico e arqueólogo Peru. É considerado o pai da arqueologia peruana. Ele descobriu a cultura Chavín e Paracas e dirigiu e criou o Museu de Arqueologia peruana.

Martina Loos

Martina é uma mulher alemã, que pintura em encáustica e outras fotos Techniks fantasia.

Um simpático Olá a todos os visitantes aqui na minha página Elfwood pouco! Hum o que posso escrever?.... Tenho 44 anos, e vivo com meu marido e filha Marina Oure e Emily em Frameworkhouse uma pequena aldeia na Alemanha. Eu pinto só para se divertir, gosto de ilustrações childrenbook! Eu pinto com a maioria dos tipos de mídias: warercolor, encáustica, pastell, lápis, e por um digital Tempo de Arte curto! mais as fotos aqui era pintar com encáustica, porque isso é o que mais me deixa fun.Its um Technik wunderfull e mesmo assim a sua surpresa quando a imagem é ready. Eu nunca sei direito para o início do que eu pintar eu começar e deixar o meu inspirationflow! Se você gosta de ver mais imagens você está convidado a visitar a minha página inicial! www.fantasy-encáustica-art.de

Estou no Deviantart também dragonflywatercolors.deviantart.com

Luis Royo

Nasceu em Olalla, Teruel em 1954 é um artista espanhol conhecido por suas pinturas sensuais e sombrias de mulheres e formas mecânicas de vida. Produziu diversas pinturas por conta própria, assim como capas de jogos eletrônicos, CDs, revistas etc.


Luis Royo um artista gotico cursou aulas de desenho, pintura e decoração em Saragoça e entre os anos de 1970 e 1979 trabalhou em um estúdio de design de decoração e interiores. A partir de 1972 se dedica a pintura e desde 1977 publica sus primeros quadrinhos em diversos fanzines. Dedicando-se integralemte a esse tipo de produção durante a década de 80.


Publicações
Tatoos
Women
Malefic
Secrets
III Millennium
Dreams
Prohibited Book I, II e III
Prohibited Sketchbook
Evolution
Conceptions I, II e III
Visions
Fantastic Art
The Labyrinth Tarot
Subversive Beauty
Wild Sketches I, II e III
Dark Labyrinth
Dome

William-Adolphe Bouguereau

William A. Bouguereau (La Rochelle, 30 de Novembro de 1825 — La Rochelle, 19 de Agosto de 1905) foi um pintor acadêmico francês. Tradicionalista, despretensioso e modesto, tornou-se um conceituado artista do século XIX e foi um membro de liderança do Instituto da França e presidente da Sociedade de Pintores, Escultores e Gravadores. A sua reputação como pintor de temas mitológicos não faz justiça ao pintor de ternas mães, crianças e jovens raparigas. A maior parte destas obras foram pintadas na sua terra natal, La Rochelle, no jardim do seu estúdio, em um estilo realista quase fotográfico que se tornou um sucesso entre os colecionadores de seu tempo, embora modernamente tenha sido relativamente esquecido pela celebridade dos impressionistas seus contemporâneos. En 1896, com 71 anos, desposou uma estudante de arte norte-americana, Elizabeth Gardner, cujas pinturas mostram claramente a forte influência do seu mestre.

William-Adolphe Bouguereau nasceu em uma família de comerciantes de vinho e óleo de oliva, e parecia destinado a seguir os passos de seus ancestrais se não fosse a intervenção de seu tio Eugène, que lhe apresentou a cultura clássica e bíblica e arranjou que ele fosse encaminhado a uma escola superior. Bouguereau desde cedo mostrou possuir um talento incomum, e um cliente de seu pai instou com ele para mandar o jovem aprender na École des Beaux-Arts de Bordeaux, onde recebeu o primeiro prêmio em pintura de figura por uma representação de São Roque. Para sobreviver desenhava rótulos para gêneros alimentícios.

Através de seu tio, que era um cura, recebeu uma encomenda para pintar retratos dos paroquianos, e com a renda dos trabalhos mais a ajuda de sua tia pôde se dirigir a Paris e freqüentar a École des Beaux-Arts parisiense. Para se aprimorar no desenho anatômico assistia a dissecções, e estudava história e arqueologia. François-Edouard Picot o recebeu como discípulo e com ele Bouguereau se aperfeiçoou no estilo acadêmico, que enfatizava a pintura histórica e mitológica, dominadas pelo artista a ponto de vencer a disputa para o Prêmio de Roma de 1850, com sua obra Zenóbia encontrada por pastores nas margens do Araxe.

Estabelecendo-se na Villa Medici de Roma, pôde estudar diretamente e com grande proveito os mestres do Renascimento, sentindo grande atração pelo trabalho de Rafael. Já seus primeiros críticos aplaudiam sua mestria no desenho, a feliz composição das figuras e a afortunada filiação a Rafael, de quem diziam que tampouco ele fora original, por ter aprendido tudo dos antigos. Feliz com esta apreciação compreensiva, e tendo sido bem sucedido no cumprimento de uma das cláusulas de sua pensão, que exigia uma cópia de Rafael, adotou o mesmo tipo clássico de composição em muitas obras de sua longa carreira.

Em 1856 casou-se com Marie-Nelly Monchablon, e com ela teve cinco filhos. Nesta década estabeleceu fortes laços com Paul Durand-Ruel e outros marchands. Os Salões recebiam em média 300 mil visitantes por ano, o que os constituía em importantíssima vitrine para exposição de novos talentos e um trampolim para sua inserção no mercado, e eram muito freqüentados por colecionadores. Suas obras tinham boa aceitação e logo sua fama se expandiu para a Inglaterra, possibilitando-lhe em 1860 adquirir uma grande casa com atelier em Montparnasse.

Bouguereau era um ferrenho tradicionalista, cujo estilo de grande verossimilhança trouxe nova vida tanto para temas clássicos pagãos como para os cristãos. Criou em suas pinturas um mundo utópico, cheio de ninfas, pastores e madonnas. Seus camponeses eram sempre representados impecavelmente limpos, belos e bem vestidos, numa idealização perfeitamente aceitável para boa parte do público e dos conhecedores. Entretanto, outros preferiam a honestidade de Jean-François Millet e seus camponeses mostrados mais de acordo com os fatos.

Seu método de trabalho estava de acordo com a temática e simbologia classicista que adotara, realizando inúmeros esboços preparatórios com tinta e estudos em desenho, numa construção minuciosa e laboriosa de todas as figuras e fundos. A impressionante suavidade de textura na descrição pictórica da pele humana e a delicadeza de formas e gestos que obtinha nas mãos, pés e faces eram especialmente admiradas. O mesmo com sua habilidade de se adaptar à decoração pré-existente das residências, igrejas e edifícios públicos para onde realizava obras complementares, recebendo por isso grande quantidade de encomendas. Sua fama crescia sem cessar, e logo recebeu as honras da Academia, tornando-se membro vitalício em 1876, e em 1885 foi condecorado Comandante da Legião de Honra. Sua carreira como professor começou em 1875 na Academia Julian, e usou de sua influência para abrir as portas de diversas instituições artísticas às mulheres, incluindo a Academia.

Perto do fim da vida expressou seu amor à arte: "A cada dia entro em meu estúdio cheio de alegria; à noite, quando a escuridão me obriga a deixá-lo, mal posso esperar pelo dia seguinte. Se eu não pudesse me devotar à minha amada pintura eu seria um pobre coitado". Com tamanha dedicação desenvolveu uma carreira extraordinariamente prolífica, deixando oitocentas e vinte e seis obras. Faleceu com oitenta anos, de um mal cardíaco. Quando vivo Bouguereau era considerado um dos maiores pintores do mundo pelos acadêmicos, com suas obras atingindo elevados preços, mas ao mesmo tempo era criticado pelos vanguardistas. Sua trajetória foi praticamente uma ascensão contínua, com poucos momentos negativos. Para muitos ele epitomizava a tradição, o bom gosto e o refinamento. Mas Degas e seus companheiros costumavam chamar ironicamente de Bougueresco estilos artificiosos semelhantes ao seu, mesmo que tenham reconhecido que ele deveria no futuro ser lembrado como o maior dos pintores franceses do século XIX. Esta asserção, contudo, foi interpretada por Fred Ross, diretor do Art Renewal Center, como também uma ironia e uma alusão ao possível gosto duvidoso dos pósteros. Os colecionadores norteamericanos o tinham como o melhor pintor francês de seu tempo, e era altamente aprecido também na Holanda e Espanha, mas depois de 1920 seu prestígio começou a declinar até desaparecer, em parte por sua firme oposição aos impressionistas. Ao longo de décadas seu nome sequer constou em enciclopédias de arte.

Sua reabilitação começou em 1974, quando timidamente foi montada uma exposição no New York Cultural Center, apenas a título de curiosidade histórica. Na década seguinte a Borghi Gallery expôs 23 pinturas e um desenho, e no mesmo ano sua produção recebeu uma grande mostra que itinerou pelo Petit Palais, em Paris, o Wadsworth Atheneum em Hartford, e encerrando no Museu de Belas Artes de Montreal, no Canadá. Hoje seus trabalhos estão expostos em grandes museus de várias partes do mundo. Sua posição na história da arte é apreciada modernamente de forma muito diversa do período em que sofreu descrédito por parte dos modernos. Fred Ross assim o declara:
"As ideologias modernistas adoram dizer que Bouguereau foi irrelevante para o seu tempo porque ele não era um dos impressionistas que estavam abrindo o caminho para o expressionismo abstrato. Nada poderia estar mais longe da verdade. Filho das revoluções francesa e americana como era, Bouguereau, junto com muitos outros artistas e escritores daquele momento, acreditaram nas inovações da filosofia iluministas: Democracia, Direitos dos homens, 'Liberté, Egalité, Fraternité'. Não só não é verdade que ele foi irrelevante, mas nada poderia ser mais relevante do que obras como esta (falando da tela 'Jovens ciganos'), que enobreciam e elevavam as pessoas comuns e os camponeses. E qual maneira melhor do que tomar a ralé da sociedade, os ciganos, e alçá-los até os céus? Eles são tanto belos como não têm beleza em demasia: 'reais' e 'ideais' ao mesmo tempo". Kara Ross completa:
"Bouguereau amava exaltar os pobres. (…) A dignidade das classes inferiores era um tema favorito para Bouguereau, que o abordou em muitos de seus trabalhos"

Link para arquivo de imagens do portfólio do artista em (.PPT):
http://www.4shared.com/file/sSTdIBqW/William_Adolphe_Bouguerau.html

Richard KERN e os demais artistas KERN

Nascido em 1954 em Roanike Rapids, Carolina do Norte, é um cineasta e fotógrafo de Nova Iorque.

Formado em Belas Artes na Universidade da Carolina do Norte, Chappel Hill, em 1977, Richard Kern atribui sua iniciação em fotografia e interesse por voyeurismo às influência de seu pai, um editor e fotógrafo de jornal sempre presente em locais de acidentes e agitações políticas, que lhe ensinara desde jovem como manipular uma câmera fotográfica e a utilizar a sala escura.

Começou a ser reconhecido no meio artístico com o sucesso do movimento cultural alternativo do bairro nova iorquino East Village, no início da década de 1980, no qual participou com filmes de curta-metragem experimentais altamente eróticos (muitas vezes com cenas de sexo explícito) estrelando personalidades do rock alternativo desta época, como Lydia Lunch e Henry Rollins.

Tomando a mesma abordagem estética e temática dos músicos com quem se relacionava, os artistas do chamado movimento no wave, seus primeiros trabalhos demonstram um profundo interesse nos extremos do sexo, violência e perversão, numa ótica às vezes sarcástica, às vezes alucinada. Kern é considerado um dos principais cineastaes do movimento cinematográfico Cinema da Transgressão. A partir da segunda metade da década de 1980 passou a dirigir esporadicamente vídeo-clipes de bandas de rock, como Marilyn Manson, The Breeders e Sonic Youth.

Seu filme You Killed Me First (1985) é considerado responsável pela primeira exposição da futuro ícone underground da Califórnia, Lung Leg, conhecida também por posar como modelo para a capa do aclamado disco EVOL, da banda Sonic Youth.

Na década de 1990, Kern dedicou-se quase que exclusivamente à fotografia, trabalhando com modelos femininos e abordando constantemente o fetichismo, o sadomasoquismo e o glamour, como no livro New York Girl, refletindo de certa forma os mesmos interesses de suas antigas obras cinematográficas. É por vezes considerado um dos pioneiros no estilo porn chic contemporâneo, ao lado de fotógrafos como Helmut Newton.

Filmografia
Lunchbox (1994)
Love Is… (1994)
Body Bomb (1993)
Divine Hammer (1993)
Room 429 (1993)
My Nightmare (1993)
Detachable Penis (1993)
The Sewing Circle (1992)
The Bitches (1992)
Horoscope (1991)
Catholic (1991)
Nazi (1991)
Tumble (1991)
Scooter and Jinx (também conhecido como Moneylove) (1991)
X is Y (1990)
The Evil Cameraman (1986,1990)
The King of Sex (1987)
Submit to Me Now (1987)
Pierce (1986)
Fingered (1986)
Death Valley '69 (1986)
You Killed Me First (1985)
Submlt to Me (1985)
Manhattan Love Suicides (1985)
The Right Side of My Brain (1984)
Goodbye 42nd Street (1983)

Link para arquivo digital (.PPT) para sua + ousada produção:
http://www.4shared.com/file/0p33QNDY/Richard_Kern.html Geof Kern - Fotografo Adele Kern - Soprano e Tim Kern - Tatuador Frank Kern - Escritor Hammerstein Kern - Maestro, Compositor, Músico e Terry Charlie Kern - Artista Plástico Hermann Kern - Pintura Leonard Kern - Escultor Lester Kern e Marga Grigera Ker - Pintoras Olga Kern - Jerome Kern e Kevin Kern, músicos. Coisas e Marcas KERN Area de atuação KERN Rio KERN espaços KERN Link de arquivo digital (PPT) para demais celebridades da imensa família KERN: http://www.4shared.com/file/8ZpblhqC/Famlia_KERN.html