Galeria Alegria

L. W. Howcool - Mensagens do Conselho dos 12, através de Selácia

2012-02-02T20:24:00.000-03:00

COMPREENDENDO O AGORA - 2012 – O ANO DO DRAGÃO

Viver agora é diferente de qualquer outro momento. Se vocês forem como a maior parte das pessoas, têm mais perguntas do que respostas, e se questionam sobre o que virá em seguida. A seguir estão cinco temas fundamentais associados a estar vivo durante 2012. Cada um se aplica a vocês pessoalmente, enquanto também se relaciona com a humanidade como um todo. Estes temas universais causam um impacto nas pessoas em todas as etapas do crescimento espiritual. O efeito pode ser experienciado consciente ou inconscientemente, dependendo de quanto a pessoa está desperta ao que está acontecendo. À medida que vocês consideram o que vem a seguir, convidem a sua sabedoria interior a lhes falar sobre o que é especialmente relevante para vocês agora. Meditem sobre isto. Tragam as idéias ao seu estado de s ono nos próximos dias, convidando uma sabedoria interior em sua vida e sobre os próximos passos ideais.

CINCO TEMAS PARA 2012
1 – TRANSFORMAÇÃO
Este é um momento de transformação radical da consciência humana, afetando pessoas em todo o planeta. A mudança em curso é tão grande que até a pessoa mais avançada terá desafios em permanecer calma e centrada. Se vocês se lembrarem regularmente disto, será mais fácil de lidar.
Vocês podem ser desafiados, mas não enfraquecerem. Sua voz interior os está ajudando a se tornarem mais conscientes de seu papel único na mudança, e enquanto isto ocorre, as suas prioridades mudam. Vocês sabem que devem tomar medidas para ver as mudanças que querem. Não são meros espectadores, reclamando do caos e comentando sobre como as coisas estão estranhas. Vocês sabem que estão vivos para fazer mais do que isto – assim o seu chamado é diferente. Isto significa que provavelmente vocês irão experienciar coisas diferentes – afinal, vocês estão na frente, assumindo a responsabilidade pelo que acontece em sua vida e no futuro do planeta.

2 – MUDANÇA
A Transformação significa mudança, e vocês terão muito disto. Isto incluirá as mudanças que vocês querem, mudanças que poderiam não querer, mudanças que vêem chegando e mudanças que os pegam de surpresa. Para viver agora é necessário que desenvolvam um novo relacionamento com a mudança. Naturalmente, vocês gostam do conforto de saber o que estará acontecendo em seguida e de estarem em território familiar. Ser hábil em viver agora, entretanto, significa que vocês devem trocar o seu colchão de conforto e descobrirem a coragem de montar no dragão da mudança. Afinal, vocês vivem em 2012 – o ano do dragão! É um ano com o potencial de novos inícios auspiciosos, reviravoltas dramáticas da tendência atual, e catalisadores impetuosos para a mudança em grande escala.

3 - O DESPERTAR
O Despertar da Humanidade em curso há décadas, está ganhando impulso e 2012 será um ano culminante, abrindo o caminho para um despertar ainda maior nos próximos anos. Algumas pessoas que vocês conhecem – não interessadas ainda em qualquer coisa espiritual ou metafísica – começarão a lhes fazer perguntas durante estes tempos. Eles lhes perguntarão por que a sua própria presença estará transmitindo as novas energias. Eles irão querer saber o que está acontecendo e como isto se relaciona com elas.

4 – TEMPO
O Tempo está começando a significar algo muito diferente para aqueles que vivem agora. Nenhuma geração anterior teve esta experiência. O que está acontecendo? Algumas das mudanças nas percepções do tempo se originam da aceleração do tempo. A mudança na percepção do tempo se refere também à consciência. A humanidade está se tornando cada vez mais consciente do seu próprio despertar e sabendo que o tempo é curto para descobrir a infinidade de dilemas. Portanto, a perspectiva do tempo está mudando. As pessoas estão colocando mais esforço em coisas que elas poderiam ter esperado de outra forma. Anteriormente, havia uma tendência em pensar que havia muito tempo para resolver os problemas e para re-configurar o impraticável. Agora há mais urgência. As pessoas, no seu âmago, têm o conhecimento de que elas devem mudar a fim de prosperarem e sobreviverem. Durante os próximos anos, os principais alinhamentos planetários irão contribuir para a intensidade das coisas – catalisando forças de revolução e de evolução de uma forma grandiosa. As energias serão um poderoso catalisador para as mudanças positivas em todos os aspectos da sociedade, inclu indo um retorno ao coração e a um modo de ser centrado no coração. Como parte do processo evolutivo, os humanos podem ser transformados em uma forma mais elevada que inclui o feminino divino e que mantém um equilíbrio entre o masculino e o feminino. A Humanidade então irá incorporar o remédio para a cura das guerras, da mesquinhez e da ganância na Terra.

5 – RELACIONAMENTOS
Os Relacionamentos sempre foram o vínculo e o catalisador para as suas mudanças, o seu crescimento e a sua prosperidade. Naturalmente, vocês aprenderam com eles, ainda que isto levasse um longo tempo – para compreender algumas lições. No entanto, agora os relacionamentos podem e realmente lhes ensinam de um modo acelerado. Cada um é uma oportunidade preciosa, ajudando- os a desenvolver mais o amor próprio e a entrar em seu verdadeiro poder de criar conscientemente a partir do amor. Realmente, os relacionamentos desta vida é a chave fundamental para a sua ascensão às frequências mais elevadas. O desafio durante 2012 é apreciar todo e cada relacionamento que vocês têm e cada lição que ele ensina. Trata-se de aprender a respeitar e a valorizar os seus relacionamentos. Vocês estão descobrindo como se relacionar com os outros sem medo, como ajudar de uma forma amorosa e como se conectarem com o seu mundo de uma forma mais ampla. A chave é recordar a ligação de todos os seres, e vir a partir desta perspectiva em vez de se concentrarem em como vocês são diferentes. Quando vocês fazem isto, acessam uma janela para experimentar mais as sincronicidades que afluem naturalmente das interações humanas.

O QUE VEM EM SEGUIDA
O que vocês estão aprendendo a fazer agora pode parecer uma tarefa monumental às vezes. Saibam, entretanto, que vocês estão codificados a um nível de DNA para estarem na vanguarda agora – aprendendo novas abordagens e recordando coisas de que tinham se esquecido. Dêem um passo de cada vez, assim como vocês tomam uma respiração de cada vez. Quando tiverem dúvidas, lembrem-se do seu papel de Criadores Divinos das Mudanças. Nem todos estão neste papel ainda, mas vocês estão. Não se preocupem com o fato de que onde outros estejam no caminho – concentrem-se em seus próprios passos. Como um Criador de Mudanças Divino, vocês estão dominando como viver no p resente, como expressarem apropriadamente o poder, e a se tornarem conscientes dos seus sentimentos, pensamentos e ações. Cada nova habilidade que vocês dominam se torna uma semente que é plantada para que outros sigam os seus passos. Enquanto vocês continuam a jornada da descoberta de sua natureza divina, nós os envolvemos com o nosso amor e bênçãos.

HONRANDO AS SUAS RAÍZES – CURANDO O SEU CONDICIONAMENTO CHAVES PARA FAZER AS PAZES COM O SEU PASSADO (15dez2011)
Você é um ser espiritual, o seu corpo é uma expressão do seu espírito aqui na Terra. Sua família lhe deu raízes, uma base física e o início para a sua vida. Para a maior parte das pessoas, os primeiros anos com a família envolveu muita disfunção. Afinal, a maioria dos zeladores não dominou o amor incondicional – eles transmitem os seus padrões disfuncionais para a próxima geração. Se o seu zelador foi um pai, mãe ou outra pessoa, você adquiriu a sua visão da vida. Você aprendeu a ver o mundo através de uma lente disfuncional. Quando você está mais velho, você pode culpar a sua família, ficar indignado com a forma com que foi tratado e as noções complicadas que aprendeu a ver como verdade. Como um Criador de Mudanças Divino, você sabe que culpar não é a solução. Você sabe que deve assumir a responsabilidade por sua própria vida. Você sabe que pode escolher um caminho diferente do que aquele que lhe foi mostrado. Você pode até estar consciente de que o seu condicionamento precoce pode ser curado ao abordá-lo a um nível do DNA. Como você faz as pazes com a sua vida – honrando as suas raízes, enquanto também se cura dos efeitos destas mesmas raízes? A seguir estão cinco dicas para fazer as pazes com o seu passado.

CINCO DICAS PARA FAZER A PAZ COM O SEU PASSADO
Temas – Peça a sua sabedoria interna que lhe mostre os principais temas problemáticos desde a infância que não foram ainda clarificados ao nível do DNA. Exemplos, poderiam ser: a timidez em público, a auto-sabotagem quando se sente ferido, ciúme ou a falta de limites. Como você sabe que uma questão permanece dentro do seu DNA é que esta questão surge hoje de uma forma problemática – causando-lhe angústia. A cura ocorre em camadas ao longo do tempo – para que seja concluída você deve tratar da raiz dela em seu DNA, incluindo os padrões ocultos em seu subconsciente.

Catalisadores – Escolha um tema problemático principal, como o ciúme, e investigue os catalisadores. Você quer ter um esclarecimento sobre quem ou o que desencadeia o seu ciúme. Exemplo de catalisador: você participa de uma reunião para celebrar um evento especial. Antes de ir, você se veste com a sua roupa favorita. Você se sente confiante, esperando com ansiedade estar com os outros, em um ambiente divertido. Quando chega ao evento, você perde esta confiança instantaneamente, sentindo que a maior parte dos que lá estão, parece melhor ou mais popular. O seu padrão de ciúme da infância veio à tona novamente.

Sistemas de Crenças – Peça ao seu cérebro direito intuitivo que lhe mostre a linha de pensamento com o padrão problemático. Isto lhe dará pistas sobre os sistemas de crenças codificados dentro de você, ao nível do DNA. Exemplos: “Todos recebem mais atenção do que eu”, ou “Há algo de errado comigo”, ou “Ninguém se importa comigo”. Crenças como estas podem vir de suas experiências da infância, ou elas podem vir de pontos de vista que você herdou dos antepassados. De qualquer maneira, se você tem sistemas de crenças como estes em seu DNA, você pode sentir ciúme ou outra emoção, sem saber por quê. Quando você descobre a linha de pensamento subjacente ao padrão, você pode abordá-la a um nível do DNA. Isto proporciona uma cura de transformação profunda envolvendo a origem de sua dor.

Honrando as Raízes – Durante o curso de uma vida humana, é normal ter sentimentos confusos sobre a sua família e as suas raízes. Está ligado ao seu DNA amar os seus zeladores e buscar os seus cuidados. Quando você é pequeno, não pode se alimentar e pouco sabe sobre o mundo fora de sua família. Você é como uma esponja, absorvendo experiências e sistemas de crenças dos seus zeladores. Você aprende o amor incondicional a partir dos seus zeladores, enquanto eles o educam da melhor maneira que sabem. Como um Criador de Mudanças Divino, você sabe que mudar estes padrões começa com você. Você quer deixar um legado diferente – você quer ter uma vida diferente, cheia de amor. Você reconhece que vem da mesma árvore da vida – você honra isto. Sabe que havia um propósito de ter nascido em sua família particular. Compreende que aprende com a sua família. Quando se torna íntegro, você descobre que você estima as pessoas de sua linhagem – você honra as suas raízes.

Obtendo a Perspectiva – Você é condicionado pelo seu passado, mas o seu passado não é você. A um nível essencial, sob o seu condicionamento, você é puro amor. Você é eterno. A partir de uma perspectiva humana, você está conectado com a Família Terrestre e ela é vasta. As pessoas que o criaram fazem também parte da família Terrestre. É comum ter inúmeras experiências com algumas das mesmas pessoas ao longo do tempo. Isto significa que a sua mãe nesta vida pode ter sido a sua irmã em outra vida. Um bom amigo em sua vida agora pode ter sido o seu irmão em outra existência. Há laços entre as pessoas, frequentemente se originando de experiências e lições compartilhadas. Quando vocês começam a compreender esta grande cena de conexão e de aprendizado, torna-se mais fácil perdoar e deixar ir. Torna-se mais fácil também, enfrentar a sua própria transformação interior – com amor e sem culpa. Você compartilha muito com os outros em sua jornada da vida, entretanto, o seu caminho espiritual é apenas seu. Você está no comando, determinando com que rapidez você avança. Você é, afinal, um Criador de Mudanças Divino.
Enquanto vocês continuam a jornada da descoberta de sua natureza divina, nós os envolvemos com o nosso amor e bênçãos.
Nós somos O Conselho dos 12.

Franz (Moritz Wilhelm) Marc - Pintor Germânico

2012-01-29T19:35:00.000-03:00

Nasceu em Munique, 8fev1880 - Gussainville, 4mar1916), pintor alemão, foi um dos mais influentes representantes do movimento expressionista na Alemanha.

Filho de Wilhelm Marc, um pintor profissional de paisagens e de Sophie Marc, uma estrita calvinista, descendente dos huguenotes que se estabeleceram na Alsácia, decidiu iniciar seus estudos na Academia de Belas Artes de Munique, em 1900, depois de passar pela filosofia e pela teologia. Suas primeiras criações foram paisagens, de estilo naturalista. Graças ao seu excelente domínio do francês, que lhe fora transmitido pela mãe, durante duas temporadas que passou em Paris (1903 e 1907), descobriu o impressionismo e sobretudo uma grande afinidade com a obra de Vincent Van Gogh.

Em 1910, fez amizade com os pintores August Macke, Gabriele Münter e Wassily Kandinsky. Com eles e outros pintores dissidentes do movimento Neue Künstlervereinigung, fundou o grupo Der Blaue Reiter ("O cavaleiro azul"), em 1911. Influenciado pelo uso da cor de Robert Delaunay, gradativamente sua obra se aproxima do futurismo e do cubismo e para a crescente abstração, até culminar na abstração expressiva. O tema é a força vital da natureza, o bem, a beleza e a verdade do animal, que o autor não vê no homem.

Marc sentia-se intimamente ligado aos animais e tentou representar o mundo tal como o animal o vê, mediante a simplificação formal e cromática das coisas. Usa cada cor para denotar um significado: azul para a austeridade masculina e o espiritual; amarelo para a alegria feminina; vermelho, para a violência. Na Primeira Guerra Mundial, Franz Marc apresentou-se como voluntário. Em 1916, em Gussainville, nas proximidades de Verdun, foi abatido por um obus, quando realizava missão de reconhecimento. Morreu aos 36 anos.

Este vídeo é uma homenagem ao artista expressionista Franz Marc, escolhi algumas das minhas pinturas animal favorito no período de 1910-1914 e eles aparecem na ordem que se segue... 1910 - Cavalo no país 1911 - The Bull 1911 - Blue Horse I 1911 - A Vaca Amarela 1911 - O Cavalo Azul Grande 1912 - Os pequenos cavalos Yellow 1911 - Blue-Black Fox 1912 - Red Deer II 1912 - Três animais (cão, gato e Fox) 1912 - veados na II Woods 1912 - O macaco pequeno 1912 - O Sonho 1912 - Dois gatos, azul e amarelo 1912 - Tiger 1913 - Foxes 1913 - Três gatos 1913 - Os Três Cavalos 1912 - Dogs Playing 1913 - Cavalo Amarelo longo 1913 - Os Lobos 1913 - Cavalo Sonhando 1914 - Animals In Paisagem (Pintura aka Com Bulls) 1913 - The Fate Of The Animals
A música "Mercy" é por Alanis Morissette e Salif Keita

Nicolas Roerich - Pintor Russo (vídeo: Anish Kapoor)

2012-01-29T19:08:00.000-03:00

1874 - 1947, teve um instrutor de pintura que o orientava também para uma compreensão profunda do universo. Certa vez esse instrutor lhe disse que, quando a vida colocasse uma flor em seu caminho, não deveria poupar nenhum esforço para auxiliar seu pleno desabrochar; do mesmo modo, quando a vida colocasse em seu caminho um ser, nenhum esforço deveria deixar de fazer para auxiliar a manifestação da luz interior daquele ser.

A essa inspiradora instrução é preciso unir a busca da percepção além do que é aparente. Há em geral três tipos de visão: a dos que se limitam às aparências, a dos que sabem ou intuem sobre uma realidade maior que transcende as aparências e a dos que conhecem essa realidade e se pautam por ela. O serviço evolutivo requer esforço no sentido de conhecer cada vez mais profundamente a existência e os seres. Ao tentar ver além das aparências descobre-se que o Eu Interior de muitos começa a esculpir-lhes na consciência e nos atos seus padrões de luz. Esses padrões precisam encontrar campo propício, confiança e alimento para transformar a conduta do ser, transformar sua vida, e essa transformação sempre se reflete no meio onde ele vive. Dessa maneira, mudanças em âmbitos mais amplos se realizam.

Os que aspiram a colaborar com essas transformações procurem ver em todos a possibilidade de renascimento, de superação de aspectos desarmoniosos, de elevação. Evitem emitir julgamentos, críticas ou comentários sobre os demais. Assim, com essa simples proposta, dão importante contribuição para que flores cubram de beleza e alegria os caminhos.

Prosseguir sem Medo
O medo está profundamente arraigado na consciência do homem. Encontra-se sedimentado nas próprias células que compõem o seu corpo físico, pelo conhecimento que elas têm da existência de uma vida imortal da qual não participam integralmente, já que os planos materiais estão sujeitos à decomposição, à desintegração e à ilusória morte. A cada instante ocupamos uma posição na roda da vida: ora em cima, ora embaixo, ora aqui, ora ali; recebemos elogios e críticas, atuamos de formas certas e erradas, somos vistos de vários modos e temos as mais variadas perspectivas. Mas com o tempo acabamos aprendendo, de tanto viver situações diversificadas, a estar neutros diante de qualquer circunstância e a nos respaldar em uma realidade mais profunda.

Assim, permanecendo nesse ponto de neutralidade, chegamos a descobrir como viver sem medo algum. Podemos então compreender a pressão que se ocultava atrás desse sentimento: ela nos move a uma maior responsabilidade e atenção para com as leis dos vários níveis da existência. Nos momentos em que o medo nos invade, vale imensamente uma mudança total de atitude e uma coligação firme com a Luz. À medida que cultivamos a aspiração a uma existência mais abrangente que não se deixa tocar pelos acontecimentos, à medida que reconhecemos em nosso interior um elo indestrutível com a Hierarquia, e à medida que nos vemos ser conduzidos ao destino para nós traçado desde o início dos tempos, nada de externo tem poder suficiente para nos abalar. Instala-se em nós um estado de total aceitação de tudo o que nos é dado viver, somos ajudados a nos liberar dos apegos que nos aprisionam e entramos na grande liberdade de ser o que somos em união com a fonte que nos alenta.
Texto de Trigueirinho extraído do jornal O Povo

"La musica ed i colori sono per la mente ciò che l'aria e la luce sono per il corpo"...(Platòn)

For Monumenta 2011 in Paris / France, internationally renowned artist Anish Kapoor has created a truly monumental work called Leviathan. Kapoor created a space within the space of the Grand Palais. "Visitors will be invited to walk inside the work, to immerse themselves in color, and it will, I hope, be a contemplative and poetic experience" (Anish Kapoor). Video by Christophe Ecoffet.

Lucas Cranach der Ältere, o Velho - Pintor Germânico

2012-01-29T18:47:00.000-03:00

Nasceu em 1472 em Kronach – Weimar 16out1553, pintor renascentista, autor também de gravuras e xilografias. Foi pintor da corte dos Eleitores da Saxônia durante a maior parte de sua carreira, e é mais conhecido por seus retratos, tanto de príncipes alemães como de líderes da Reforma Protestante, cuja causa abraçou com entusiasmo, tornando-se amigo próximo de Martinho Lutero.

As Três Graças - 1531

Pintou também assuntos religiosos, primeiro na tradição católica, depois buscando novas formas de transferir para a arte as referências religiosas luteranas. Durante toda sua carreira pintou nus baseados na mitologia e na religião. Tinha um grande estúdio e muitos trabalhos existem em diferentes versões; seu filho Lucas Cranach, o Jovem, e outros, continuaram a produzir versões do trabalho de seu pai por décadas após sua morte.

Nascido como Lucas Sonder ou Sünder em Kronach, Francônia superior, aprendeu a arte do desenho com seu pai, cujo nome não se conhece. Há algumas menções a certo "Hans Maler" (pintor) e esposa, Hübner, que morreu em 1491. Posteriormente adotou como sobrenome o nome de sua cidade natal. Provavelmente estudou com mestres locais do sul da Alemanha, como seu contemporâneo Matthias Grünewald, que trabalhou em Bamberg e Aschaffenburg. Bamberg é a capital da diocese onde fica Kronach. Cranach demonstrou seu talento como pintor no fim do século XV. Seu trabalho atraiu a atenção do Duque Frederico III, Eleitor da Saxônia, cognominado Frederico o Sábio, que o levou para sua corte em 1504. Nos arquivos de Wittenberg seu nome aparece pela primeira vez em 24jun1504, quando recebeu um salário pelo trabalho de meio ano como pictor ducalis. Cranach trabalharia para o eleitor e seus descendentes pelo resto da vida. Antes de ir para Wittenberg viveu em Gotha, onde nasceu sua esposa, Barbara Brengbier, que faleceria em 1540.

A primeira evidência do talento de Cranach como artista está em uma pintura de 1504. No início da carreira atuava em vários ramos da profissão: como pintor decorativo, mais frequentemente produzindo retratos e retábulos, xilografias, entalhes, e desenhando as moedas do eleitorado. O realismo de suas naturezas mortas nos afrescos dos palácios de Coburgo e Locha chocou os cortesãos. O duque o levava em suas caçadas, onde Cranach esboçava os animais e as cenas. Antes de 1508 seus retábulos na igreja do castelo de Wittenberg rivalizavam com os Albrecht Dürer e Hans Burgmair. Pintou retratos do duque e de seu irmão João em várias poses e publicou alguns de suas melhores xilogravuras. Em 1509 foi à Holanda e pintou o Imperador Maximiliano e o futuro Carlos V. Até 1508 assinava seus trabahos com suas iniciais; a partir desse ano passou a usar o emblema da serpente alada (kleinodo). Algum tempo depois o duque concedeu-lhe o monopólio da venda de remédios em Wittenberg, e o direito de imprimir, com privilégios como direitos autorais em Bíblias. Suas editoras foram usadas por Martinho Lutero. Sua farmácia funcionou por séculos, até ser destruída por um incêndio em 1871.

Lucas e sua equipe fizeram aproximadamente 5 mil obras, mas hoje resta apenas um quinto desta quantia. Alguns pesquisadores, no entanto, dizem que o número de trabalhos sobreviventes é bem maior.

David Hamilton

2012-01-17T01:53:00.000-03:00

David Hamilton (15abr1933) é um fotógrafo britânico famoso desde a década de 1970 por suas séries de fotos de mulheres adolescentes nuas ou seminuas. Dono de um estilo característico no qual geralmente predominam as cores suaves e a granulação, que acabou sendo chamado de hamiltoniano.

Livros
Dreams of a Young Girl (1971)
Sisters (1972)
La Danse (1972)
Souvenirs (1974)
The Best of David Hamilton (1976)
David Hamilton's Private Collection (1976)
Hamilton's Movie (1977)
The Young Girl (1978)
Tender Cousins (1981)
Twenty Five Years of an Artist (1993)
The Age of Innocence (1995)
A Place In The Sun (1996)
Holiday Snapshots (1999)
David Hamilton (2006)
Erotic Tales (2006)

Filmes
Bilitis (1977)
Laura, les ombres de l'été (1979)
Tendres cousines (1980)
A Summer in St. Tropez (Un été à Saint-Tropez) (1983)
Premier désirs (First Desires)(1984)

Arquivos de imagens em PPT:
http://www.4shared.com/file/oVFb0Thn/David_Hamilton.html
http://www.4shared.com/office/jz_NMvHj/David_Hamilton_-_fotografo.html

Dale Chihuly - Glass

2012-01-15T20:13:00.000-03:00

Nascido em 1941 em Tacoma, Washington, Dale Chihuly foi introduzido ao vidro, enquanto estudava design de interiores da Universidade de Washington. Depois de se formar em 1965, Chihuly inscritos no programa de vidro em primeiro lugar no país, na Universidade de Wisconsin. Ele continuou seus estudos na Rhode Island School of Design (RISD), onde mais tarde estabeleceu o programa de vidro e ensinou por mais de uma década.

Em 1968, depois de receber uma bolsa Fulbright, ele foi trabalhar na fábrica de vidro Venini em Veneza. Lá, ele observou a aproximação da equipe de sopro de vidro, que é fundamental para a maneira como ele funciona hoje. Em 1971, fundou Chihuly Pilchuck Escola de Vidro no Estado de Washington. Com este internacionais de vidro centro, Chihuly levou a vanguarda no desenvolvimento de vidro como uma arte. Seu trabalho está incluído em mais de 200 coleções de museus em todo o mundo. Ele tem sido o destinatário de muitos prêmios, incluindo dez doutorados honoris causa e duas bolsas do National Endowment for the Arts.

Chihuly criou mais de uma dúzia de séries bem conhecidas de obras, entre elas Cilindros e cestas na década de 1970; Seaforms , Macchia , venezianos e persas na década de 1980; Floats Niijima e Lustres na década de 1990, e Fiori nos anos 2000. Ele também é célebre por grandes instalações arquitetônicas. Em 1986, ele foi homenageado com uma exposição individual, Dale Chihuly objets de verre, no Mus ee des Arts D écoratifs, Palais du Louvre, em Paris. Em 1995, ele começou Chihuly Mais de Veneza, para o qual ele criou esculturas em fábricas de vidro na Finlândia, Irlanda e México, em seguida, instalou-os ao longo dos canais e praças de Veneza.

Em 1999, montou uma exposição Chihuly desafiador, Chihuly na Luz de Jerusalém, mais de 1 milhão de visitantes compareceram ao Museu Torre de David para ver suas instalações. Em 2001, o Museu Victoria e Albert em Londres curador da exposição Chihuly no V&A. Afinidade ao longo da vida Chihuly para estufas tornou-se uma série de exposições em ambientes botânicos. Seu ciclo de Jardim começou em 2001 no Parque Garfield Conservatory, em Chicago. Chihuly exibido no Royal Botanic Gardens, Kew, perto de Londres, em 2005. Outros locais de grande exposição incluem o de Young Museum, em San Francisco, em 2008, eo Museu de Belas Artes, Boston, em 2011.

A deslumbrante variedade de cores psicodélicas, vidro e cristal definida para Third Stone From The Hendrix dom Are You Experienced?
O teto Bellagio, Las Vegas.

vídeo Um lapso de tempo da montagem de um mundo Dale Chihuly de lustres de vidro famoso na HaTorah Aish World Center, em Jerusalém.

Arquivo de imagens em PPT:
http://www.4shared.com/office/qWstZv-m/Dale_Chihuly.html

Olhem fixamente e vejam o que acontece. NÃO É PARA DAR SUSTO NÃO.
Está de frente? Ou está de lado?

Fui à nutricionista e abri meu coração: estou gordo e preciso emagrecer...
Ela me disse: - Você é o que você come!
Fui para casa e fiquei pensando: eu como pizza, churrasco, sorvete, chocolate, doces, tomo cerveja e bebo caipirinha...
Conclusão: Caracas! Eu sou muito gostoso!

Roy Fox Lichtenstein

2011-11-09T10:14:00.000-03:00

Obra de Lichtenstein é vendida por US$ 43,2 milhões nos EUA. Quadro de 1961 é um dos primeiros do artista americano com a estética das histórias em quadrinhos.

A obra "I can see the whole room, and there's nobody in it!" ("Posso ver o quarto inteiro, e não há ninguém nele") foi vendida(8nov2011) por US$ 43,2 milhões (cerca de R$ 75,3 milhões) em um leilão na Christie's de Nova York.

"Trata-se de uma das primeiras pinturas nas quais o autor se apropria da estética das histórias em quadrinhos e marca o que conhecemos como pop art", disse à Agência Efe o responsável de arte de pós-guerra e contemporânea da casa de leilões, Koji Inoue.

Lichtenstein pintou o quadro em 1961 e nele retratou um homem que olha através de um buraco em uma parede e pronuncia a frase que dá nome à obra. "É um trabalho seminal e um contra-ataque ao que faziam na época os expressionistas abstratos", declarou Inoue. O preço da obra representa um recorde de venda para o artista, de acordo com a Christie's, que lembrou que este mesmo trabalho foi leiloado em 1988 e adquirido por US$ 2,09 milhões.

Outra obra de Lichtenstein, "Ohhh ... Alright ...", que retrata uma mulher nervosa falando por telefone, havia sido vendida em nov2010 por US$ 42,64 milhões. No mesmo leilão, uma das obras mais emblemáticas e conhecidas da pop art, "Four Campbell's Soup Cans Images" elaborada por Andy Warhol (1928-1987), foi adquirida por US$ 9,82 milhões.

Roy Fox Lichtenstein (Nova Iorque, 27out1923 — 29set1997) foi um pintor estado-unidense identificado com a Pop Art. Na sua obra, procurou valorizar os cliches das histórias em quadradinhos como forma de arte, colocando-se dentro de um movimento que tentou criticar a cultura de massa.

O seu interesse pelas histórias em quadradinhos (banda desenhada), como tema artístico, começou provavelmente com uma pintura do rato Mickey, que realizou em 1960 para os filhos. Nos seus quadros a óleo e tinta acrílica, ampliou as características da banda desenhada e dos anúncios comerciais, e reproduziu à mão, com fidelidade, os procedimentos gráficos. Empregou uma técnica pontilhista conhecida como Pontos Ben-Day para simular os pontos reticulados das histórias. Cores brilhantes, planas e limitadas, delineadas por um traço negro, contribuíam para o intenso impacto visual.

Com essas obras, o artista pretendia oferecer uma reflexão sobre a linguagem e as formas artísticas. Os seus quadros, desvinculados do contexto de uma história, aparecem como imagens frias, intelectuais, símbolos ambíguos do mundo moderno. O resultado é a combinação de arte comercial e abstração.

Muitas ilustrações de Lichtenstein eram copiadas de artistas de histórias em quadrinhos como Jack Kirby e Russ Heath sem lhes dar créditos.

Cara de Barcelona, Roy Lichtenstein, Paseo Colón, Barcelona

O Anthakarana nos conecta com a Música das Esferas - Márcio Sorge (vídeos: Tommy Flanagan e Masaru Emoto, Water the Secret)

2011-10-24T02:51:00.000-03:00

Dessa forma, um homem equilibrado, trabalhando entusiasmadamente na Morte do Eu, transformando suas impressões, alimentando sabiamente a Serpente dos Mágicos Poderes, despertando-a com os vapores divinais crísticos, pode conduzir-nos para nos converter em Notas Musicais Solares, em um Artista da Sagrada Música das Esferas: donde as ideias arquetípicas dão origem às Sagradas Causas da Existência de Todo o Vivente.

Por isso, há que se CAMBIAR A NOTA nas circunstâncias da Vida: Se por exemplo alguém envia para você algo desagradável, transforme essa situação em algo doce e suave. Se, por exemplo, alguém provoca em você repulsa, ira, protestos etc., receba-o com um gesto de doçura ou ternura. Se alguém não compreende sua postura, desative sua reação porque você não encontrará sua nota discordante, solta e baixa, senão uma nota superior, o olhará com doçura, com compreensão e tolerância. Há que cultivar também a Nota Superior, a nota musical do AMOR. Já nos foi dito que o Amor Transcende Tudo porque é uma Nota Superior, um sentimento superior.

Qualquer gesto que demonstre amor, ternura, perdão, compreensão, respeito, veracidade, cordura e, sobretudo, mística devoção pode semear uma nota distinta, um Câmbio de Nota Superior. Trabalhar com esta chave é também Morrer nos Defeitos, é tirar os alimentos do Ego Animal. Todos os dias, com entusiástica disciplina, sem descanso, como nunca antes o fizemos, a perseverança é o prêmio do Sábio.

Existem também notas musicais em nossos chacras, os quais são na realidade o que dão o Coro Angelical de nossas Igrejas Íntimas toda vez que estivermos trabalhando na Morte, no Novo Nascimento e no Sacrifício pela Humanidade. Livros de consulta do Mestre Samael: Didática do Autoconhecimento, O Colar de Buda e Mensagem de Natal 1965-66.

Reflexões sobre música e consciência
Por que a música eleva? Por que dizem que a música é divina? Não precisamos ser peritos para responder. Porque a música é sentimento, a música é emoção, é o veículo pelo qual acessamos nossos sentimentos mais íntimos e mais profundos. Sim! Então a música é uma ponte… Ah, é isso, uma ponte de comunicação.

Música é vibração, é frequência, e para aqueles que estudam a Lei Hermética das Vibrações sabem o poder que elas têm. Muitos já viram e assistiram vídeos de uma experiência do japonês Masaru Emoto com os cristais da água. Por si só essa experiência é suficiente para nos mostrar o poder que a música tem sobre a água. A água é um elemento naturalmente feminino, passivo, moldável a qualquer situação, ambiente ou vibração, a música é ação, movimento, construção… é também fogo e água fecundando o caos, o mesmo princípio do Alto se projetando embaixo no mundo dos homens. E só para refrescar nossa memória, lembremos que nosso corpo é composto de 80% de água, então veja o poder que a música tem e a responsabilidade que ela ocupa formando gerações e gerações de pessoas.

A música pode nos elevar ou afundar-nos tamanha é a sua sutileza e mexe com nossas emoções mais escondidas. Música aliada ao verbo entoado tem poder! Não esqueçam jamais isso. Poucos sabem que o verbo e o sexo estão intimamente ligados com a Criação. Deus entoa seu eterno verbo cósmico para fecundar nas águas da gênese ou as águas caóticas do Abismo o Cosmo e o Universo, o famoso coito cósmico de Shiva e Shakti, construindo planetas, sóis, estrelas, sistemas planetários e galáxias, o microcosmo inserido no macrocosmo e o macrocosmo inserido no microcosmo.

Que os nossos olhos possam ser abertos para vermos porque então a música, o sexo e o verbo são tão sagrados e estão todos interligados no despertar de nossas consciências. Um casal puro, unido pelo amor e pela música elevada juntamente com o trabalho alquímico e sexual imaculados, constroem sua ponte de ascensão e purificação, sua escada de Jacó, seu caminho de retorno ao seio do Pai.
Porém, quantos sabem usar a música, o verbo e o sexo para o bem? Quantos os utilizam com consciência?
Se tivermos consciência do poder da música, então podemos aliá-la à nossa elevação espiritual, se não tivermos consciência de que a música pode nos elevar e nos curar, então nos deixamos levar pelas massas que a compõem sem nenhum foco nem atenção, nos levando para um caminho de degeneração progressiva até ser alcançados pela entropia que a tudo devora. Não vamos aqui entrar nos méritos de cada estilo musical, músico ou compositor, sejam eles quais forem, cada qual é livre para fazer sua escolha, apenas aqui sinalizamos que existem escolhas e sintonias. Você vibra aquilo que você é, percebe?

Um excelente exercício que propomos aqui é estarmos atentos nas músicas que selecionamos e ouvimos no decorrer da vida ou nas fases de nossa vida, porque o ser humano vive fases, e quanto mais maduro vai se tornando, também sua percepção vai sendo transformada com as experiências que a idade, a vida e seu espírito lhes ensinaram. Um bom começo é ler sua letra com atenção e ver qual tipo de mensagem ela passa, por aí se tivermos um pouco que seja de consciência desperta já será suficiente para derrubar por “xeque-mate” 70% ou até mais em nossa seleção; outra dica é saber sentir a música e estar atento no tipo de emoção que ela vai nos despertar.

Existem as sensações mais baixas de mal-estar, rejeição, incômodos, angústias, até as mais sutis que mexem com nossos desejos mais refinados de sedução, uma mente sintonizada e atenta consegue destilar as sutilezas do ego, os venenos da mente, da pureza do som e do espírito.
Há três tipos básicos de mensagens que uma musica pode nos trazer.
1. O primeiro tipo de mensagem é aquela que nos eleva e nos sintoniza em esferas superiores de sentimentos e pensamentos. Canta o amor, a alegria, a paz. Valorizam o ser humano abrindo seus chacras, alinhando e sintonizando o corpo, a alma e o espírito, nos mostrando que somos muito mais que um simples corpo humanoide, ou matéria instintiva e biológica, somos o espírito divino habitando temporariamente a matéria. A música que eleva nos abre para o universo crístico, então aqui nos tornamos múltiplos e unos ao mesmo tempo; somos unidade, mas também somos pluralidade, ressoando no Cosmo como uma sinfonia, um único corpo multidimensional unido à luz do Cristo Cósmico. Tornamo-nos o corpo crístico em ação, ressoando de oitava em oitava, sincronizadas até a fonte criadora de onde tudo verteu e nasceu como uma fina chuva orvalhada e divina, manifestando-se através de Mitra, Metra ou Metraton, o arquiteto ponte e construtor entre o imanifestado universo Pai de todas as luzes com o manifestado universo filho onde existimos. O Cristo é a ponte entre esses dois universos e o mestre Jesus, sabendo a verdade revelada por seu Pai Interno, ensinou-a para seus discípulos, dizendo que só se chegaria ao Pai através do Filho, o Cristo Cósmico que é múltiplo e uno ao mesmo tempo. Aquelas poucas almas aqui na terra dos homens que compõem letras e músicas com esse foco e lucidez estão muito próximos à fonte, essa é a real função da música divina, esse é o verdadeiro poder da Música das Esferas, reconectar e auxiliar os seres no despertar de suas consciências adormecidas.

2. As músicas que em nossos dias passam é a do mundo, são as músicas compostas do mundo e para o mundo, sua função é nos condicionar e formatar como consumidores do sistema, nos prendendo em padrões de comportamentos e valores voltados aos interesses de uma época ou de um período ao qual vive ou viveu uma determinada sociedade, são os famosos hits dos anos 50, 60, 70, 80 e por aí vai. Normalmente estão voltadas a sentimentalismos que nos prendem, viciam e condicionam a seguir um estilo musical comercial, o “famoso chicletinho”, que gruda nas mentes dos mais desatentos e aí só mesmo por Deus para arrancá-lo lá de dentro. Conseguem enxergar o estrago que isso pode fazer no subconsciente das pessoas? Isso é total reprogramação e manipulação de massas, não só a música do mundo tem esse poder como também toda a mídia, ou veículo de comunicação, como rádios, jornais e tevês. Por que será que as mídias só informam sobre desgraças, terrorismos e violência? Será que fazem isso para condicionar-nos no medo, para que, assim, esqueçamos que o pensamento, o sentimento e o amor voltados para a paz e a harmonia reconstroem o mundo? Ou será que elas também estão perdidas e caídas no profundo sono da inconsciência coletiva?
Mas voltando para a música, não queremos levantar bandeiras de quais estilos são bons ou ruins, cada qual deve ser consciente o suficiente para fazer suas escolhas. Apenas temos aqui a responsabilidade de aclarar para que cada qual siga o caminho que escolheu.

3. O terceiro tipo de mensagem trabalha o lado oculto, negro e invertido, a música tenebrosa, que de forma consciente manipula a todos na inversão de seus valores, dando para as trevas uma falsa túnica de luz, aliciando as pessoas ao adultério, ao sexo promíscuo, à violência e ao fortalecimento dos egos humanos, desde as escalas mais densas e grotescas até as mais sutis e refinadas. Aí é que está o “x” da questão, então acabam também usando o sistema caído de comunicação em massa e das mídias para lançarem suas sementes, mas cada qual tem seu direito de expressão, muitas vezes falam de amor e de paz, porém, de forma totalmente consciente despertada no mal e para o mal, depois que a guarda se abriu introduzem o que quiserem no subconsciente das pessoas. Portanto, é necessário estar atentos, pois nem tudo que reluz é ouro. Música é tom, é cor, é sentimento, é fogo que imprime de forma sutil no subconsciente e na alma os mistérios do espírito.
Música é ponte, é ligação que ressoa tanto no mais alto como no mais baixo, ela pode vibrar nas esferas celestes ou ressoar nos infernos terrestres.
Qual o foco que você procura ao buscar uma música?
Nós somos aquilo que ressoamos, o externo é meramente um reflexo do nosso interno, mas se mudarmos nosso foco, assim também tudo ao nosso redor muda como mágica.
Então, por que não começar com as músicas que ouvimos?
Que possamos estar atentos a partir de agora e vigiar como sentinelas em tempos de guerra tudo que entra e sai através de nossos sentidos.
Auto-observação, Foco e Atenção! Perder-se no caminho é esquecer-se de si mesmo. Avante, Guerreiros!

A video for Tommy Flanagan... a great scottish actor!
Music by the Birthday Massacre

Musicossofia e astromúsica (vídeos: Ah Nee Mah) ANTAKÁRANA

2011-10-24T02:01:00.000-03:00

Os 12 signos do Zodíaco são as 12 notas da oitava musical:
Áries – Dó / Touro – Do# / Gêmeos – Ré / Câncer – Re# / Leão – Mi
Virgem – Fá / Libra – Fa# / Escorpião – Sol / Sagitário – Sol#
Capricórnio – Lá / Aquário – Lá# / Peixes – Si

Os graus dos signos (de 0 a 30) são microafinações. O grau 15º de cada signo corresponde à afinação temperada. Os planetas não avançam por saltos, senão progressivamente, pelo que se deve afinar suas vozes com exatidão. As oitavas que correspondem a cada planeta começam em Plutão, o mais lento e distante dos planetas conhecidos (a mais grave: situada na oitava 1ª do piano, e por ordem descendente segundo sua velocidade, até chegar à Lua, o corpo mais rápido e próximo (a mais aguda: 5ª, 6ª e inclusive 7ª oitava, segundo alguns postulados).

O Meio do Céu é o volume mais alto e o Fundo do Céu o mais baixo. (O ascendente e o descendente são os volumes médios.)O quadrante oriental é o estéreo esquerdo; o ocidental o direito. Assim, o Fundo do Céu é o Sul (Som de estéreo espacial quadrifônico.)Cada signo emprega um timbre adaptado a suas características energéticas: Por exemplo:
Áries é impetuoso e marcial (trombetas, címbalos e contrabaixos).
Escorpião é misterioso e tétrico (sons abissais).
Libra é doce e comedido (sonos de flautas, harpas e suaves violinos).
A partitura começa pelo ascendente, como um relógio, porém em sentido inverso, e termina de novo nele… Cada grau do círculo é uma parte do compasso de 5/4. Cada cinco graus é um compasso, pelo que o número de compassos de cada círculo (volta da Carta) é 72. Setenta e dois (72) compassos completam o círculo. O tempo é larghetto. Cinco segundos por compasso. Portanto, cada volta são 360 segundos.

O Tempo é Ouro
Os acordes que interpretam os planetas surgem de suas relações trigonométricas ou aspectais com os demais, variando suas formas segundo sejam baseados em quadraturas, trígonos, sextis… etc.; guardando total paralelismo con os acordes da música ortodoxa: acordes mayores, menores, diminuídos, ampliados, sextas, séptimas…

A Música é alimento do espírito, pois é um insubstituível veículo para o contato da Alma com a Essência da abstração vibrante, a pulsação da vida, o ritmo da divindade do Cosmo, que existe e nos dá o Ser. Sem embargo, ouvir a tradução sonora das posições planetárias de nosso nascimento é compreender na sublime linguagem da Música muito mais acerca das energias do plano astral e suas contradições, dissonâncias, magníficos e tremendos acordes que levamos dentro sem sabê-lo.

Tudo na Natureza é Yin e Yang; as forças planetárias não poderiam ser menos: pois, segundo sejam nossas cartas natais (externo) e livros do destino (interno), poderemos encontrar, junto a vibraçõess elevadas, acordes tenebrosos; junto a flores, canhões (por exemplo, isto seria Vênus oposto a Marte, Libra oposto a Áries, ou a Essência oposta ao Ego); porém sempre com uma sutilidade tão mística e própria de nosso Ser Interno, que superará qualquer discurso.

As dimensões planetárias e suas gigantescas forças, que mantêm tais bestiais massas flutuando em seus giros de perfeição admirável, estão contidas na Astromúsica, sendo elas a chave de sua Magia Sonora. Parece mentira que tantos milhões de toneladas possam dançar no vazio, como se não fosse nada. Este é o mistério da Astromúsica.

A Astromúsica é terapia de autodescobrimento, pois os acordes planetários de nossa carta astral nos revelam nossas íntimas energias; servindo de complemento a interpretações astrológica e psicológica.
O relaxamento e a meditação estão servidos, pois os sons astromusicais são pausados espaciais.

Recomenda-se a audição de músicas clássicas ligadas ao signo do ouvinte com fones de ouvido corretamente colocados em estéreo (direita-esquerda nos ouvidos corretos), comodamente sentados ou deitados na direção leste ou norte (Meio do Céu).

Há notas musicais de diversos tipos dentro de cada um de nós:
a. A nota particular de nossa vida cotidiana, resultado de nossos alimentos, do ar e das impressões.
b. A nota particular para partir deste para o mundo dos mortos ao sermos desencarnados.
c. As 7 notas musicais de nossos 7 chacras, as 7 igrejas, a que ressoa em nossa coluna vertebral, com a transmutação sexual completa e definida.
d. A nota musical psicológica que reflete nosso estado interior de acordo com o trabalho que estamos deenvolvendo na morte do Ego, e que observamos na Escada Maravilhosa do Nível de Ser.
e. A nota fundamental de nosso Ser Interior Profundo, que é a “Síntese Musical” de todas as notas das diversas Partes do Ser.

Em certa ocasião, um irmão góstico nos instruía dizendo-nos que cada um tem uma nota musical que lhe é característica e particular. E que dependia do estado psicológico e, por consequência de seu Nível de Ser a manifestação desta nota em cada um de nós, para saber realmente como se encontra nossa situação interna ou interior. Essa pequena introdução nos serve para também afirmar que podemos mudar a nota. Uma nota Dó caracteriza as pessoas identificadas com tudo o que as rodeia, com o cotidiano, com tudo o que lhe provoque reação. E quanto mais reações nos provoque algo ou nos mova, é porque em nosso interior, no fundo mesmo onde nem nós mesmos nos imaginamos, há uma besta furibunda, um Ego ao qual há que quitar-lhe sua força e deixar de dar o alimento que lhe goste: Sair pela tangente sem mais nem menos, como faz o homem cem por cento instintivo.

À medida que avançam na escala musical (…Ré, Mi, Fá, Sol, Lá e Si), as pessoas vão sendo diferenciadas com um tom menos grave ou mais agudo, com uma beleza peculiar, fazendo também com que subam os bemóis e os sustenidos etc.

Muitos de nós também ignoramos que na hora da morte há uma nota musical característica que ao tocá-la os Anjos da Morte podem nos desencarnar, portanto, é nesse momento que se corta nosso Antakárana ou Cordão de Prata. Cada mulher e cada homem são uma estrela, e também são uma harmonia de notas, as quais serão gratas ou não, na medida em que tivermos feito grandes mudanças e notáveis progressos. As notas musicais também se encontram em nosso APARATO DIGESTIVO, o qual vai processando o ar, a comida e as impressões quando nos relacionamos com os demais em nosso diário viver. Nos processos do sistema digestivo, o alimento vai formando os Hidrogênios Psíquicos. À medida que o Hidrogênio vai se tornando de melhor qualidade com a Transformação das Impressões e os Choques Conscientes da nossa energia sexual transmutada, os hidrogênios vão passando para uma oitava superior e se transmutando em Hidrogênio Si-12, o qual é o “alimento predileto” da Devota Devi Kundalini, a serpente ígnea de nossos mágicos poderes. Ela, a Cobra Sagrada, nos permite tocar com destreza a Lira de nossa coluna vertebral.

Musicossofia – Visão gnóstica da música

2011-10-24T01:20:00.000-03:00

A música é a primeira manifestação de Deus para os seres vivos, também para os homens.

Imagens em: Steiermark - Trofaiach
É por isso que no livro de João está escrito que “no princípio era o Verbo, e o Verbo estava com Deus, e o Verbo era Deus”. A música (o som, o verbo) é tida como primeira manifestação de Deus para a criação de tudo, das infinitas galáxias, da natureza e dos homens, porque ela vem do que é chamado de Plano Causal, ou Plano das Causas Naturais. Essa região do Cosmos está logo acima dos quatro corpos de pecado do homem, corpo mental, astral, etérico e físico.

Antes de raiar o dia no Universo, cantaram os Deuses e demônios… O sopro de Deus criou o homem, este maravilhoso instrumento que ressoa toda a criação…
A música é tão importante que está presente em todas as Teogonias, em toda Cosmogonia de todas as religiões da Terra. Os hindus qualificaram que a Música do Universo redime toda a dor, e, aquele que a conhece, experimenta a felicidades sem limites. Os antigos gregos postularam que o som dos planetas ao redor do Sol produzia a Música das Esferas…

Por ser a música a energia externa mais sutil e estimulante para o trabalho interno é que é entregue para a humanidade a seguinte prática ou exercício esotérico na meditação profunda, escutar com atenção máxima uma obra de música clássica dos Grandes Compositores Iluminados, tais como Bach, Mozart, Beethoven, Wagner etc. Essa técnica da meditação musical é hoje em dia chamada de Musicossofia. O passo seguinte é observar a materialização do som em nossa tela mental, ou seja, verificar as imagens que a música nos passa; porque a cor no plano astral é a materialização do som que vem do mundo causal.

Nota: Algumas músicas não se traduzem em imagens. Nesse caso, auxilia o desenvolvimento de um chacra em particular. Para ajudar nesse exercício é conveniente que se faça a mantralização da vogal E (Eeeee….), ou ainda o mantra EN (Eeeennnnn….), também pode ser usado o mantra EUE (Eeeeeuuuueeee). Esse pequeno exercício irá ajudar na capacidade de compreensão da linguagem musical, da Língua de Ouro falada pelos Anjos.

Pois ééééééeeee... estive em Steiermark em mai1971.
Recordamos que a Clariaudiência desenvolvida com este exercício é a faculdade do Verbo, do Saber Calar, de ouvir mais do que escutar etc. Para ilustrar isto que foi colocado, eis o significado esotérico de algumas composições dos Iluminados da Música:

EDWARD GRIEG - Piano Concerto in A minor, Op 16
Essa música é um julgamento do Tribunal de Anúbis. É a representação de uma Essência sendo julgada depois de perder o seu corpo físico.

WOLFGANG AMADEUS MOZART - Missa da Coroação
Uma das hipóteses para seu nome é que teria sido feita em honra à coroação do Imperador Leopoldo II. Alguns afirmam que foi composta para os Rituais de Iniciação de Neófitos maçons no Grau de Aprendiz. Esotericamente, é o Ser atribuindo certas responsabilidades para sua Essência.

LUDWIG VAN BEETHOVEN
A Quinta Sinfonia auxilia nos processos da auto-observação estimulando este sentido da visão espacial. A Terceira Sinfonia, que é conhecida como Heróica, dá ânimo aos casais em dificuldades. Verdadeira exortação à arte do saber amar. Se buscam a PERFEIÇÃO, ouça a 9ªSinfonia e façam sexo Tantrico.

RICHARD WAGNER - A Cavalgada das Walkírias
Nesta música, um a um os espermatozoides vão subindo pela coluna vertebral, tal qual um exército do Ser a serviço da Divina Mãe.

TCHAIKOVSKY, PIOTR ILYITCH - Concerto para piano nº 1 em si bemol menor Op. 23
Maravilhosa celebração à amizade. Muito propícia para alegrar e fortalecer laços de amizade. Todo aquele que tiver oportunidade de ver um espetáculo de música clássica, deve fazê-lo. Se em sua cidade existe uma Orquestra Sinfônica, vá escutar a Harmonia do Universo captada pelos Grandes Iluminados da Música. Dar essa chance ao Ser Interno é dever daquele que anda ou pretende andar pelo Caminho Esotérico e facilita o êxtase ou Samadhi.

Formas astrais das músicas

2011-10-24T00:38:00.000-03:00

Temos insistido que todo tipo de música influencia tanto nosso universo interior (mundo psíquico) quanto o meio ambiente. Essa influência ocorre não somente no mundo físico, mas especialmente nas dimensões etérica, astral, mental e causal.

O grande clarividente da Sociedade Teosófica Geoffrey Hodson escreveu uma obra maravilhosa intitulada Music Forms, onde são mostradas as formas de pensamento originadas no momento em que uma determinada composição é tocada. Seja no campo, seja na igreja, essas formas astrais musicais penetram nas pessoas que as ouvem, como numa espécie de “banho de sons e cores”.

Essas energias penetram primeiramente pelos vórtices energéticos (são milhares deles em nossos organismos psíquicos), os famosos chacras, penetrando por todo o sistema nervoso, nos órgãos, até chegar à grande caixa de ressonância chamada sistema ósseo, e daí se irradiando de volta para o meio ambiente por meio de nosso “campo áurico”.

Abaixo, apresentamos algumas pesquisas do senhor Hodson.
Sugerimos que enquanto ouve a composição musical, medite na imagem. Sinta-a interagindo com a música que você escuta e que tanto a imagem quanto a música penetram em sua aura, dando-lhe todos os benefícios psicofísicos.

Greensleeves – Melodia Tradicional

Londonderry Air – Música Irlandesa Tradicional

Marcha do Príncipe da Dinamarca

Concerto Trompete Número 1 – Haydn

Suíte Vain – Brahms

Abertura de Coriolano – Beethoven

Requiem de Pie Jesus – Faure

ACoorrdaa beeebbbeee, já que estamos falando de formas astrais...

As 12 Tarefas de Beethoven

2011-10-24T00:03:00.000-03:00

No livro As Três Montanhas, Samael Aun Weor escreve sobre o contato que teve com Beethoven, nas Dimensões Superiores da Natureza, mais precisamente no Mundo Causal, ou sexta dimensão: No mundo das causas naturais compreendi a necessidade de aprender a obedecer ao Pai, assim na terra como nos céus.

Ingressar no Templo da Música das Esferas, nessa região cósmica, certamente foi uma das minhas maiores ditas. No umbral desse templo, o guardião me ensinou uma das saudações secretas da Fraternidade Oculta. O rosto daquele guardião parecia um relâmpago. Quando esse homem viveu no mundo, chamou-se Beethoven.

No mundo causal encontrei muitos bodhisatvas trabalhando intensamente pela humanidade. Esses homens causais desenvolvem-se maravilhosamente, cada um sob a direção de seu Deus Interno. Só o homem causal conseguiu definitivamente a imortalidade. Essa classe de seres está além do bem e do mal. O Mestre Samael também comenta sobre esse grande mestre:
Ludwig van Beethoven, cujo rosto é um relâmpago, é ninguém menos que o Guardião do Templo da Música. Suas nove Sinfonias estão em íntima relação com as Esferas da Árvore da Vida da cabala hebraica.

A 3ª Sinfonia, a Heróica, está totalmente matizada com a influência de Binah, a terceira Séfira ou Esfera, que corresponde à Divina Mãe, ou às forças do Espírito Santo, o processo do nascimento e da morte. É mais evidente em seu segundo movimento lento, escrito em forma de marcha fúnebre, que expressa a missão do dar e do tirar a vida pela ação dos Anjos da Morte, chamados Pascoais, ou pascuala, em algumas regiões da América Latina.

Manchester University Music Society's Chamber Orchestra perform Beethoven's fourth Symphony in the Cosmo Rodewald Concert Hall on 23Out2009.
Na 4ª Sinfonia se adverte o uso dos timbales, que ativam os impulsos do Íntimo no coração, Chesed, o Júpiter Interno.

Rush Remix, Dubstep Mix, infuenced by Benga, Caspa and Rusko, Widdler, Moose, Betz. Created using Sonar 6
A Força do Rigor, o Geburah, a quinta Esfera da Cabala, foi expressa por Beethoven em sua 5ª Sinfonia, o Destino batendo à nossa porta.

Tipheret, a Beleza… quem não vivenciou na maravilhosa 6ª Sinfonia dedicada à Natureza… quem escutar a 6ª Sinfonia com verdadeira atenção terá harmonizado as combinações mais sutis de sua própria Natureza. É de uma grande ajuda para transformar nossa mentalidade lunar em uma mentalidade solar.

A setima de Beethoven utilizada como trilha sonora no filme The Fall.

A apoteose da dança, como disse Wagner da 7ª Sinfonia, unifica nossa compreensão acerca da Esfera de Netzach, ou a Esfera de Vênus, a Deusa do Amor.

A 8ª Sinfonia expressa a Hod, a Esfera da Alta Magia e os processos da mente.

Esta é a Musa inspiradora de Beethoven, que aparece neste filme, que tem este nome. As imagens pretendem demonstrar graficamente os pensamentos de Beethhoven ao compor esta que é uma das mais belas e importantes sinfonias da história da humanidade.
A 9ª Sinfonia, chamada A Coral por suas partes de coros, canta a Ode à Alegria do grande poeta alemão Schiller, exalta os logros que se colhem na Nona Esfera ou o Yesod da Cabala. Não é coisa de expressar com palavras, senão de escutar com o coração e com uma mentalidade solar unificada.

E para complementar essas informações entregues pelo VM Samael Aun Weor, transcrevemos um trecho do livro Biomúsica, de Fernando Salazar Bañol, que explica sinteticamente a influência das sinfonias beethovianas em nossas estruturas psicológicas.

As 9 Sinfonias de Beethoven e seu Equivalente Psicológico
Ludwig van Beethoven, célebre compositor de música erudita, por seu talento extraordinário foi elevado a um dos expoentes máximos dessa arte. Nasceu em 17dez1770 e morreu em 26mar1827. No esoterismo crístico-gnóstico, sabemos que esse grande ser é considerado como um grande Hierarca das regiões musicais celestiais (Esfera de Vênus, Mundo Causal).
Cada uma de suas sinfonias foi idealizada para agir nas estruturas psicológicas mais íntimas do ser humano, enaltecendo os valores intrínsecos superlativos do homem.
1ªSinfonia - É a da “Gênese Psicológica”. Deve ser escutada para motivar-nos em tudo o que queremos iniciar.
2ªSinfonia - É a da “Revolução Psicológica”.
Um complexo monstruoso, um horrível dragão ferido contorcendo-se, que se nega e expirar e, ainda que sangrando no final, segue revolvendo-se e dando golpes com a cauda para todos os lados. (Resenha publicada em maio de 1804, por Zeitung Für Die Elegante Wait, de Viena.)
3ªSinfonia - É a da “Busca do Equilíbrio”. Deve ser ouvida para motivar-nos a sair dos estados de nervosismo excessivo, desânimo, descontrole, ansiedade, pessimismo.
4ªSinfonia - É a “Sinfonia do Amor”. Motiva a sair dos estados de irritação, egoísmo, vingança e ódio.
5ªSinfonia - É a do “Destino do Homem”. Estimula a traçar as estruturas do que queremos ser na vida, ou seja, a criar nosso destino.
6ªSinfonia - É a da “Heurística”. Motiva-nos a toda ação criadora, a todo movimento que tenda a solucionar problemas.
7ªSinfonia - A da “Exploração do Subconsciente”. Para motivar a nossa autoanálise, nosso estudo axiológico.
8ªSinfonia - É a da “Emancipação Psicológica”. Se deve escutá-la para motivar-nos à mudança, à transformação, à transvalorização.
9ª Sinfonia - É a da “Sublimação”. Para motivar-nos a escalar os degraus dos sentimentos místicos, de espiritualidade, de devoção.

A 10ª Sinfonia de Beethoven. O direito de o público conhecer o que poderia ter sido uma obra de um grande compositor foi o principal argumento do musicólogo inglês Barry Cooper para defender o trabalho de reconstrução de um trecho da 10ª Sinfonia de Beethoven. Cooper explicou o processo de pesquisa que o levou a terminar o primeiro movimento da obra a partir de anotações originais do compositor em uma mesa redonda dentro da programação de cursos de verão da Universidade Complutense de Madri, na cidade de San Lorenzo del Escorial (a 50 quilômetros da capital). A principal discussão do evento foi a validade do trabalho de finalização de uma obra inacabada do gênio Ludwig van Beethoven. Cooper, pesquisador e professor da Universidade de Aberdeen (Inglaterra) identificou pela primeira vez as anotações correspondentes ao que poderia ter sido o 1º Movimento da 10ª Sinfonia de Beethoven.

Levantamos então uma questão: se Beethoven tivesse vivido mais alguns anos, teríamos recebido de presente não 10, mas talvez 12 Sinfonias?
Explicando assim os 12 Trabalhos de Hércules numa linguagem musical?

Imagens: MARCIO CASSONI, em busca do segundo sol

Photo CONTEST 2011 - National Geographic (vídeos: Yusef Lateef)

2011-10-13T21:31:00.000-03:00

Como líder em captura de nosso mundo através de imagens brilhantes, National Geographic define o padrão de excelência fotográfica. No ano passado, recebemos mais de 16.000 entradas concurso apresentado por fotógrafos de 130 países. Bem, é essa época do ano outra vez, envie-nos as suas fotografias vencedoras em qualquer uma dessas três categorias: pessoas, lugares e natureza. Envie imagens que refletem com precisão o momento capturado no tempo. Em outras palavras, mantê-lo real.

Julgados na criatividade e qualidade fotográfica, um vencedor do primeiro lugar será selecionado em cada categoria por um painel de especialistas. A partir dos três vencedores de cada categoria, o vencedor do grande prêmio será selecionado. Juizes deste ano concurso são da revista National Geographic fotógrafos Tim Laman, Amy Toensing, e Peter Essick.

O vencedor do Grande Prêmio receberá US$ 10.000 e uma viagem para a sede da National Geographic em Washington, DC, para participar do Seminário Anual de Fotografia National Geographic, em janeiro de 2012: Uma experiência por trás das cenas como nenhum outro. Voltar semanalmente para ver nossos editores favoritos. Quero ser seu próprio juiz? Ver todas as fotos entraram, escolha seus favoritos própria, depois compartilhá-las com a família e amigos.

Para participar deste concurso basta entrar no endereço:
http://ngm.nationalgeographic.com
Cadastrar-se.... e PAGAR R$ 15,00 para cada foto enviada...

Estas imagens foram captadas na cidade de Valença no Rio de Janeiro no período de setembro / outubro de 2011 pela colega Mirabet. Para nosso desfrute aqui na Galeria Alegria.

Tokyo 1963. Trouble In Mind de The Cannonball Adderley Sextet
Este número foi um recurso para Yusef Lateef no oboé, com solos adicionais por Joe Zawinul - piano, e uma rara oportunidade de ver o baixista Sam Jones esticando. Louis Hayes está na bateria. E embora não jogar neste clipe, o sexteto também, obviamente, inclui Cannonball Adderley no sax alto com o irmão de Nat Adderley na corneta.

Revisão por Michael G. Nastos: música Yusef Lateef desde o início dos anos 70 doses grandes comandos de ambos os recurso e ceticismo. Numa altura em que funk e fusion foram fundindo-se com o humor intensamente volátil e desconfiados nos EUA, a marca Lateef de alma Detroit ganhou novos fãs, e afastou-se aqueles que preferem o seu jazz bop anteriormente rígido ou inovações música do mundo. Assim, O Gentle Giant é um título apropriado, como flauta de Lateef levitational paire sobre o rhythm & blues batidas central para a equação. Fender Rhodes Kenny Barron piano elétrico também é um sinal dos tempos, um ponto de entrada apresentando-o à cena do jazz contemporâneo, e nesse ponto só é historicamente relevante. O Brew Bitches pós, pré-Weather Report / Headhunters período de tempo deve ser considerado, e como essa música colocar Lateef em muitos aspectos, para a vanguarda do movimento. Enquanto vezes inconsistentes e em desigual, há mais de elogiar do que maldita nos sulcos e musicalidade única que ele oferece com este pequeno conjunto de jogadores concentrados e singular de espírito. Ao mesmo tempo divertida e cool, Barron "Nubian Lady" dá o tom fora do portão, a melodia totalmente trumping Memphis Herbie Mann Subterrâneo / Push estilo Push. O de som semelhante "Plum Jungle" é mais dançante, mais simples e menos atraente. Enquanto "Canção africana" é também nesse sentido, é menos sobre o continente no título, uma vez que é um reflexo da época, e um mais lento número. Talvez título que real eo trenó sino-driven "Abaixo de Bell Amarelo" poderia ter sido revertido, pois é mais Afrocentric, com o contraponto vocal sem palavras Lateef é mais perto de sons da savana ao longo de um ritmo barroco e blues. "Hey Jude", sob produzidos até o ponto de inaudibilidade no início (a advertência dada é "não ajustar o nível de reprodução no seu equipamento de áudio, reajuste sua mente"), bustos-se no "na na" incessantemente repetido refrão com as Sweet Inspirations fazendo as honras. As outras faixas estava baixa, como Lateef e Al flautas "Tootie" Heath e cello Kermit Moore entrar em late-night modo para "Lowland Lullabye", "O Pescador Pobres" explora o interesse do líder em sons asiáticos com chamada e resposta, e " Queen of the Night "é um shortie de dois minutos com a guitarra modulada Eric Gale misturar metros de 04/04 e 04/03 de uma forma um pouco macabro. Esta gravação foi produzida no meio da fase de Lateef do cruzamento comercial que começou com o rótulo de Detroit Yusef Lateef questão Atlantic em 1969 e terminou em 1977 com o lançamento Autophysiopsychic CTI. Embora essas faixas são lembretes potente de como o jazz era deliberadamente sendo manipulado pelas gravadoras - Creed Taylor em particular - este álbum é uma prova clara de quão grande músico Yusef Lateef estava, mas não no contexto de sua melhor música.

Músicas Devocionais

2011-10-13T20:56:00.000-03:00

A música é uma maneira de falar com Deus, e a que mais toca o coração. Porque a música pode ativar o Deus que há em você, e fazer você se conectar com o Deus que há no outro. Tudo isso sem a barreira da língua. Por isso selecionei algumas músicas de diversos países que representam essa mágica devocional. Recomendo dar o play e só depois de ir ouvindo a música ler o texto que acompanha.

Alemanha/Inglaterra
Georg Friedrich Händel - Aleluia (Da ópera "O Messias")

Alemão naturalizado inglês, Handel compôs numa letra inglesa a mais icônica melodia de louvor de todos os tempos. Aparece em novelas, programas de humor e até mesmo videogames (Toe Jam & Earl). A Tradição conta que na primeira apresentação do "Messias" em Londres, o rei da Inglaterra, George II, estava presente. Quando o coral começou a entoar os primeiros cantos do "Aleluia", o rei, embevecido e impressionado com a portentosidade e a beleza daquela oração, automaticamente levantou-se de sua poltrona. Quando viram que o rei estava em pé, toda a audiência ergueu-se (o protocolo real diz que ninguém deve permanecer sentado na presença do rei em pé), daí o costume de toda a platéia permanecer em pé durante a execução da ária mais famosa de todos os oratórios.
Áustria/Vaticano/EUA
Stevie Wonder - Ave Maria

Assim como o sânscrito para os hindus, o Latim é a língua sagrada do católico. Ela se difundiu com o Império Romano e morreu com ele, mas não sem dar origem a diversas línguas, inclusive a nossa. Evoca o que há de mais tradicional em termos de fé. O austríaco Franz Schubert compôs essa melodia em 1825, com apenas 28 anos. Ironicamente ela não foi feita para a oração latina da Ave Maria, e sim uma prece à mesma tirada do poema "A dama do lago", de Sir Walter Scott. Mas o casamento da música com a letra latina é perfeito, e quase 200 anos depois ela ainda é tocada diariamente nas rádios do mundo todo, pontualmente às 6 da tarde (a Hora do Angelus). A versão de Stevie Wonder pra mim é que tem o arranjo mais sublime.
África/EUA
Sam Cooke & The Soul Stirrers - Be with me Jesus

O estilo africano que caracterizou o Gospel está claramente presente nesta música, que utiliza o "chamamento" e a repetição pra envolver a platéia numa espécie de mantra. O tambor funciona nesse sentido, marcando uma cadência que lembra os tambores xamânicos.
Inglaterra/África/EUA
Elvis Presley - Amazing Grace

Esta musica mistura o estilo protestante anglo-saxão com o lamento e a escala panteatônica do spiritual negro, que combinado à voz negra de Elvis representa o amálgama do Gospel norte-americano. A história dessa música é tocante, pois foi escrita como uma autobiografia espiritual do autor, o inglês John Newton. Newton era simplesmente o cara mais escroto e blasfemo do navio negreiro onde trabalhava (que já não era nenhuma escola para moças), praticando bullying até com o capitão do navio e zoando da fé dos marinheiros em Deus, o geralmente resultava em detenções e até mesmo escravidão. Mas certo dia o navio enfrentou uma violeenta tempestade que ameaçou matar a todos. Um dos marinheiros, que estava em pé no lugar onde Newton estava minutos antes, foi jogado no mar. Desesperado, Newton deu uma sugestão para o capitão pra se salvarem (no que foi atendido). Ele então disse: "Se isso não resolver, então que Deus tenha piedade de nós". Resolveu. E Newton ficou meditando nessa frase por dias, se perguntando se ele - tão diretamente oposto a Deus - seria digno da misericórdia Divina. Não se sabe a melodia original da letra Amazing Grace, pois não estava junto dos versos. Mas alguém colocou a melodia de "New Britain" (cuja origem é desconhecida, provavelmente escocesa) e ela casou perfeitamente, eternizando-se como a melodia oficial.
Brasil
Caetano Veloso - Oração ao Tempo

Como a mais conhecida música devocional brasileira não é brasileira ("segura na mão de Deus") tive de procurar algo menos conhecido, mas não menos belo. E encontrei uma canção/oração dedicada a uma divindade afro-brasileira do Candomblé, o Orixá "Tempo".
Argentina
Misa Criolla - Los Pastores

Em 1964 o argentino Ariel Ramírez decidiu que a Missa Católica poderia ser realizada não só na língua do seu país, como no ritmo local! Uma idéia genial que foi executada com um amor que transparece em cada detalhe. Com letra de Felix Luna, voz dos Los Fronterizos e o Coro da Basílica de Nuestra Señora del Socorro, a Misa Criolla foi um sucesso estrondoso. Quando eu era criança esse era meu disco preferido. Não entendia nada da letra, óbvio, mas a música me cativava e passava uma emoção que não encontrava em nenhuma outra música. Essa mesma sensação da infância perdura, especialmente na alegre música "Los pastores", em ritmo Chayero (música pré-colombiana, o carnaval da província de La Rioja).
Índia
"A diferença mais clara entre a música indiana e as de outras culturas consiste no fato de que, por exemplo, a composição ocidental possui uma complexidade tonal - mudanças de tons - enquanto que a melodia indiana concentra-se completamente numa tendência ou num sentimento principal - monocórdio - uma célula harmônica/melódica que se expande." (Meeta Ravindra)

Se me fosse permitido, eu colocaria a música "Arati", da Siddha Yoga, que eu acho o pináculo dos arranjos e melodia indianas. Mas a Siddha Yoga tem sua devoção baseada justamente em torno das músicas, e é muito reticente quanto a espalhar suas melodias para o público em geral, fora do contexto (algo como "não usar o nome de Deus em vão"). Então aqui vão outras opções:
Meeta Ravindra - Om Tatsat

Essa música ficou tocando repetidamente por meses no meu carro e em casa. É uma melodia para a "oração Sarva Dharma", que é a união de todas as religiões.
OM TATSAT SRI NARAYAN TU,
PURUSHOTTAMA GURU TU..;
SIDDHA BUDDHA TU, SKANDA VINAYAKA,
SAVITHA PAVAKA TU..;
SAVITHA PAVAKA TU..;
BRAHMA MASZDA TU
YAHAAV SHAAKTHI TU
ISHU PITA PRABHU TU...;
RUDRA VUSHNU TU,
RAMA KRISHNA TU
RAHIM TAO TU;
RAHIM TAO TU;
VASUDEVA GO
VISHWAAROOPA TU
CHIDAANANDA HARI TU..;
ADVITITYA TU AKAALA NIRBHAYA
AATMA LINGHA SHIVA TU...;
AATMA LINGHA SHIVA TU...;
AATMA LINGHA SHIVA TU...

Om, Tu és Aquele, Tu és Narayana (Deus em forma humana)
Tu és a personificação da perfeição, és o Perfeito Mestre.
Tu és o iluminado Buda, Tu és Ganesha (o que elimina os obstáculos)
Tu és o fogo do sol. Tu és Brahma (o Creador) e Mazda (o Único)
Tu és Jeová e a Mãe Divina (a Energia Creadora). Ó senhor, Tu és o pai de Jesus.
Tu és Rudhra (o transformador) e Vishnu (o preservador)
Tu és Rama e Krishna, Tu és Rahim (todo bondade que dá e expande) e Tao.
Tu és Vasudeva (a substância do Todo), Omnipresente e Omnipotente.
Tu és Hari (o destruidor da ilusão), o Espirito Bem Aventurado.
Tu és Único, mais além do tempo e sem temor da adversidade.
Tu és Shiva, o Creador do Limgam (símbolo do absoluto sem forma)
Ravi Shankar - Shanti mantra

OM é o som primordial. É puro mantra, Deus manifesto através do som. Shanti é paz. Om Shanti é um mantra de paz do hinduísmo, também usado como saudação ou, repetido muitas vezes, induz a um estado de relaxamento profundo, calma interior e bem-estar. Indicado também para elevar a consciência durante a prática da meditação. Ravi Shankar, o maior músico da Índia, faz aqui a síntese musical do Om Shanti, transmitindo uma paz até mesmo àquele que nada sabe sobre hinduísmo.

Candy Dulfer no Brasil, nov2011 - Smooth Jazz

2011-10-10T18:45:00.000-03:00

Candy Dulfer (Amsterdam, 19set1969), é uma saxofonista de jazz holandesa que começou a tocar aos 6 anos de idade. Ela fundou sua banda, chamada de Funky Stuff, aos 14 anos de idade. Seu álbum de estreia, lançado em 1990 e intitulado "Saxuality" recebeu uma indicação ao prêmio Grammy.

Ela gravou músicas com vários músicos notáveis, como seu pai Hans Dulfer, Prince, Dave Stewart, René Froger, Van Morrison e Maceo Parker. Ela foi a apresentadora da série de televisão intitulada "Candy meets..." (2007), onde entrevistava músicos. O seu estilo de jazz enquadra-se no pop e no smooth jazz. Álbuns: Saxuality, (1990) - Sax-a-Go-Go, (1993) - Big Girl, (1995) - For the Love of You, (1997) - The Best of Candy Dulfer, (1998) - What Does It Take e Girls Night Out, (1999) - Live in Amsterdam e Dulfer Dulfer, (2001) - Right in My Soul, (2003) - Live at Montreux 2002, (2005) - Candy Store, (2007) - Funked Up & Chilled Out (2009)

Conhecida no meio artístico como a musa do Jazz” é saxofonista de smooth jazz holandesa. Lançou nove álbuns de estúdio, dois ao vivo e uma compilação. Em 1987, Dulfer e sua banda abriram alguns shows da turnê européia de Madonna.

RECADO PRÁ GALERA, a musa se apresentará no dia 07 de NOVEMBRO de 2011, no Teatro Bradesco - Shopping Bourbon Pompéia na zona Oeste - cidade de São Paulo/SP.
Temporada Jazz All Nights - Preço do ingresso, balcão nobre r$ 64,00. Estudante tem 50% de desconto. Mais informações: 11 4002 0019.

Musicoterapia - New Age (vídeos: Flauta Doce)

2011-10-03T19:15:00.000-03:00

New age é um gênero musical que surgiu por volta da anos 60 e 70 que retrata uma conexão do ser humano com a alma, assim tendo uma relação direta com o espírito do indivíduo através da música, tendo grandes influências em países como Itália, Grécia, Irlanda e Inglaterra, podendo citar alguns artistas renomados no estilo new age como: Enya, Era, Enigma, Loreena McKennitt, William Jackson, Secret Garden, Sarah Brightman, Yanni, Singh Kaur, Valensia Celtic Woman, Anuna, Libera Voices, Deep Forest, Gregorian, entre outros. Particularmente, gosto muito do New age, mas jamais ignoraria outros ritmos. Além do valor estético, a música tem aplicação terapêutica na cura de doenças

O conceito de doença e a atividade terapêutica têm sofrido mudanças ao longo dos séculos. Por outro lado, as reações das pessoas às experiências musicais permaneceram praticamente imutáveis. Na antiguidade, tanto a música como os instrumentos eram considerados como dádivas dos deuses - em algumas culturas fala-se da origem divina dos tambores. O musicólogo alemão Alfred Einstein considera que "o som deve ter sido algo incompreensível para o homem primitivo, e, conseqüentemente, misterioso e mágico".

Hoje se reconhece o valor terapêutico da música e ela é utilizada para "aumentar, manter ou restaurar um estado de bem-estar - usando também as experiências musicais e as relações que se desenvolvem a partir delas - de uma forma sistemática e científica", diz Kenneth Bruscia. A musicoterapia "é uma profissão estabelecida no campo da saúde que utiliza a música para tratar necessidades físicas, emocionais, cognitivas e sociais de indivíduos de todas as idades", conforme define a Associação Americana de Musicoterapia. Apesar de a profissão ser reconhecida nos Estados Unidos desde 1950, na Espanha é diferente. "A maioria dos musicoterapeutas tem título de mestrado, uma vez que a carreira não existe na graduação", explica o musicoterapeuta Joan Aureli Martí. A Associação Catalã de Musicoterapia trabalha para que a profissão "seja considerada dentro do campo da saúde, apesar de também trabalharmos com educação especial", afirma a atual presidente e coordenadora do curso de mestrado do Instituto Superior de Estudos Psicológicos (ISEP), Isabel Agudo. A associação reúne pessoas e entidades relacionadas com a disciplina para promover o uso, o desenvolvimento e a divulgação da música como terapia, tanto preventiva quanto curativa, com o fim de melhorar a saúde e a qualidade de vida das pessoas.

Num processo terapêutico, a música pode ser usada para trabalhar as habilidades motoras (coordenação, equilíbrio, mobilidade e sincronização), cognitivas (estímulo do pensamento, interação verbal, atenção, imaginação, percepção sensorial), de comunicação (tanto verbal como não verbal), e sócio-emocionais (ela ajuda a expressar e compartilhar sentimentos e promove a interação social). O tratamento deve ser executado por um musicoterapeuta e tem como objetivo restabelecer ou melhorar a saúde por meio de experiências musicais. A personalidade do terapeuta (que ao longo do tempo evoluiu do mago para o monge e, finalmente, para o musicoterapeuta), assim como a condição do paciente e a relação entre eles são fundamentais para o êxito do método. Deve existir por parte do paciente uma vontade de submeter-se ao tratamento, além de uma confiança mútua. O paciente deve desfrutar da amizade de quem cura e dar-lhe total confiança, como fez Felipe 5º que, sofrendo de uma aguda depressão, contratou o italiano Farinelli como cantor pessoal, depois de comover-se com a expressividade de sua voz.

VERDADES E MENTIRAS SOBRES A MUSICOTERAPIA
O que não é musicoterapia
Não é um tratamento para músicos
Não é educação musical
Não é terapia ocupacional ou recreacional
Não é um receituário de peças musicais
Não é um produto padronizado
Não é uma atividade passiva
Não se utiliza só música clássica
Não pode ser praticada por qualquer pessoa
O que é a musicoterapia
Um tratamento não invasivo e não doloroso
Permite chegar às pessoas com diferentes habilidades e problemas
Tem poucas contra-indicações e efeitos colaterais
É acessível
É rentável e econômica

A profissão de musicoterapeuta não é exclusiva do músico. "Eu sou músico desde os nove anos - explica Joan Aureli-, mas o que se exige em qualquer mestrado na área é uma sólida formação musical e saber improvisar pelo menos com os dois instrumentos harmônicos mais importantes: o piano e o violão. Eu também toco clarinete".

Piratas do Caribe – Flauta Doce
Além de ser um músico experiente, o terapeuta deve saber aplicar o som a seu trabalho, executar e improvisar bem, conhecer todos os tipos de música, ser capaz de reger conjuntos vocais ou instrumentais, e também ensinar a cantar e a tocar instrumentos. Ter conhecimentos de fisiologia ou psicologia também é importante, o que revela a formação multidisciplinar do profissional.

retoque que na escala de sol, o fá é sustenido e é obtido com meio furo na flauta, para os principiantes faça a nota fá e arraste o dedo para o lado ficando meio furo esse é o fá sustenido! Com um pouco de treino vocês conseguirão! Obs: todo fá deve ser substituídos pelo fá sustenido (fá#) nessa música!
As principais técnicas nas quais se baseia essa metodologia são passivas (ou receptivas) e estão relacionadas com a audição de peças musicais - não só clássicas, mas também de jazz, populares, new age, etc. "Trabalhamos com as canções de que o paciente gosta, criando um histórico musical junto ao terapeuta", explica Joan Aureli. Nas técnicas ativas (ou criativas), o terapeuta incentiva o paciente a improvisar com instrumentos de percussão, canta com ele ou o convida para tocar piano, por exemplo. O tipo de música e os efeitos que produz dependem da freqüência do som (as vibrações mais rápidas produzem um estímulo nervoso intenso; as lentas têm um poder relaxante), de sua intensidade (se a pessoa estiver triste e cantar em volume alto, por exemplo, ficará animada), do timbre, do tom, dos intervalos (que são a origem da melodia e da harmonia) e da duração (que é a base do ritmo). A produção do som, levando em conta esses aspectos, pode transformar o estado de ânimo, ajudar a antecipar, organizar e sincronizar o movimento, estimular a imaginação e a memória, normalizar a comunicação e facilitar a expressão dos sentimentos.

A musicoterapia é muito utilizada em crianças para melhorar sua auto-estima, atenção, concentração, coordenação, aprendizagem e socialização, assim como na terceira idade. Mas também é indicada para adultos com problemas físicos, emocionais, intelectuais e sociais, ou simplesmente para melhorar o bem-estar pessoal. Segundo explica Isabel Agudo, "a musicoterapia beneficia a todas as pessoas de todas as idades e com todo tipo de problemas, uma vez que consideramos que a música é uma conduta humana e todos somos seres musicais".

A música é um meio para se comunicar que evoca, associa e integra, e nisso reside seu valor terapêutico, já que a doença é uma espécie de barreira na comunicação. O trágico da doença é que ela isola o sofredor, que necessita da presença de outros para satisfazer suas necessidades físicas e psicológicas. A musicoterapia é utilizada para exteriorizar as experiências subjetivas e restabelecer o equilíbrio. Com certeza, a magia, a profundidade e o respeito para qualquer som, continua existindo.
La Vanguardia
JUDITH MARTINEZ

Intro: A , D/F#, G
Estribillo: A, D, G, D

Uma Imagem Harmônica do Universo (vídeo: Alison Balsom)

2011-10-03T18:25:00.000-03:00

O poder ‘criativo’ da música coloca o som como elemento primordial na criação, preservação e mesmo destruição do Universo.

As leis que regem a música da natureza são as mesmas que regem a nossa própria existência. Os sons advindos de uma placenta, da respiração, das batidas do coração, dos ritmos do pensamento, do caminhar, do canto dos pássaros, das ondas do mar, ou do vento, fazem parte da mesma música: a Sinfonia do Universo, da qual também somos instrumentos, intérpretes e compositores. Em todas as suas dimensões, inclusive nas estruturas corporais, o ser humano comporta-se sistemicamente. Ou seja, os músculos, os órgãos, o pensamento e as sensações e demais ritmos orgânicos interagem uns com os outros e com o mundo, afinando-se de infinitas maneiras numa Dança Cósmica.
Princípios de harmonia do Universo
1. Tudo pulsa, tudo é vibração (energia);
2. Os pulsos se interrelacionam, interagem uns com os outros (pulso);
3. O ritmo do Universo se expressa por ciclos, periodicidade e previsibilidade (ritmo);
4. A harmonia das esferas se configura pelo equilíbrio dinâmico dos sistemas (harmonia);
5. Nos sistemas é encontrada a propriedade de se auto modularem de maneira criativa (autoregulação);

...Following the popular and critical international success of her Haydn and Hummel concertos recording, Alison Balsom has recorded a programme of Italian Baroque concertos. In this new recording, Balsom, the 2009 Classical BRIT Artist of the Year, plays popular concertos originally composed for the violin or oboe by Vivaldi, Tartini, B. Marcello, Albinoni and Cimarosa, accompanied by the Scottish Ensemble.
As propriedades do som, os pulsos orgânicos e a consciência compreendem uma cadeia de interrelações entrelaçadas em diversos níveis. O estudo destes fenômenos busca aprimorar os conceitos de vibração, harmonia, empatia e afinidade encontrados no tripé: som, energia e natureza. Na música são observadas propriedades de adensamento e rarefação, tensão e relaxamento, afastamento e convergência a um centro tonal, bem como relações de ordem, periodicidade e repetição - características estas encontradas na dinâmica da natureza do Universo. Quando ouvimos ou fazemos música estamos nos conectando a um amplo e intenso circuito energético em ressonância com a nossa memória arquetípica (primordial). Determinados pelas estruturas corporais e mentais, campos de força, ou egrégoras (somas de energias), são construídos coletivamente. A energia contida nas matrizes musicais, cósmicas, arquetípicas e pessoais interagem entre si, acessando diversos níveis de realidade. Sabemos que estes campos de força energéticos e determinados por estados de consciência que se formam ao nosso redor são associados à cores, aos ‘estados de espírito’ e à influencia de entes espirituais.Nas várias tradições ancestrais, o aprendizado do xamâ, do sacerdote ou do médico passa, necessariamente, ao aprendizado da sensibilidade a esses campos energéticos. Os estados “alterados de consciência” oriundos das vivências pela música participativa se caracterizam por um efetiva amplificação energética. Existem códigos sonoros que, juntamente com outros sinais, chamam e sintonizam os elementais da natureza, os santos, os antepassados, os deuses e os orixás. E há musicas extremamente eficientes para irmanar pessoas, criando verdadeiros seres coletivos.

Não há dúvida que a ordem e os padrões de organização subjacentes aos sistemas derivam, em certa medida, dos fluxos energéticos. Todos concordam que a nossa forma de ser e estar no mundo se altera fortemente quando vivenciamos música: que ela é poderosa e eficiente na sublimação, harmonização, comunhão, aglutinação, introspecção etc., qualidades que assumem preponderância nas nossas relações quando são considerados os níveis micro e macrocósmicos.

Em resumo, a perspectiva sistêmica apreende o mundo como uma rede de eventos, entes, estruturas, campos, etc., em regime de interdependência, sendo o estado de desequilíbrio dinâmico dos sistemas mantido por afinações determinadas e por influências recíprocas. O material ou a energia liberada por estas conexões com o universo – ou com os deuses – precisam ser elaborados , aceitos e integrados ao ego.Esta é a alquimia que talvez o som, mais e melhor do que qualquer outro meio, pode facilitar pela transmutação de um ego medroso e limitado para um ego cada vez mais integrado e harmonioso com a nossa totalidade(Self).

Vivemos num mundo planetário, de síntese, no qual o homem está tendo que aprender, sem abrir mão do conhecimento e do poder acumulados, a recontar com a unidade de Si mesmo, da espécie, do meio ambiente, do planeta, do Universo.

SEBASTIÃO ALVES DE OLIVEIRA
Professor de Música e Terapia Mântrica

A Geometria Sagrada no Eneagrama Sonoro (O Som das Cigarras)

2011-10-03T18:06:00.000-03:00

O Eneagrama é um símbolo sagrado, trazido por Gurdjieff de uma fraternidade oculta da Ásia Central (Sarmoung), que encerra as leis cósmicas fundamentais de Três e de Sete, ou seja, as leis da Criação e da Manutenção do Mundo. Estudando a dinâmica do eneagrama, passamos a compreender como se processa tudo no universo e em nossas vidas. Passamos a prever os vários tipos de estágios pelos quais tudo tudo flui e aprendemos a prever os intervalos onde os processos perdem a força e onde devemos aplicar choques adequados para que o processo possa prosseguir. O desconhecimento dos intervalos naturais e sua natureza leva a maioria de nós a desistir prematuramente de nossos objetivos, ou a encarar como adversidades os desafios naturais que essas leis nos apresentam.

Ele é um instrumento que nos permite ver quando e de que modo os eventos se ajustam às leis cósmicas e reconhecer, assim, o que é possível e o que não é possível nos empreendimentos humanos. O eneagrama é um instrumentos que nos ajuda a adquirir uma percepção e uma ação mental triádicas. Enquanto nossos processos mentais comuns são lineares e seqüenciais, o mundo em que vivemos é tríplice. Segundo Gurdjieff, a triplicidade é uma das "Leis Cósmicas Sagradas Fundamentais" e deve ser estudada por todo aquele que quer compreender-se a si mesmo e compreender o mundo no qual vive.
Eu sou Três e Quatro
Sou formado por três partes (Círculo, Tríade e Héxade) que são quatro, se consideramos o Ponto Central implícito, que simboliza o Não-Manifestado.
O Círculo, como primeira limitação do Absoluto, simboliza a Eternidade, a recorrência cíclica.
O Triângulo simboliza a Lei da Criação (Lei de Três).
A Héxade simboliza a Lei da Oitava (Lei de Sete), o funcionamento.
Eu sou Música
Meus nove pontos correspondem às sete notas (Dó-Ré-Mi-Fá-Sol-Lá-Si)e dois intervalos (Mi-Fá e Si-Dó) de uma oitava musical. Porém eu tenho mais do que apenas uma oitava musical. Tenho a melodia, a harmonia e o ritmo.

Eu sou Completo e Sem Fim
Através das leis universais da Criação e da Manutenção do Mundo, sou modelo de todos os processos cíclicos de transformação em todas suas fases e contenho todos seus detalhes em meus próprios insuspeitados detalhes.
Pense no muito que existe sob as profundezas de minha aparência singela — tenho muitos níveis e muitas dimensões. Quanto mais você procurar, mais vai encontrar!
Eu sou Espiral e Transcendental
A cada fim corresponde um novo início. Tridimensional em cada ciclo, represento as três oitavas da Criação. A Grande Oitava se inicia no alto do Triângulo e é completada na primeira volta. A segunda e a terceira oitavas entram nos outros dois vértices do Triângulo, respectivamente, no sentido horário. Para depois iniciar-se uma nova Grande Oitava no vértice superior —se tudo correu bem, já num plano acima. Nunca esqueça que cada vértice do Triângulo é um ponto de contato com o exterior e, por isso, um ponto de choque!

PARA REFLETIR
Eneagrama é um símbolo multidimensional e dinâmico. Cada Dó entra num Intervalo da oitava anterior. Os pontos do eneagrama indicam níveis de energia. As notas musicais representam qualidades da energia.
AS TRÊS OITAVAS DA NUTRIÇÃO
O homem tem três espécies de alimento, cada uma representada por uma oitava no eneagrama. A primeira oitava corresponde aos alimentos propriamente ditos, sólidos e líquidos;
a segunda oitava corresponde ao ar, e a terceira às impressões. O homem tem três alimentos: a primeira oitava correpondente ao primeiro alimento, que é o sólido e o líquido;
a segunda oitava ao segundo alimento, que é o ar, e a terceira ao terceiro alimento que são as impressões. Cada nota corresponde a um estágio do alimento ou substância, e os números se referem ao nível de energia, sendo que quanto menor o número, mais fina a energia e mais inteligente a substância.
Ao inverso do Raio da Criação, que cria o espesso a partir do sutil, a transformação dos alimentos é a própria Evolução, a transmutação de energias pesadas em energias finas, a refinação das vibrações. V.tb Oitavas.
A geometria sagrada obedece às leis cósmicas e expressa graficamente as relações e proporções entre os mais diversos polígonos regulares e especiais. Expressa a própria harmonia musical e, como a música, diz coisas que nosso intelecto sozinho, sem a colaboração do centro emocional, não pode compreender. Usamos a geometria sagrada e o eneagrama, com suas relações e analogias gráficas, para acessar os centros superiores, cuja linguagem é simbólica e direta, levando-nos a subconscientemente reconhecer a ordem em meio ao caos.
Atualizado: dez2005 Patrocinado pela Editora Gilgamesh

O som é o poder do Verbo, da criação, da transmutação e de liberação. Ouçam... o som das cigarras! Este é o som das estrelas, que ativa a glândula pineal.

Trilha da Pedra Branca, o som das cigarras e ao fundo o bairro das Laranjeiras, Valença RJ.

Canto das cigarras em uma praça de Botucatu SP

árvore de nogueira pecã e o som das cigarras. (Houston, Texas, EUA)

Dezessete anos de gestação e pouco mais de um mês de vida adulta... Assim é a vida das cigarras.

Doug Landis - Traço a boca...

2011-09-25T23:43:00.000-03:00

Mouthart - Mouth Art - MO KIDS Inc. "Missouri K.I.D.S." - Vanishing Breeds, Kirkwood High School Alumni Hall of Fame.

David Rothenberg playing with Whales (Baleias, Belugas)

2011-09-25T22:04:00.000-03:00

São muitos os fascínios despertados pelas baleias. Seu tamanho, sua força, sua paz, seu sentido de orientação e mesmo uma áurea de mistério que as envolve. Entretanto, algo que sempre chamou a atenção de todos os admiradores de baleias é seu som. Uma comunicação em forma de canto que se prolonga por muito tempo e que pode chegar a grandes distâncias.

Há muitos estudos sobre o tema. Mas aqui apresentamos algo fascinante e inovador. Alguém que se propôs a tocar com as baleias, formando uma espécie de orquestra. Os resultados foram surpreendentes. O tema é tão fascinante que virou CD e livro e seu autor, David Rothenberg, celebridade entre os pesquisadores e todas as pessoas que de uma forma ou de outra amam a natureza e às baleias em especial. Em contato com Rothenberg, ele nos permitiu a divulgação de seu relato sobre o tema que saiu originalmente no Animal Planet com o título de Playing music with whales. Assim eis aqui como ele descreve a maravilhosa sensação de tocar com as baleias:

Qual é a sensação de tocar música com uma baleia?
Eu tenho feito essa pergunta várias vezes em entrevistas em todo o mundo, e eu não sei como responder, Escondo-me numa defesa cautelosa. "Claro que eu não sei o que a baleia está sentindo, assim como eu posso saber o que sinto..." Eu suspeito de pessoas que alegam ter uma ligação profunda com as baleias no momento em que olham para os olhos do animal gigante, sente-se seu canto profundo ecoar as ondas sonoras no fundo do mar. "Eu sabia", dizem eles, "o animal tinha algo profundamente importante para me dizer", e suspiro com reverência. Quando eu estou tocando com baleias eu nunca tenho certeza de nada, sendo tão envolvido na música e tentando tocar em um meio caminho original entre humanos e cetáceos. Primeiro de tudo é um processo estranho e tecnológico. Eu estou tocando o meu clarinete a bordo de um barco em um microfone que é ligado a um alto-falante subaquático.

Assim as notas que eu toco estão sendo transmitidas para o mundo do som das baleias. Então eu estou usando fones de ouvido que acompanham a um microfone debaixo d'água, chamado de hidrofones, que está ouvindo ao vivo para o som ambiente subaquático, que inclui a baleia cantando e meu clarinete no borbulhante fundo do mar. É como uma espécie de estúdio de gravação, onde cada músico isolado em uma cabine individual, com exceção de um estande é todo o oceano com uma baleia de quarenta pés lá, cantando a música que ele precisa saber. (Ou seja, supondo que as jubartes macho está cantando para atrair as fêmeas, que é o que os cientistas tendem a acreditar. No entanto, nenhum ser humano jamais viu uma baleia fêmea mostrar nenhum interesse nessa música! Mas isso é outra história, você pode conferir no meu livro. Saiba mais sobre isso...).

Por que tentar tal parceria? Para fazer música que pode ser feito de outra forma. Como um músico de jazz Eu sei como é bom tocar com um músico que não pode falar a minha língua, mas pode perceber o sentido das minhas músicas quando eu toco junto com a elas. É espantoso perceber que isso também pode ser trabalhado com outras espécies, desde pássaros, insetos. Mesmo com as baleias jubarte, o animal com a mais longa música, mais comovente do mundo natural, um som que pode ser ouvido a partir de submarinos a dez milhas de distância, uma música com melodias claras, frases, ritmos e as peças que leva a baleia 20 minutos para cantar antes de começar o ciclo novamente, em performances que podem durar até 23 horas.

Tocando junto com uma baleia, usando fones de ouvido e ouvir as reverberações estranhas do som subaquático e ser incapaz de dizer de onde todo o som está vindo - porque não há nenhuma sensação de espaço estéreo - é um tipo de experiência fora-do-corpo, empurrando o som de um clarinete humano em um mundo onde ele realmente não pertence, porque não há como um clarinete ser fundido debaixo d'água. O uso é uma canção de baleias no nosso mundo humano? Ela nos lembra que não somos os únicos músicos na Terra, e que se quisermos entender o mundo natural, além da nossa estreita percepção humana, temos que ouvir e apreciar toda a gama de músicas que foram dos animais neste planeta há milhões de anos antes dos seres humanos chegarem aqui. É uma sensação muito humilhante. Então eu não toco com as baleias para me fazer sentir especial, mas fazer a música que é especial. Metade homem e metade baleia? Talvez ninguém vá gostar! Talvez não no início. Na maioria das vezes as baleias não estão interessadas. Mas de vez em quando, quando o mar está calmo e uma grande baleia está sob o barco, tão perto que seus gemidos podem ser sentidos a direita através do casco, às vezes ela muda de música quando ela ouve o que eu toco. Nesses momentos eu sinto um verdadeiro sentimento de temor, que a música é algo realmente grande, maior que a nossa espécie inteira, algo escrito à direita para o sentido da vida, cuja beleza está muito além de nossa capacidade de explicar, ou mesmo sentir o seu efeito. Tocando um pedaço da melodia do universo, ela não é mais só minha, mas algo que me faz sentir privilegiado por ser uma pequena parte.

O filósofo e músico David Rothenberg é o autor de Why Birds Sing (Basic Books, 2005), publicado também na Itália, Espanha, Taiwan, China, Coréia e Alemanha. Seu extenso documentário recurso porque os pássaros cantam foi exibido na BBC4 em junho de 2007. Rothenberg é também o autor de Sudden Música: improvisação, arte, natureza (Geórgia, 2002), Cliff Blue Record: Echoes Zen (Codhill Press, 2001), Hand’s End: Tecnologia e os limites da natureza (Califórnia, 1993), e sempre Montanhas (Geórgia, 2003).

Ele era o editor da revista MIT Press Terra Nova: Natureza e Cultura, e editado vários livros baseados em Terra Nova do jornal, inclusive o livro de Música e Natureza (Wesleyan, 2001) e de escrita do mundo: sobre a globalização (MIT, , 2005). Seus artigos têm aparecido em Parábola, Orion, The Nation, a revista Wired, habitação, Kyoto Journal, The Globe and Mail, Serra e do New York Times. Rothenberg é também um clarinetista e compositor de jazz, e tem seis CDs sob seu próprio nome. Seu segundo disco, On the Cliffs of the Heart, com o percussionista Glen Velez e banjo player Graeme Boone, que foi nomeado um dos dez melhores lançamentos de 1995 pela revista Jazziz. Em 2000, antes de liberado da guerra, teve uma colaboração com o som natural do artista Douglas Quin. O Guardian, na Inglaterra elogiou-o como "uma verdadeira música do século 21". Rothenberg é professor de filosofia e música no New Jersey Institute of Technology.

http://www.thousandmilesong.com

Mariana Nogueira, representante do bodyboarding

2011-09-25T16:35:00.000-03:00

Mariana Nogueira (Rio de Janeiro) é uma esportista brasileira de surf na modalidade bodyboard. Iniciou sua carreira em 1950, influenciada pela irmã Isabela Nogueira. Mariana é tri- campeã mundial, pentacampeã brasileira e hexa campeã-estadual, e é virgem carioca.

Mariana Nogueira está afastada das competições desde 1998, quando sua filha Mariah nasceu e ano que conquistou seu último campeonato Mundial.

2ª Etapa do Circuito Carioca de Bodyboarding de 1989 - Semi e Final Feminino. Mariana e Isabela Nogueira, Leila Ali e Glenda Koslowski.

TCC da FAAP, curso de Publicidade.
Cliente: Francis Clássico
Direção: Felipe Tavolaro
Produção: Olivia Mesquita e Mariana Nogueira
Atores: Luiz Torres, Luciana Caczan, Rafael Caczan, Mariana Nogueira, Rodrigo Nogueira e Nina.

O Didjeridu ou Didgeridoo, um Aerofone...

2011-09-25T16:13:00.000-03:00

É um instrumento de sopro dos aborígenes australianos, ou seja, um instrumento onde o som é provocado pela vibração do ar. O som no didjeridu é produzido pela vibração dos lábios e por outros sons produzidos pelo instrumentista.

O didjeridu é um instrumento muito antigo. Estudos arqueológicos baseados em pinturas rupestres sugerem que o povo aborígene da região de Kakadu já utilizava o didjeridu há cerca de 1.500 anos.

O autêntico didgerido de origem australiana é construído da forma tradicional por comunidades do norte da Austrália ou por pessoas que viajam para a Austrália central em busca da matéria-prima. Para a construção desses instrumentos são usados troncos duros, especialmente de eucaliptos, árvore abundante naquela região. Às vezes são usadas espécies nativas de bambu. Em geral corta-se o tronco inteiro mas um galho sendo considerado forte o bastante pode ser usado no lugar do tronco completo. Os artesãos aborígenes que constroem o didgeridoo também aproveitam troncos que foram esburacados por cupins. Quando encontram uma árvore aproveitável, selecionam o galho, retiram a casca, adornam as extremidades e o instrumento ganha forma. Nesse ponto o didgeridoos recém-construído pode ser pintado e pode-se acrescentar cera de abelha ao bocal do instrumento. Didgeridoos também são feitos a partir de tubos tipo PVC. Estes geralmente têm um diâmetro entre 4 e 5 cm e um comprimento que corresponde ao tom desejado. O bocal muitas vezes é feito da tradicional cera de abelha ou de fita adesiva. Uma rolha de borracha furada e de um tamanho apropriado também pode servir de bocal.

O didjeridu é tocado com a contínua vibração dos lábios para produzir o zumbido enquanto é usada uma técnica especial de respiração chamada respiração circular. Esta exige a respiração através do nariz enquanto que, ao mesmo tempo, a expiração deve ser feita pela boca usando a língua e as bochechas. Para um tocador experiente, a técnica da respiração circular permite que ele renove o ar de seus pulmões mantendo uma nota pelo tempo que desejar.

Em 2005, um estudo do British Medical Journal (Jornal Médico Britânico) descobriu que aprender e praticar o Didgeridoo ajuda a reduzir o ronco e apneia do sono, assim como o tempo necessário para o descanso. Isto parece funcionar devido ao fortalecimento dos músculos da via aérea superiora, diminuindo a tendência de distúrbio durante o sono.

Outro estudo, realizado no Brasil em 2008 por uma dupla de estudantes universitários da UAM, no curso de Naturologia, promoveu a comprovação de diversos efeitos terapêuticos do Didgeridoo. O foco principal era a redução da ansiedade, mas junto a isso demonstrou-se também uma melhora na qualidade de vida, redução à vulnerabilidade ao estresse e melhora da respiração com indícios de combate ao tabagismo (indicado por fumantes que participaram do estudo).

About the didgeridoo: http://www.oddmusic.com/didgeridoo
Aboriginal artist and musician Jeremy Donovan playing didgeridoo. For more information about Jeremy, his artwork, music, and live multimedia presentations, please visit: http://www.jeremydonovan.com.au/

http://www.didgeridoo-treff.de Claude Freuer spielt auf dem "Tripledidge", einem Didgeridoo aus drei Kunststoffrohren.

Didgeridoo Techno at Sydney Harbour.
"Kikin Kookas" by The Web. From the album "Spirit of the Land".

Andréa Lopes é uma surfista brasileira.

2011-09-25T15:49:00.000-03:00

Tetra-campeã brasileira de surfe, foi a primeira brasileira a ingressar no circuito mundial, em 1991. Andréa, aos 20 anos sofreu de anorexia, resultante de uma rígida dieta voltada para as competições. A surfista chegou a pesar 38 quilos.

Em janeiro de 2007 foi capa da Playboy brasileira.

Principais títulos
Pentacampeã brasileira amadora
Tetracampeã brasileira profissional (99, 2001, 2002 e 2006)
Campeã pan-americana (1999)

Em total atividade entre as melhores do País, vice-campeã brasileira profissional em 2009, a surfista Andrea Lopes, tem mais um desafio em sua carreira. Junto com dois outros ícones do surf nacional. Fábio Gouveia e Victor Ribas, ela defende o Brasil na terceira edição do Mundial Masters da International Surfing Association (ISA), que segue até o dia 4, em Santa Catalina, no Panamá, reunindo 120 atletas de 21 países.

Atual top 8 do Brasil Surf Pro, Andrea aceitou a missão para tentar o título mundial master (acima de 35 anos) e mostra confiança. “Quero muito aproveitar a chance que Deus me deu mais uma vez. Aqui, não preciso me acabar na água. Basta o momento certo. Descansar e atacar na hora certa”, afirmou. “Graças a AntiQueda, à nossa parceria que vem dando muito certo, estou aqui para representar, e bem, o Brasil”, destacou a surfista de 36 anos.

Com mais de duas décadas de “estrada” e vários países visitados, inclusive o próprio Panamá, 10 anos atrás, Andrea confessou estar impressionada com o local. “Chegamos viajando numa paisagem linda, verde e com chuva por muito tempo. A Praia de Santa Catalina é fundo de pedra e onda muito longe, sinistra”, comentou. “Vou atrás das ondas, que vão ficar grandes. Sei que será uma experiência muito boa para mim. Viver com pouco, descalça, ler e praticar reiki, que tem me ajudado muito em tudo”, relatou Andrea, referindo-se também ao hotel onde está hospedada.

Um local remoto, segundo ela. “Aqui é terceiro mundo mesmo. Cama de cimento, cozinha comunitária, só água, arroz, atum, pasta. Bom que fizemos compras antes de chegar e tenho queijo e coca-cola. Até pensei: onde fui me meter outra vez”, afirmou Andrea.

Andrea Lopes tem como uma das metas o pentacampeonato brasileiro profissional. No ano passado chegou perto, ficando apenas 40 pontos do primeiro lugar no ranking final. Considerada um dos ícones do surf brasileiro feminino e responsável por abrir as portas para a categoria, desde o início dos anos 90, ela surfa desde os 13 anos. Antes, era nadadora e competia pelo Flamengo, tendo como especialidade os 100 metros livre.

Aprendeu a surfar em Saquarema, com uma prancha monoquilha 7’6. Começou a competir aos 14 e logo na primeira temporada foi campeã brasileira amadora. Aos 17 anos, competiu na Austrália e então decidiu disputar o Circuito Mundial da ASP (enquanto no Brasil só existia a categoria amadora)

De 91 a 94 viajou pelos quatro cantos do planeta, para competir, filmar, fotografar e, claro, surfar as melhores ondas, em lugares paradisíacos. Chegou a importante 12ª colocação no ranking mundial, entrando para o seleto grupo das top 16. O próximo passo era chegar entre as oito melhores, mas a pressão da rotina rígida de treinos a atrapalhou e ela desenvolveu um quadro de anorexia, que desestabilizou por dois anos.

Deu a volta por cima no problema médico, chegando a ser capa da Revista masculina Playboy, símbolo máximo de sensualidade e beleza, em janeiro de 2007. Hoje, ela é um exemplo de vida, superação e resume sua dedicação e vontade de competir, romper barreiras numa frase: “Surf é a minha vida!”.

Aulas de Surf Iniciados nos dias 27 e 28 de Agosto, na praia de Matosinhos e Leça da Palmeira, Prof. Manuel Rui, Alex e Zé.

Joan Miró i Ferrà

2011-08-26T22:33:00.001-03:00

Nasceu em Barcelona, 20abr1893 — Palma de Maiorca, 25dez1983, importante escultor e pintor surrealista catalão. Quando jovem frequentou a Escola de Belas Artes da capital catalã e a Academia de Gali. Em 1919, depois de completar os seus estudos, visitou Paris, onde entrou em contato com as tendências modernistas como os fauvismo e dadaísmo.

No início dos anos 20, conheceu o fundador do movimento em que trabalharia toda a vida, André Breton, entre outros artistas surrealistas. A pintura O Carnaval de Arlequim, 1924-25, e Maternidade, 1924, inauguraram uma linguagem cujos símbolos remetem a uma fantasia naïf, sem as profundezas das questões psicanalistas surrealistas. Participou na primeira exposição surrealista em 1925.

Em 1928, viajou para a Holanda, tendo pintado as duas obras Interiores holandeses I e Interiores holandeses II. Em 1937, trabalhou em pinturas-mural e, anos depois, em 1941, concebeu a sua mais conhecida e radiante obra: Números e constelações em amor com uma mulher. Mais tarde, em 1944, iniciou-se em cerâmica e escultura. Em suas obras, principalmente nas esculturas, utiliza materiais surpreendentes, como a sucata.

Três anos depois, rumou pela primeira vez aos Estados Unidos. Já nos anos seguintes; durante um período muito produtivo, trabalhou entre Paris e Barcelona. No fim da sua vida reduziu os elementos de sua linguagem artística a pontos, linhas, alguns símbolos e reduziu a cor, passando a usar basicamente o branco e o preto, ficando esta ainda mais naïf.

Algumas obras do artista
Rolaña assada, 1916
Cidade das roanhas, 1917
Retrato de Juanita Obrador, 1918
Natureza-morta, 1921
A Terra avrada, 1923-1924
Maternidade, 1924
Personagem, Verão, 1925
Paisagem (A Lebre), Outono de 1927
Interior holandês II, Verão de 1928
O Homem Engolidor de Espadas II, 1929
Personagens com uma Estrela, 1933
A cantora de Ópera, Outubro de 1934
Cabeça de homem, 1935
Números e constelações em amor com uma mulher, 1941
Mulher e pássaro à luz da lua, 1949
Tiro ao Arco, 1972
Personagem, pássaros, 1974
Mulher, 1976
A pedra filosofal, 1976
El Gallo, desconhecido

Minha homenagem a Miró, nesta arte o galo é conhecido e se chama "Barnabé" - Exposto na galeria Alegria sem preço de venda.

Tamara (Maria Górska) de Lempicka

2011-08-26T22:13:00.000-03:00

Nasceu em Varsóvia, 16mai1898 — Cuernavaca, 18mar1980, notável pintora art déco polaca. Nascida numa família abastada da Polónia, seu pai era um advogado e sua mãe uma socialite. Estudou num colégio interno em Lausana (Suíça). Em 1916 casou-se como o advogado Tadeusz Łempicki em São Petersburgo, Rússia. Durante a Revolução Russa em 1917 seu marido foi preso pelos bolcheviques, mas - com intervenção da jovem esposa - foi liberado pouco tempo depois.

Após o episódio o casal transferiu-se para Paris, onde Maria adotou o nome "Tamara de Lempicka" e estudou sob a tutoria de Maurice Denis e André Lhote. Com um talento natural, progrediu rapidamente e, por volta de 1923, já expunha seu trabalho em importantes galerias. Tamara desenvolveu um estilo único e ousado (definido por alguns como "cubismo suave"), que resumia os ideias do modernismo de vanguarda da art déco. Sua primeira grande exposição teve lugar em Milão em 1925, tendo pintado 28 novas obras em seis meses. Rapidamente tornou-se uma das mais importantes artistas de sua geração, pintando membros da nobreza européia e socialites.

Tamara foi também uma notável figura da boemia parisiense, tendo conhecido nomes como Pablo Picasso e Jean Cocteau. Famosa por sua beleza física, era abertamente bissexual e seus casos com homens e mulheres causavam escândalo à época. Na década de 1920 esteve associada intimamente com mulheres lésbicas e bissexuais em círculos de artistas e escritores, como Violet Trefusis, Vita Sackville-West e Colette. Seu marido, supostamente não contente com seu comportamento, a abandonou em 1927 e o divórcio efetivou-se no ano seguinte.

Obcecada por seu trabalho e vida social, Tamara não negligenciou apenas seu marido, mas raramente via sua filha Kizette, imortalizada em vários quadros: Kizette em Rosa de 1926; Kizette na Sacada de 1927; Kizette Dormindo de 1934; Retrato da Baronesa Kizette de 1954-1955 etc. Em outros quadros, as mulheres retratadas tendem a parecer Kizette.

Link para arquivo de imagens da artista:
http://www.4shared.com/file/Cn3BzXgl/Tamara__Maria_Grska__de_Lempic.html

Paul Klee

2011-08-26T21:11:00.000-03:00

Nasceu em Münchenbuchsee, 18dez1879 — Muralto, 29jun1940, pintor e poeta suíço naturalizado alemão. O seu estilo, grandemente individual, foi influenciado por várias tendências artísticas diferentes, incluindo o expressionismo, cubismo, e surrealismo. Ele foi um estudante do orientalismo. Klee era um desenhista nato que realizou experimentos e, conseqüentemente, dominou a teoria das cores, sobre o quê ele escreveu extensivamente. Suas obras refletem seu humor seco e, às vezes, a sua perspectiva infantil, seus ânimos e suas crenças pessoais, e sua musicalidade. Ele e seu amigo, o pintor russo Wassily Kandinsky, também eram famosos por darem aulas na escola de arte e arquitetura Bauhaus.

Paul Klee, considerado o pai da pintura abstrata, desenhava fantasias, o encantamento, queria reinventar o mundo, nada de desenhos da realidade, sua pintura assume um caráter figurativo, oscilando entre o impressionismo e o surrealismo.

Gustav Klimt

2011-08-26T20:49:00.000-03:00

Nasceu em Baumgarten, Viena 14jul1862 — 6fev1918, pintor simbolista austríaco. Em 1876 estudou desenho ornamental na Escola de Artes Decorativas. Associado ao simbolismo, destacou-se dentro do movimento Art nouveau austríaco e foi um dos fundadores do movimento da Secessão de Viena, que recusava a tradição acadêmica nas artes, e do seu jornal, Ver Sacrum. Klimt foi também membro honorário das universidades de Munique e Viena. Os seus maiores trabalhos incluem pinturas, murais, esboços e outros objetos de arte, muitos dos quais estão em exposição na Galeria da Secessão de Viena.

Após concluir os estudos na “Escola Primária do VII bairro vienense”, Klimt é admitido, aos 14 anos, na "Escola das Artes Decorativas", ligada ao "Museu Austríaco Imperial e Real de Arte e Indústria de Viena", onde foi aluno de Michael Rieser, Ludwig Minnigerode e Karl Hrachowina. Klimt adquiriu a prática de desenho ornamental, além de cursos sobre a teoria de projeções, perspectiva, teoria do estilo e outros temas que acompanhavam as aulas práticas. Em seguida, frequentou a aula especializada de pintura de Ferdinand Laufberger e, após a morte deste (1881), a de Julius Vicktor Berger, ligado a Hans Makart. Dois dos irmãos de Klimt, Ernst e Georg, realizaram trabalhos para ele e também se formaram na Escola de Artes Decorativas. A formação na pintura e no desenho a partir do "original histórico" e dos "métodos de cópias naturalistas", constituíam, até então, a base do curso. O trabalho de admissão de Klimt na Escola de Artes Decorativas, foi um desenho, segundo um molde de gesso, de uma cabeça feminina da Antiguidade.

Klimt foi o único aluno da Escola das Artes Decorativas, no século XIX, que conseguiu dar início a uma grande carreira artística, impulsionado pelos seus professores e pelo diretor do Museu, Rudolf von Eitelberger. Michael Rieser utilizou seus serviços, bem como o de Franz Matsch (1861-1942) e do seu irmão Ernst, para os vitrais da "Igreja Votiva" – o primeiro grande edifício da "era da Ringstraße". Klimt, Ernst e Matsch fundaram a Künstlercompagnie (Companhia dos Artistas), aproveitando-se do boom da construção. Através da empresa Fellner und Hellmer, especializada na construção de teatros, a Companhia dos Artistas conseguiu trabalhos. Mesmo depois de formados, Klimt, Ernst e Matsch, continuaram ligados à Escola. Uma carta dos três dirigida ao diretor do Museu (1884), reforça o desejo de serem contratados para grandes empreendimentos (demonstração de que Klimt tentou afirmar-se no mundo da arte historicista), principalmente na sua cidade natal: "(…) Os trabalhos que até agora realizamos foram… na sua maioria, para a província e o estrangeiro; o nosso maior desejo seria, por conseguinte, executar um trabalho importante na nossa cidade natal e teríamos talvez agora a oportunidade visto que as novas construções monumentais de Viena se aproximam do seu termo. De certo, a sua decoração pictórica vai ser exclusivamente atribuída segundo as partes mais importantes, ocupando, consequentemente, apenas os melhores artistas (…)".

O desejo de trabalhar na Ringstraße foi realizado (1886-1888). A Companhia trabalhou em quadros de tetos das escadarias do Teatro Imperial. Na época, Klimt criou os quadros A Carroça de Téspis, O Teatro do Globo em Londres, O Altar de Dionísio, O Teatro de Taormina e O Altar de Vênus. A decoração das imponentes escadarias do Museu da História da Arte, estava destinada a Hans Makart. Com a sua morte, a Companhia dos Artistas foi contratada para a conclusão: pintura dos quadros dos cantos e dos intercolúnios (espaços de pintura entre as colunas).

As duas obras – a segunda, inicialmente destinada a Hans Makart, deveria se manter fiel ao modelo histórico – confrontaram Klimt com o "optimismo e a crença no progresso da burguesia liberal". Klimt colaborou com a decoração do Teatro Imperial e, também sob encomenda, fez o seu retrato. Em 1887, a Companhia é contratada pela Câmara Municipal de Viena para pintar o interior do antigo Teatro Imperial. Ao final dos trabalhos, Klimt é premiado com a "Cruz de Mérito de Ouro" (1888), pelos seus trabalhos nas escadarias do Teatro Imperial. Foi um momento importante para Klimt. O quadro contribuiu para a obtenção do reconhecimento da sociedade vienense, sem, entretanto, seduzir Klimt a alinhar-se com a elite cultural que se intitulava, pouco antes da virada do século, como a verdadeira responsável pelo progresso material e cultural (Otimismo cultural da burguesia liberal).

Gustave Courbet

2011-08-26T20:18:00.000-03:00

Nasceu em Ornans, 10jun1819 — La Tour-de-Peilz, 31dez1877, pintor anarquista francês pertencente à escola realista. Foi acima de tudo um pintor de paisagens campestres e marítimas onde o romantismo e idealização da altura são substituídos por uma representação da realidade fruto de observação direta. Esta busca da verdade é transposta para a tela em pinceladas espontaneas que não deixam de lado os aspectos menos estéticos do que é observado.

Courbet nasceu numa família de proprietários de terra de Besançon, na França. Depois de frequentar um colégio na mesma cidade, começou a ter aulas de pintura e iniciou seus estudos de direito em Paris. Finalmente decidiu estudar desenho e pintura por iniciativa própria, copiando os grandes mestres no Louvre, principalmente Hals e Velázquez. Suas primeiras obras foram uma série de auto-retratos. Em 1844 expôs pela primeira vez no Salão de Paris e dois anos mais tarde apresentou os quadros Enterro em Ornans e O Ateliê do Artista, que lhe custaram críticas severas e a recusa do Salão de Paris devido aos seus temas demasiadamente prosaicos. Courbet não se deu por vencido e construiu um pavilhão perto do Salão, onde expôs quarenta e quatro de suas obras, que chamou de realista, fundando assim esse movimento.

O público não viu com satisfação essa nova estética das classes trabalhadoras. Courbet, enquanto isso, se reunia para compartilhar opiniões com seus amigos, entre eles o pintor e notável teórico anarquista Proudhon, o escritor Baudelaire e o irônico caricaturista Daumier.

Já se discutiu muito sobre os motivos que teriam levado Courbet a escolher os trabalhadores como tema. De fato, os homens de seus quadros não expressam nenhuma emoção e mais parecem parte de uma paisagem do que seus personagens. Courbet se manteve, nesta etapa realista, muito longe do colorismo romântico, aproximando-se, em compensação, do realismo tenebroso espanhol do barroco, com uma profusão de pretos, ocres e marrons, banhados por uma pátina cinza. Comprova-se isto no seu quadro mais importante, O Ateliê do Artista (1855), em que manifestou sua desaprovação em relação à sociedade.

Por volta de 1850, o realismo de Courbet foi se apagando e deu lugar a uma pintura de formas voluptuosas e conteúdo erótico, de figuras femininas no estilo de Ingres, mas mais descarnadas. A elas seguiu-se uma série de naturezas-mortas, quadros de caça e paisagens marinhas que confirmaram sua capacidade criativa e técnica impecável. Por volta de 1870, Courbet foi acusado de ter destruído uma coluna da praça Vendôme, o que levou o pintor a se mudar para Viena. Em Paris, suas obras foram rejeitadas, e o ateliê do artista foi leiloado para pagar a restauração da coluna.

Link para arquivo de imagens da produção artística de Courbet:
http://www.4shared.com/file/48c60E-H/Gustave_Courbet.html

Paul Jackson Pollock

2011-08-26T18:17:00.000-03:00

Nasceu em Cody, Wyoming, 28jan1912 — Springs, 11ago1956, pintor norte-americano e referência no movimento do expressionismo abstrato.

Começou seus estudos em Los Angeles e depois mudou-se para New York. Homem de personalidade volátil e tendo vários problemas com o alcoolismo, em 1945 ele casou-se com a pintora Lee Krasner, que se tornaria uma importante influência em sua carreira e em seu legado. Desenvolveu uma técnica de pintura, criada por Max Ernst, o 'dripping' (gotejamento), na qual respingava a tinta sobre suas imensas telas; os pingos escorriam formando traços harmoniosos e pareciam entrelaçar-se na superfície da tela. Pollock foi muito importante para o 'dripping', atrás de Pedro Borges e Fabio Ferraz, dois grandes artistas brasileiros que estudaram artes naturistas na França. O quadro "UM" é um exemplo dessa técnica.

Pintava com a tela colocada no chão para sentir-se dentro do quadro. Pollock parte do zero, do pingo de tinta que deixa cair na tela elabora uma obra de arte. Além de deixar de lado o cavalete, Pollock também não mais usa pincéis. A arte de Pollock combina a simplicidade com a pintura pura e suas obras de maiores dimensões possuem características monumentais. Com Pollock, há o auge da pintura de ação (action painting). A tensão ético-religiosa por ele vivida o impele aos pintores da Revolução mexicana. Sua esfera da arte é o inconsciente: seus signos são um prolongamento do seu interior. Morreu em um acidente de carro em 11ago1956.

Lista dos principais trabalhos
1942 "Male and Female" - Museu de Arte da Filadélfia e "Stenographic Figure" - Museu de Arte Moderna
1943 "Moon-Woman Cuts the Circle", "The She-Wolf" - Museu de Arte Moderna e "Blue (Moby Dick)" - Museu de Arte de Ohara
1946 "Eyes in the Heat" - Coleção Peggy Guggenheim, "The Key" - Instituto de Arte de Chicago, "The Tea Cup" - Coleção Frieder Burda e "Shimmering Substance", from "The Sounds In The Grass" - Muse de Arte Moderna
1947 "Full Fathom Five" - Museu de Neuberger, "Cathedral" e "Convergence"
1948 "Painting", "Number 8" e "Summertime: Number 9A" - Tate Modern
1950 "Lavender Mist: Number 1, 1950" - Galeria Nacional de Arte, "Autumn Rhythm: No.30, 1950" e "One: No. 31, 1950"
1951 "Number 7"
1952 "Blue Poles: No. 11, 1952"
1953 "Easter and the Totem" - Museu de Arte Moderna e "Ocean Greyness"

Em 2000, o ator Ed Harris dirigiu um filme sobre a vida do artista.

Giotto di Bondone

2011-08-26T17:54:00.000-03:00

Nasceu em Colle Vespignano, 1266 — Florença, 1337, pintor e arquiteto italiano. Nasceu perto de Florença, foi discípulo de Cinni di Pepo, mais conhecido na história da arte por seu apelido, Cimabue, e o introdutor da perspectiva na pintura, durante o renascimento.

Giotto é considerado por Bocaccio o precursor da pintura renascentista. Ele é considerado o elo entre o renascimento e a pintura medieval e a bizantina. A característica principal do seu trabalho é a identificação da figura dos santos como seres humanos de aparência comum. Esses santos com ar humanizado eram os mais importantes das cenas que pintava, ocupando sempre posição de destaque na pintura. Assim, a pintura de Giotto vem ao encontro de uma visão humanista do mundo, que vai cada vez mais se firmando até ao Renascimento. Giotto, forma diminutiva de Ambrogio ou Angiolo, não se sabe ao certo, adotou a linguagem visual dos escultores, procurando obter volume e altura realista nas figuras em suas obras. Comparando suas obras com as do seu mestre, elas são muito mais naturalistas, sendo Giotto o pioneiro na introdução do espaço tridimensional na pintura européia. Em seus trabalhos pela Itália, Giotto fez amizades com o Rei de Nápoles e Bocaccio, que o menciona em seu livro, Decameron.

O Papa Benedito XI quis empregar Giotto, que passaria então dez anos em Roma. Posteriormente, trabalharia para o Rei de Nápoles. Em 1320, ele retornou à Florença, onde chefiaria a construção da Catedral de Florença. Giotto morreu quando pintava "O Juízo Final" para a capela de Bargello, em Florença. Durante uma escavação na Igreja de Santa Reparata, em Florença, foram descobertos ossos na mesma área que Vasari tinha relatado como o túmulo de Giotto. Um exame forense parece ter confirmado que a ossada era mesmo de Giotto. Os ossos eram de um homem baixo, que pode ter sofrido de uma forma de nanismo. Isso apóia uma tradição da Igreja da Santa Cruz de que um anão que aparece em um dos afrescos é um auto-retrato de Giotto.

De acordo com o historiador Giorgio Vasari, ele teria começado a desenhar ainda com 8 anos, quando era um pastor de ovelhas, fazendo desenhos em rochas. O artista Cimabue, um dos maiores pintores da Toscana, junto com Duccio (em Siena), o teria visto desenhando uma ovelha e pediu ao pai de Giotto para levá-lo para ser o seu aprendiz. Posteriormente, Giotto teria pintado uma mosca no nariz de uma figura com tanta habilidade que seu mestre teria tentado afugentar o inseto várias vezes antes de perceber que se tratava de uma pintura.

Em 1280, Giotto foi com Cimabue para Roma onde havia uma escola de pintores de afrescos, onde o mais famoso era Pietro Cavallini. O famoso escultor florentino Arnolfo di Cambio, de quem Giotto se inspirou bastante em seus afrescos, também estava trabalhando em Roma. De Roma, Cimabue foi para Assis para pintar vários grandes afrescos na recém-construída Basílica de São Francisco de Assis. É possível, mas não certo, que Giotto tenha ido com ele. O primeiro trabalho importante de Giotto teria sido a série de afrescos que contam a vida de São Francisco no teto da Basílica.

Há, no entanto, dúvidas quanto à autoria da obra. Percebe-se a influência da pintura romana no trabalho de Giotto, assim como a influência do gótico francês, bem como da arte bizantina. A aparência realista das figuras causou controvérsia na época. A cena da Crucificação pintada em Florença mostra a clara distinção entre o trabalho de Giotto e o de seu mestre.

De acordo com Vasari, outra obra da fase inicial de Giotto foram os afrescos da Santa Maria Novella e o enorme crucifixo, também na mesma igreja, de 5 metros de altura. As obras foram datadas de 1290 e, portanto, contemporâneas aos afrescos de Assis. Em 1287, aos 20 anos, Giotto se casou e foi para Roma. Há poucos traços de sua presença na cidade. A Basílica de São João de Latrão tem uma pequena série de afrescos, pintados a pedido do Papa Bonifácio VIII. A fama de Giotto como pintor se espalhou. Ele foi chamado para trabalhar em Pádua e também em Rimini, onde somente um Crucifixo permanece no Templo Malatestiano. Esse trabalho influenciou a chamada Escola de Rimini, de Giovanni e Pietro da Rimini.

Ferdinand Victor Eugène Delacroix

2011-08-26T04:44:00.000-03:00

Nasceu em Saint-Maurice, 26abr1798 — Paris, 13ago1863, pintor francês do Romantismo. Delacroix é considerado o mais importante representante do romantismo francês. Na sua obra convergem a voluptuosidade de Rubens, o refinamento de Veronese, a expressividade cromática de Turner e o sentimento patético de seu grande amigo Géricault.

O pintor, que como poucos soube sublimar os sentimentos por meio da cor, escreveu: "…nem sempre a pintura precisa de um tema". E isso seria de vital importância para a pintura das primeiras vanguardas.

Delacroix nasceu numa família de grande prestigio social , e seu pai virou ministro da república. Alguns acreditam que seu pai natural teria sido na realidade o príncipe Talleyrand, seu mecenas. O fato é que Delacroix teve uma educação esmerada, que o transformou num erudito precoce: freqüentou grandes colégios de Paris, teve aulas de música no Conservatório e de pintura na Escola de Belas-Artes. Também aprendeu aquarela com o professor Soulier e trabalhou no ateliê do pintor Pierre-Narcisse Guérin, onde conheceu Géricault. Visitava quase todos os dias o Louvre, para estudar as obras de Rafael e Rubens.

Seu primeiro quadro foi A Barca de Dante — a obra deste escritor italiano foi um dos temas preferidos do romantismo. A tela lembra A Barca da Medusa, de Géricault, para quem o pintor havia posado. Algumas pessoas viram no artista um grande talento como o de Rubens e o as semelhanças de Michelangelo. Não tão apreciados da mesma maneira: O Massacre de Quios (1822), A Morte de Sardanápalo (1827) e A Tomada de Constantinopla pelos Cruzados (1840), baseadas em temas exóticos e históricos, de composições bem mais caóticas e de uma dramaticidade e simbolismo cromático incompreensíveis para a Academia.

Delacroix se interessou também pelos temas políticos do momento. Sentindo-se um pouco culpado pela sua pouca participação nos acontecimentos do país, pintou A Liberdade Guiando o Povo (1830), um quadro que o estado adquiriu e que foi exibido poucas vezes, por ter sido considerado excessivamente panfletário. O certo é que a bandeira francesa tremulando nas mãos de uma liberdade resoluta e destemida, prestes a saltar da tela, impressionou um número não pequeno de espectadores. Em 1833 Delacroix foi contratado para decorar o palácio do rei em Paris, o Palácio de Luxemburgo e a biblioteca de Saint-Sulpice. Nos seus últimos anos preferiu a solidão de seu ateliê.

Link para o arquivo de imagens das obras do artista:
http://www.4shared.com/file/JfA9xgWA/Ferdinand_Victor_Eugne_Delacro.html

Henri-Émile-Benoît Matisse

2011-08-26T04:07:00.000-03:00

Nasceu em Le Cateau-Cambrésis, 31dez1869 — Cimiez, 3nov1954, artista francês, conhecido por seu uso da cor e sua arte de desenhar fluida e original. Foi um desenhista, gravurista e escultor, mas é principalmente conhecido como um pintor. Matisse é considerado, juntamente com Picasso e Marcel Duchamp, como um dos três artistas seminais do século XX, responsável por uma evolução significativa na pintura e na escultura.

Embora fosse inicialmente rotulado de fauvista (besta selvagem), na década de 1920, ele foi cada vez mais aclamado como um defensor da tradição clássica na pintura francesa. Seu domínio da linguagem expressiva da cor e do desenho, exibido em um conjunto de obras ao longo de mais de meio século, valeram-lhe o reconhecimento como uma figura de liderança na arte moderna.

Henri-Émile-Benoît Matisse nasceu em Le Cateau-Cambrésis, Nord, França, e cresceu em Bohain-en-Vermandois, Picardia, França, onde seus pais possuíam um negócio de sementes. Ele era o seu primeiro filho. Em 1887, foi para Paris para estudar Direito, trabalhando como um administrador do tribunal de Le Cateau-Cambrésis depois de obter sua qualificação. Começou a pintar em 1889, quando sua mãe lhe trouxe o material necessário durante um período de convalescência após um ataque de apendicite. Ele descobriu "uma espécie de paraíso", como ele mais tarde descreveu, e decidiu tornar-se um artista, decepcionando profundamente seu pai. Em 1891, retornou a Paris para estudar arte na Academia Julian e tornou-se um aluno de William-Adolphe Bouguereau e Gustave Moreau. Inicialmente pintou naturezas-mortas e paisagens no tradicional estilo flamengo, no qual ele obteve proficiência razoável. Chardin foi um dos pintores mais admirados por Matisse. Como um estudante de arte, fez quatro cópias de pinturas de Chardin no Louvre. Em 1896, exibiu cinco pinturas no salão da Sociedade Nacional de Belas Artes e o estado comprou duas de suas pinturas. O resultado permitiu o contato com Auguste Rodin e Camille Pisarro. Em Luxemburgo, a partir de 1897, começa a se interessar pelo impressionismo. Em 1897 e 1898, visitou o pintor John Peter Russell na ilha Belle-Isle, na costa da Bretanha. Russell introduziu-o no impressionismo e mostrou-lhe o trabalho de Van Gogh (que tinha sido um bom amigo de Russell, mas era completamente desconhecido na época). O estilo de Matisse mudou completamente e ele diria mais tarde "Russell foi meu professor, e Russell explicou a teoria da cor para mim."

Matisse mergulhou no trabalho dos outros e endividou-se comprando trabalhos de muitos dos pintores que admirava. O trabalho que pendurou e exibiu em sua casa incluía um busto de gesso feito por Rodin, um quadro de Gauguin, um desenho de Van Gogh e o mais importante, Três Banhistas, de Cézanne. Na percepção de Cézanne da estrutura e cor pictóricas Matisse encontrou sua principal inspiração. Muitas de suas pinturas entre 1899 e 1905 fazem uso de uma técnica pontilhista adotada de Signac. Em 1898, foi para Londres para estudar a pintura de J. M. W. Turner e então partiu em uma viagem a Córsega. Com a modelo Caroline Joblau, ele teve uma filha, Marguerite, nascida em 1894. Em 1898 casou-se com Amélie Noellie Parayre; os dois educaram Margarida juntos e tiveram dois filhos, Jean (nascido em 1899) e Pierre (nascido em 1900).

Marguerite frequentemente serviu como modelo para Matisse. Em uma semana de passeio a Londres, conheceu a pintura de William Turner, que também viria a influenciá-lo, após conselho de Camille Pissarro. Ele expôs em 1901 no Salão dos Independentes e participa pela primeira vez do Salão de Outono em 1903. Em exposição realizada em 1904 em Ambroise Vollard não obteve grande sucesso.

No ano seguinte, juntamente com o grupo, expôs no salão de Paris, desta vez o grupo foi reconhecido como os fauves e Matisse como líder. Outra parte do público ficou escandalizada com as cores violentas e puras de suas obras. Várias viagens, que seriam inspiradoras, foram feitas neste período. Ele visitou Argélia, Itália, Alemanha, Marrocos, Rússia, Estados Unidos e Taiti.

Desde 1904, Matisse trabalhou parte de cada ano no sul em Saint-Tropez e Collioure e mais tarde na Espanha e em Marrocos. Em 1908 fundou a Academia Matisse para uma seleção cosmopolita de estudantes e publicou "Notas de um Pintor" onde estavam suas crenças artísticas.
A academia foi paralisada em 1911. Entre 1913 e 1917, fase que ele considerou mais importante, sua pintura era um pouco austera, com linhas retas e formas geométricas. Depois seu estilo ficou mais solto, figuras femininas e o interior foram seus principais temas, trabalhados em estilo livre e com cores decorativas. Em 1916 e 1917, passou os invernos em Nice e depois decidiu ficar em Côte d'Azur, que ele considerou um paraíso, conforme está descrito em seus quadros.

Matisse conseguiu reputação internacional com exibições em Moscou, Berlim, Munique e Londres. Em 1913, expôs em Nova Iorque ao lado de Marcel Duchamp e Francis Picabia, como representantes de uma precursora arte moderna. Em 1919, recebeu atribuições de Ígor Stravinski e Serguei Diaguilev para desenhar os costumes e cenários de um balé apresentado em Londres. Em 1927, organizou uma retrospectiva em Nova Iorque. De volta a Paris, trabalha na ilustração de um romance de James Joyce, Ulisses, aos quais deu as cores dos costumes dos balés russos de Monte Carlo. Em 1941, adoentado por um câncer, foi hospitalizado em Lyon, onde os médicos deram a ele seis meses de vida. Sem poder viajar, utilizou experiências recolhidas em suas viagens para aperfeiçoar sua originalidade.

Sua enfermeira, Monique Bourgeois, aceitou ser sua modelo. Nesse período, Matisse inventou a técnica de "desenho com tesoura", quando também implementou da série Jazz. Em Vence, comuna da região de Provence-Alpes-Côte d'Azur e onde viveu já doente, trocou cerca de 1200 cartas com o escritor francês André Rouveyre. Em 1945, fez uma grande retrospectiva no Salão de Outono, quando realizou trabalhos com tapeçaria inspirado pelo céu e mar da Polinésia Francesa. Em 1952, inaugurou um museu em sua cidade natal. Seu trabalho A tristeza do rei foi último autoretrato. Matisse foi sepultado no cemitério de Cimiez.

Matisse foi influenciado pelas obras de Nicolas Poussin, Antoine Watteau, Jean-Baptiste-Siméon Chardin, Edouard Manet, e os pós-impressionistas Cézanne, Gauguin, Van Gogh e Signac, e também por Auguste Rodin e pela arte japonesa. O movimento entre a pintura e a escultura relaxava o artista. Sua escultura era uma extensão da sua pintura, sua admissão pela arte primitiva estava mais aparente. Em alguns trabalhos ele explora o sólido, aspectos estruturais do corpo com um certo exagero a fim de alcançar uma clara expressão da forma. Apesar de nunca ter se juntado aos Cubistas, sofreu algumas influências deste grupo. Matisse, como outros artistas do movimento, rejeitava a luminosidade impressionista, e usava a cor como fator principal da pintura, levando-a às últimas consequências. Conhecido e reconhecido por sua vivacidade, as cores de Matisse continuaram mesmo após a sua morte, tanto que Les coucous, tapis bleu et rose foi avaliada em 32 milhões de euros. Argan dizia que a arte de Matisse era feita para decorar a vida dos homens. Foi considerado o artista do século em que viveu. Em suas pinturas gostava de motivos repetitivos, usava formas curvas e cores variadas. Este inventou também a técnica do "desenho com tesoura". Matisse começou com cores vibrantes e depois voltou-se para Cézanne, o qual admirava pelo estilo. Matisse pensava que os artistas tinham que ter olhos de criança, sempre olhar como se fosse a primeira vez. Segundo Régine Pernoud, Matisse "era um artista no sentido medieval do termo. Seu trabalho era muito simples, escolhido para exprimir o que ele mesmo sentia. Era um trabalhador sem obstinação. Em seus cadernos de trabalho, várias páginas têm apenas alguns riscos. (...) Finalmente, esses traços, reconhecíveis por todos, mostram de maneira evidente sua significação, o resultado de muitas horas de trabalho". Pablo Picasso o considerou seu maior rival, embora fosse seu amigo.

Principais obras
A tela Banhistas na margem de um rio do Instituto de Arte de Chicago foi considerada por Matisse a sua tela mais importante e que ele aperfeiçoou várias vezes.
Em Flores e Prato de Cerâmica, de 1913, o prato azulado flutua sobre flores que caem de um vaso.
Em Retrato de Yvonne Landsberg raspou arcos brancos em torno do "retrato" para marcar um aspecto ligeiramente ameaçador ao tema.
Bouquet pour le 14 juillet 1919

Link para o arquivo de imagens da produção artística:
http://www.4shared.com/file/qmrNXQAH/Henri_Matisse.html

Wassily Kandinsky

2011-08-26T03:07:00.000-03:00

Nasceu em Moscou, 4dez1866 — Neuilly-sur-Seine, 13dez1944, artista russo, professor da Bauhaus e introdutor da abstração no campo das artes visuais. Apesar da origem russa, adquiriu a nacionalidade francesa.

Fuga, Kandinsky, 1914, óleo sobre tela
A criação de Kandinsky de trabalhos puramente abstratos seguiu um longo período de intenso desenvolvimento e amadurecimento do pensamento teórico baseado nas suas experiências pessoais artísticas. Chamou a esta devoção como beleza interior, fervor de espírito e uma necessidade funda de desejo espiritual, que foi o aspecto principal da sua arte. Kandinsky aprendeu através de diversos recursos durante a sua juventude em Moscovo. Mais tarde na sua vida ele seria lembrado como sendo fascinado e raramente estimulado pela cor como uma criança. O fascínio pelo simbolismo e psicologia da cor continuaram durante o seu crescimento, apesar de parecer nunca ter estudado arte. Em “Looks on the Past” ele relata que as casas e as igrejas eram decoradas com cores tão brilhantes que, uma vez lá dentro, teve a impressão de se estar a mover dentro de uma tela pintada. A experiência e o seu estudo sobre a arte do povo na região, em particular o uso de cores brilhantes sobre fundo negro, refletiu-se nos seus trabalhos mais recentes. Anos mais tarde, ele relacionou o ato de pintar para criar música na maneira que mais tarde viesse a ser mais reconhecido e escreveu “As cores são a chave, os olhos o machado, a alma é o piano com as cordas”. Ele foi similarmente influenciado durante este período pela ópera de Richard Wagner Lohengrin com a qual ele sentiu que quebrou os limites da música e da melodia além do lirismo tradicional. Kandinsky foi igualmente espiritualmente influenciado por Helena Petrovna Blavatsky (1831- 1891), o mais importante exponente da Teosofia nos tempos modernos. A teoria teosófica solicitou que a criação é uma proporção geométrica, começando num único ponto. O aspecto criativo das formas é expressado por uma série descendente de círculos, triângulos e quadrados. Os livros de Kandinsky ecoam estes princípios básicos teosóficos.

Moscovo I, Kandinky, 1916, óleo sobre tela
Kandinsky também escreveu poemas brilhantes, abstratos, que fazem referência a cores e linhas, tais quais surgiam na percepção do artista. Sendo eminentemente vanguardistas, no entanto, seus poemas diferem de tudo quanto foi produzido por qualquer "ismo" em literatura ou poeta vanguardista conhecido, inclusive do trabalho poético de outros artistas predominantemente plásticos, tais como Picasso e Hans Arp, que tenderam a aderir, na escrita, a alguma vanguarda poética conhecida, como o Surrealismo.

Em constante contato com os artistas da vanguarda, passa a lecionar na Bauhaus até 1933 quando a escola é fechada pelo governo nazista. Muda-se para Paris e aí viveu até o fim de sua vida. Faleceu em Neuilly-sur-Seine em 1944. Desenvolveu a arte abstrata até o final de sua vida. Junto a Piet Mondrian e Kasimir Malevich, Wassily Kandinsky faz parte do "trio sagrado" da abstração, sendo o mais famoso.

Amedeo Clemente Modigliani

2011-08-26T02:49:00.000-03:00

Nasceu em Livorno, 12jul1884 — Paris, 24jan1920, artista plástico e escultor italiano que viveu em Paris. Um artista principalmente figurativo, ele se tornou conhecido por pinturas e esculturas em estilo moderno caracterizado por faces mascara e alongamento da forma. Morreu de meningite tuberculosa, agravada pela pobreza, excesso de trabalho, alcool e drogas (haxixe).

Modigliani nasceu em uma família judia, em Livorno, Itália. A cidade portuária, Livorno, por muito tempo serviu de refúgio para os perseguidos devido sua religião e era o lar de uma grande comunidade judaica. Seu avô materno, Solomon Garsin, tinha emigrado para Livorno no século 18 como um refugiado. Modigliani foi o quarto filho de Flaminio Modigliani e sua esposa francesa, Eugenia Garsin. Seu pai era um cambista, mas quando seu negócio faliu, a família começou a viver na pobreza. O nascimento de Amedeo salvou a família da ruína, pois de acordo com uma lei antiga, os credores não podiam tomar a cama de uma mulher grávida ou de uma mãe com um filho recém-nascido. Os oficiais de justiça entraram na casa da família, justamente quando Eugenia entrou em trabalho de parto. A família então protegeu seus pertences mais valiosos colocando-os em cima dela.

Modigliani teve uma estreita relação com sua mãe, que deu-lhe aulas até ele completar dez anos.
Na infância, sofreu de diversas doenças graves: pleurisia, tifo e tuberculose, o que comprometeu sua saúde pelo resto da vida - mas cujo tratamento forçava-o a constantes viagens e grande intercâmbio cultural até a mudança definitiva a Paris, em 1906. É conhecido por ter começado a desenhar e pintar precocemente, antes mesmo dos estudos habituais. Aos quatorze anos, durante uma crise de febre tifóide, ele delirava e em seus delírios, falava que queria acima de tudo ver as pinturas no Palazo Pitti e Uffizi, em Florença. Sua mãe então prometeu a ele que assim que recuperado, o levaria a Florença. Ela não só cumpriu a promessa como o matriculou com o melhor mestre de pintura em Livorno: Guglielmo Micheli.

Como outros pintores e artistas, viveu a experiência da extrema pobreza. Por meio dos companheiros de arte, conheceu o poeta polaco Leopold Zborowski, que se tornaria seu melhor e mais devotado amigo, além de incentivador e marchand. Em 1917, Zborowski consegue para Modigliani uma exposição individual na galeria Weil. A exposição durou apenas um dia, pois se transformou num escândalo graças aos nus expostos na vitrine da galeria.

A grande musa de Amedeo foi Jeanne Hébuterne, com quem teve uma filha, Jeanne, em 1918. Complicações na saúde fazem o pintor viajar para o sul da França com a esposa e a filha, a fim de recuperar-se. Retorna a Paris ao final de 1918. Na noite de 24jan1920, aos 36 anos, Modigliani morre de tuberculose, agravada pelo consumo excessivo de álcool e drogas (haxixe). Foi sepultado no célebre Cemitério do Père-Lachaise. No dia seguinte à morte do pintor, sua esposa Jeanne, grávida de nove meses, suicidou-se ao atirar-se do quinto andar de um edifício.

Modigliani - Un film di Mick Davis. Con Andy Garcia, Elsa Zylberstein, Omid Djalili, Susie Amy, Peter Capaldi, Beatrice Chiriac. USA 2004

Link para arquivo de imagens das obras do artista:
http://www.4shared.com/file/MpLHJs5D/Amedeo_Clemente_Modigliani.html

Édouard Manet

2011-08-26T02:01:00.000-03:00

Nasceu em Paris, 23jan1832 — 30abr1883, pintor e artista gráfico francês e uma das figuras mais importantes da arte do século XIX. Os gostos de Manet não vão para os tons fortes utilizados na nova estética impressionista.

Prefere os jogos de luz e de sombra, restituindo ao nu a sua crueza e a sua verdade, muito diferente dos nus adocicados da época. O trabalhado das texturas é apenas sugerido, as formas, simplificadas. Os temas deixaram de ser impessoais ou alegóricos, passando a traduzir a vida da época, e, em certos quadros, seguiam a estética naturalista de Zola e Maupassant.

Manet era criticado não apenas pelos temas, mas também por sua técnica, que escapava às convenções acadêmicas. Freqüentemente inspirado pelos mestres clássicos e em particular pelos espanhóis do Século de Ouro, Manet influenciou, entretanto, certos precursores do impressionismo, em virtude da pureza de sua abordagem. A esta sua liberação das associações literárias tradicionais, cômicas ou moralistas, com a pintura, deve o fato de ser considerado um dos fundadores da arte moderna. Suas principais obras foram: Almoço na relva ou Almoço no Campo, Olímpia, A sacada, O tocador de pífaro e A execução de Maximiliano.

Manet era um jovem amigável e sociável. Quando começou a fazer sucesso foi prontamente aceito em círculos de intelectuais e aristocratas parisienses. Frequentava assiduamente os Jardins das Tulherias (Jardin des Tuileries em francês) com a presença constante de seu amigo, Baudelaire, local que serviu de inspiração para a obra A música na Tulherias de 1862. A obra A música na Tulherias marca o seu rompimento com o realismo em sua primeira obra impressionista. Há a presença de pessoas bem próximas a Manet retratadas nesta obra, entre elas Baudelaire e Eugène Manet, seu irmão). Baudelaire e Manet já se conheciam desde 1858, mas tornaram-se grandes amigos tempos depois. A partir de 1863 surgiu o Salão dos Recusados, onde quadros que não entravam no salão oficial poderiam ser expostos ali. Manet expôs neste salão de 1863 três quadros: "Victorine Mereunt em costume de toureiro", "Rapaz em costume espanhol" e "Almoço na relva". O quadro "Almoço na Relva" foi um escândalo para a época pela nudez que alguns acharam vulgar, ele trazia dois homens vestidos e uma mulher nua. Suzanne Leenhoff (sua mulher) e Victorine Meurent (sua modelo preferida) posaram para a composição da mulher nua, sendo o corpo de Suzanne e o rosto de Victorine. "Olympia", pintada em 1863 mas só apresentada ao público em 1865, causou reações contrárias mais fortes do que "Almoço na relva". Era um retrato de uma jovem prostituta nua e havia uma referência audaciosa à obra de Ticiano (Vênus de Urbino). A modelo novamente foi Victorine Meurent retratada nua e aos seus pés um gato negro ao invés de um cachorro como no quadro de Ticiano. Em uma atmosfera erótica havia também falta de perspectiva (técnica onde se vê o tamanho certo dos objetos em relação a distância).

Neste mesmo ano o pai de Manet morreria e ele acabaria se casando com Suzanne Leenhoff pouco após a morte dele. Suzanne foi retratada em muitos quadros de Manet entre eles "A ninfa surpresa" (de 1861), "A leitura" (de 1865) e "Suzanne Manet em seu piano" (de 1867). Manet tinha tido um filho com Suzanne, Léon Leenhoff, mas jamais reconheceu sua paternidade. Léon também posaria para vários quadros entre sua infância e adolescência, entre eles "As bolas de sabão" (de 1867) e "O almoço no Ateliê" (de 1868). Este último presente na exposição do Salão de Paris de 1869. No ano de 1867, "O tocador de Pífaro" foi recusado no Salão Oficial de Paris. Fato que fez com que Émile Zola escrevesse uma artigo no L’Événement defendendo a tela (Zola seria retratado por Manet em 1868, quadro que foi aceito no Salão do mesmo ano). No ano seguinte, 1867, após ser excluído do Salão Internacional, promoveu com seu próprio dinheiro uma exposição de suas obras, mas, sem sucesso de público, a exposição foi um fracasso.

No mesmo ano ele pintou "A execução de Maximiliano", uma obra de indignação em relação à morte de Maximiliano de Habsburgo abandonado por Napoleão III no México. Manet trabalhou mais de um ano na produção de uma grande tela histórica e comemorativa. O resultado é claramente inspirado em "Três de Maio" de Goya mas com um resultado totalmente diferente. Em 1868, Manet entraria para o Salão Oficial com "Retrato de Émile Zola" e "Mulher com papagaio". A partir deste ano, ele passaria seus verões em Boulogne-sur-Mer, cidade litorânea francesa da região de Pas-de-Calais. Lá ele realizaria algumas marinhas entre outras como "Clarão da lua sobre o porto de Boulogne" e a "Partida do Vapor Flokestone" ambas de 1869. No salão de 1869, colocou duas obras no Salão Oficial: "O balcão" e "Almoço no Ateliê". "O Balcão" que não foram bem recebidos pelos críticos pela sua falta de perspectiva. Neste quadro aparece a figura de Berthe Morisot, jovem pintora que ao conhecer Manet no Louvre tornou-se uma grande amiga e acabou sendo retratada em vários de seus quadros. Berthe acabou casando-se posteriormente com o irmão de Manet, Eugène. Entre os quadros mais famosos em que Berthe foi modelo estão o "Berthe Morisot de Chapéu Preto" e "Retrato de Berthe Morisot reclinada" ambos de 1872, além de "O balcão". Em 1870, com a guerra franco-prussiana, Manet levou sua família a fronteira da Espanha e alistou-se na Guarda Nacional. Ele passou o ano de 1874 em Bennevilliers perto de Argenteuil onde seus amigos Monet e Renoir estavam na maior parte do tempo pintando ao ar livre. Ao visitar Monet em Argenteuil, Manet e ele sairam de barco pelo rio Sena para pintar. Desta época entrou para o salão de 1875 seu quadro "Monet em seu barco estúdio". Em 1876, Manet faria uma exposição particular com muito sucesso. No ano de 1881, Manet ganharia o direito de participar permanentemente do Salão Oficial sem julgamento prévio. Em 1882 Manet apresentou seu último quadro pintado "Bar em Folies-Bergère" no Salão de Paris. Manet contraiu sífilis o que lhe causou muitas dores e paralisia parcial. Em 1883, Manet tem a perna esquerda amputada devido a gangrena e morreu dias após. Ele tinha 51 anos quando morreu e está enterrado no cemitério de Passy em Paris.

Paul Cézanne

2011-08-26T01:32:00.000-03:00

Nasceu em Aix-en-Provence, 19jan1839 — 22out1906, pintor pós-impressionista francês, cujo trabalho forneceu as bases da transição das concepções do fazer artístico do século XIX para a arte radicalmente inovadora do século XX. Cézanne pode ser considerado como a ponte entre o impressionismo do final do século XIX e o cubismo do início do século XX. A frase atribuída a Matisse e a Picasso, de que Cézanne "é o pai de todos nós", deve ser levada em conta.

Após uma fase inicial dedicada aos temas dramáticos e grandiloquentes próprios da escola romântica, Paul Cézanne criou um estilo próprio, influenciado por Delacroix. Introduziu nas suas obras distorções formais e alterações de perspectiva em benefício da composição ou para ressaltar o volume e peso dos objetos. Concebeu a cor de um modo sem precedentes, definindo diferentes volumes que foram essenciais para suas composições únicas.

Cézanne não se subordinava às leis da perspectiva. E sim, as modificava. A sua concepção da composição era arquitectônica; segundo as suas próprias palavras, o seu próprio estilo consistia em ver a natureza segundo as suas formas fundamentais: a esfera, o cilindro e o cone. Cézanne preocupava-se mais com a captação destas formas do que com a representação do ambiente atmosférico. Não é difícil ver nesta atitude uma reação de carácter intelectual contra o gozo puramente colorido do impressionismo.

Sobre ele, Renoir escreveu, rebatendo o crítico de arte Castagnary: Eu me enfureço ao pensar que ele Castagnary não entendeu que Uma Moderna Olympia, de Cézanne, era uma obra prima clássica, mais próxima de Giorgione que de Claude Monet, e que diante dele estava um pintor já fora do Impressionismo.

Cézanne cultivava sobretudo a paisagem e a representação de naturezas mortas, mas também pintou figuras humanas em grupo e retratos. Antes de começar as suas paisagens estudava-as e analisava os seus valores plásticos, reduzindo-as depois a diferentes volumes e planos que traçava à base de pinceladas paralelas. Árvores, casas e demais elementos da paisagem subordinam-se à unidade de composição. As suas paisagens são sutilmente geométricas. Cézanne pintou sobretudo a sua Provença natal (O Golfo de Marselha e as célebres versões sucessivas de O Monte de Sainte-Victoire).

Nas suas numerosas naturezas mortas, tipicamente compostas por maçãs, levava a cabo uma exploração formal exaustiva que é a terra fecunda de onde surgirá o cubismo poucos anos mais tarde. Entre as representações de grupos humanos, são muito apreciadas as suas cinco versões de Os Jogadores de Cartas. A Mulher com Cafeteira, pela sua estrutura monumental e serena, marca o grande momento classicista de Cézanne.

Francisco José de Goya y Lucientes

2011-08-26T00:45:00.001-03:00

Nasceu em Fuendetodos, Saragoça, 30mar1746 — Bordéus, França, 15abr1828 pintor e gravador espanhol. Conhecido como "Goya, o Turbulento" e considerado às vezes como "o Shakespeare do pincel", suas produções artísticas incluem uma ampla variedade representativa de retratos, paisagens, cenas mitológicas, tragédia, comédia, sátira, farsa, homens, deuses e demônios, feiticeiros, e um pouco do obsceno. O sono da razão produz monstros.

La maja desnuda / La maja vestida

Obras
1777 - Riña en el Mesón del Gallo e El paseo por Andalucía
1778 - La cometa
1786 - La nevada
1786-1787 - Cazador junto a una fuente e La vendimia
(1789 - Carlos IV de vermelho
1795 - La Duquesa de Alba y la dueña ou La Duquesa de Alba y la "beata"
1799 - Los caprichos
1810-1820 - Los desastres de la guerra
1814 - Los fusilamientos del tres de mayo e Tres de mayo de 1808 en Madrid ou La carga de los mamelucos
1815 - Los disparates
Saturno devorando a un hijo
El Aquelarre

Filmes
Sombras de Goya, de Milos Forman - 2006
Goya, de Carlos Saura - 1999

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez

2011-08-25T18:19:00.000-03:00

Nasceu em Sevilha, 6jun1599 — Madrid, 6ago1660, pintor espanhol e principal artista da corte do Rei Filipe IV de Espanha. Era um artista individualista do período barroco contemporâneo, importante como um retratista. Além de inúmeras interpretações de cenas de significado histórico e cultural, pintou inúmeros retratos da família real espanhola, outras notáveis figuras europeias e plebeus, culminando na produção de sua obra-prima, Las Meninas (1656).

Desde o primeiro quarto do século XIX, a obra de Velázquez foi um modelo para os pintores realistas e impressionistas, em especial Édouard Manet que chegou a afirmar que Velázquez era o "pintor dos pintores". Desde essa época, os artistas mais modernos, incluindo os espanhóis Pablo Picasso e Salvador Dalí, bem como o pintor anglo-irlandês Francis Bacon, que homenageou Velázquez recriando várias de suas obras mais famosas. A grande maioria dos seus quadros estão no Museu do Prado.

Obras
As Meninas(1656) - obra-prima de Velázquez em que aparece a infanta Margarida, suas damas de honra e o próprio pintor
Vénus ao Espelho(1647-1651)
Retrato do Papa Inocêncio X(1650) exposto na Galeria Doria Pamphilj
Retrato de Filipe IV
Retrato do Conde-Duque de Olivares
Infanta Margarida da Áustria
Juan Martínez Montañéz
Cristo na casa de Marta e Maria (1618)
A forja de Vulcano (1630)
O Príncipe Baltasar Carlos com seu anão (1631)
A rendição de Breda (1634-1645)
Isabel de Bourbon
A Coroação da Virgem
Os bebedores (1628-1821) - também conhecido como os "borrachos" ou "O triunfo de Baco"
As Fiandeiras
Dona Maria da Áustria, rainha da Hungria
O Bobo da Corte Sebastián Morra
Santa Rufina

Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec Monfa

2011-08-25T17:53:00.000-03:00

Nasceu em Albi, 24nov1864 — Saint-André-du-Bois, 9set1901, pintor pós-impressionista e litógrafo francês, conhecido por pintar a vida boêmia de Paris do final do século XIX. Sendo ele mesmo um boêmio, faleceu precocemente aos 36 anos de sífilis e alcoolismo. Trabalhou por menos de vinte anos mas deixou um legado artístico importantíssimo, tanto no que se refere à qualidade e quantidade de suas obras, como também no que se refere à popularização e comercialização da arte. Toulouse-Lautrec revolucionou o design gráfico dos cartazes publicitários, ajudando a definir o estilo que seria posteriormente conhecido como Art Nouveau.

Nascido na nobreza francesa, possuía uma linha de ancestrais de nomes aristocráticos. Seu pai era o Conde Alphonse de Toulouse-Lautrec-Monfa, Alf para os amigos, e sua mãe Adéle Tapié de Céleyran. Queriam seus pais que o filho seguisse com esmero o mesmo caminho nobre de toda a sua família, tanto materna quanto paterna. Toulouse-Lautrec sofria de uma doença desconhecida em sua época. Certamente uma distrofia poli-hipofisária, que é um desenvolvimento insuficiente de certos tecidos ósseos. Sofreu dois acidentes em sua juventude, fraturando o fêmur esquerdo aos doze anos e o direito aos quatorze anos. Os ossos mal soldados pararam de crescer e fizeram com que Henri não ultrapassasse a altura de 1,52 m, tornando-se um homem com corpo de adulto, mas com pernas curtas de menino. Porém, o jovem não se deixou abater por tal infortúnio. Em seus longos períodos de cama, Toulouse-Lautrec fazia desenhos e pintava aquarelas, abrindo espaço para seu incrível talento que ainda se desfraldaria. Aos dezesseis anos foi estudar pintura com Léon Bonnat, professor rígido que não o agradava. Logo depois foi estudar com Fernand Cormon, cujo estúdio ficava nas ladeiras suburbanas de Montmartre, em Paris. É lá que Lautrec descobriu a inspiração que lhe faltava. Mudou-se para aquele bairro de má fama e encontrou seu lugar entre trabalhadores, prostitutas e artistas de caráter duvidoso. Começava sua nova vida.

Link para imagens das produções artísticas:
Eugène-Henri-Paul GAUGUIN.pptx

Frequentador assíduo do Moulin Rouge e outros cabarés, o pequeno nobre acaba se acomodando muito bem naquele ambiente tão estranho que seus pais nunca aceitaram em ter o filho. O tema principal das pinturas de Toulouse-Lautrec era a vida boêmia parisiense, que ele representava através de um desenho que lembra a espontaneidade do desenho satírico de Honoré Daumier, e uma composição dinâmica que poderia ter sido influenciada pela fotografia e as gravuras japonesas, dois fatores de grande importância cultural no fim do século XIX. Era atraído por Montmartre, uma área de Paris famosa pela boemia e por ser antro de artistas, escritores, filósofos. Escondido no coração de Montmartre estava o jardim de Pere Foret onde Toulouse-Lautrec pintou uma série de óleos sobre tela ao ar livre de Carmen Gaudin (a modelo ruiva que aparece no quadro "A Lavadeira" de 1888). Quando o cabaré Moulin Rouge abriu as portas ali perto, Toulouse-Lautrec foi contratado para fazer cartazes. Posteriormente ele passou a ter assento cativo no cabaré, onde suas pinturas eram expostas. Nos muitos conhecidos trabalhos que ele fez para o Moulin Rouge e outras casas noturnas parisienses estão retratadas a cantora Yvette Guilbert, a dançarina Louise Weber, mais conhecida como a louca e cativante La Goulue("A Gulosa"), a qual criou o cancan francês, e também a mais discreta dançarina Jane Avril.

A invenção do coquetel "Terremoto" (Tremblement de Terre) é atribuída à Toulouse-Lautrec. É uma mistura potente de 1/2 parte de absinto e 1/2 parte de conhaque, servido em copo de vinho sobre cubos de gelo ou batido com gelo em coqueteleira.

Testemunha da vida noturna de Montmartre, Henri não apenas faz pinturas, como também cartazes promocionais dos cabarés e teatros, fazendo-se presente na revolução da publicidade do século XIX, onde a arte deixa de ser patrocinada e financiada apenas pela Igreja e os nobres, para ser comprada e utilizada pelo comércio crescente gerado pela revolução industrial. O cartaz litográfico colorido é uma nova ferramenta de divulgação de locais de lazer parisienses. Trilhando o caminho de Jules Chéret, assim como Alfons Mucha, Toulouse-Lautrec revolucionou o design gráfico dos cartazes, definindo o estilo que seria conhecido como Art Nouveau.
O dom artístico de Lautrec é bastante reconhecido, tanto pelos seus amigos da classe baixa quanto por críticos de arte. Participa do Salão dos Independentes em Paris, da exposição dos Vinte e das galerias de Boussod e Valadin.

Psicopictografia do Comandante das naves interplanetárias Ashtar Sheran (São Miguel Arcanjo) por Toulouse-Lautrec através Germano Rehder. Sessão realizada dia 1 de julho no Espaço Vida & Consciência Rio.

Eugène-Henri-Paul GAUGUIN

2011-08-25T17:08:00.000-03:00

Nasceu em Paris, 7jun1848 - Ilhas Marquesas, 8mai1903, pintor francês do pós-impressionismo. Apesar de nascido em Paris, Gauguin viveu os primeiros sete anos de sua vida em Lima, no Peru, para onde seus pais se mudaram após a chegada de Napoleão III ao poder. Seu pai pretendia trabalhar em um jornal da capital peruana e foi o idealizador da viagem. Porém, durante a longa e terrível viagem de navio acabou por ter complicações de saúde e faleceu. Assim, o futuro pintor desembarcou em Lima apenas com sua mãe e irmã.

Quando voltou para seu país natal, em 1855, Gauguin estudou em Orléans e, aos 17 anos, ingressou na marinha mercante e correu o mundo. Trabalhou em seguida numa corretora de valores parisiense e, em 1873, casou-se com a dinamarquesa Mette Sophie Gad, com quem teve cinco filhos.
Aos 35 anos, após a quebra da Bolsa de Paris, tomou a decisão mais importante de sua vida: dedicar-se totalmente à pintura. Começou assim uma vida de viagens e boémia, que resultou numa produção artística singular e determinante das vanguardas do século XX. Ao contrário de muitos pintores, não se incorporou ao movimento impressionista da época. Expôs pela primeira vez em 1876. Mas não seria uma vida fácil, tendo atravessado dificuldades econômicas, problemas conjugais, privações e doenças. Foi então para Copenhagen, onde acabou ocorrendo o rompimento de seu casamento.

Sua obra, longe de poder ser enquadrada em algum movimento, foi tão singular como as de Van Gogh ou Paul Cézanne. Apesar disso, teve seguidores e pode ser considerado o fundador do grupo Les Nabis, que, mais do que um conceito artístico, representava uma forma de pensar a pintura como filosofia de vida.

Suas primeiras obras tentavam captar a simplicidade da vida no campo, algo que ele consegue com a aplicação arbitrária das cores, em oposição a qualquer naturalismo, como demonstra o seu famoso Cristo Amarelo. As cores se estendem planas e puras sobre a superfície, quase decorativamente. O pintor parte para o Taiti em busca de novos temas e para se libertar dos condicionamentos da Europa. Suas telas surgem carregadas da iconografia exótica do lugar, e não faltam cenas que mostram um erotismo natural, fruto, segundo conhecidos do pintor, de sua paixão pelas nativas. A cor adquire mais preponderância representada pelos vermelhos intensos, amarelos, verdes e violetas.

Morou durante algum tempo em Pont-Aven, na Bretanha, onde sua arte amadureceu. Posteriormente, morou no sul da França, onde conviveu com Vincent Van Gogh. Numa viagem à Martinica, em 1887, Gauguin passou a renegar o impressionismo e a empreender o "retorno ao princípio", ou seja, à arte primitivista. Tinha idéia de voltar ao Taiti, porém não dispunha de recursos financeiros. Com o auxílio de amigos, também artistas, organizou um grande leilão de suas obras.
Colocou à venda cerca de 40 peças. A maioria foi comprada pelos próprios amigos de Gauguin, como por exemplo Theo Van Gogh, irmão de Vincent van Gogh, que trabalhava para a Casa Goupil (importante estabelecimento que trabalhava com obras de arte).

Mesmo conseguindo menos de 3 mil francos, em meados de 1891 regressou ao Taiti, onde pintou cerca de uma centena de quadros sobre tipos indígenas, como "Vahiné no te tiare" a("A moça com a flor") e "Mulheres de Taiti", além de executar inúmeras esculturas e escrever um livro, Noa noa.
Quando voltou a Paris, realizou uma exposição individual na galeria de Durand-Ruel, voltou ao Taiti, mas fixou-se definitivamente na ilha Dominique. Nessa fase, criou algumas de suas obras mais importantes, como "De onde viemos? O que somos? Para onde vamos?", uma tela enorme que sintetiza toda a sua pintura, realizada antes de uma frustrada tentativa de suicídio utilizando arsênio. Em setembro de 1901, transferiu-se para a ilha Hiva Oa, uma das Ilhas Marquesas, onde veio a falecer de sífilis.

Link para arquivos de imagens do artista:
http://www.4shared.com/file/I88Xq5nj/Eugne-Henri-Paul_GAUGUIN.html

REMBRANDT Harmenszoon van Rijn

2011-08-25T16:14:00.000-03:00

Nasce em Leida, 15jul1606 — Amsterdam, 4out1669, pintor e gravador neerlandês. É geralmente considerado um dos maiores nomes da história da arte européia e o mais importante da história neerlandesa. Suas contribuições à arte surgiram em um período denominado pelos historiadores de "Século de Ouro dos Países Baixos", na qual a influência política, a ciência, o comércio e a cultura neerlandesa—particularmente a pintura—atingiram seu ápice.

Tendo alcançado sucesso na juventude como um pintor de retratos, seus últimos anos foram marcados por uma tragédia pessoal e dificuldades financeiras. No entanto, suas gravuras e pinturas foram populares em toda a sua vida e sua reputação como um artista manteve-se elevada, e por vinte anos ele ensinou quase todos os importantes pintores neerlandeses. Os maiores triunfos criativos de Rembrandt são exemplificados especialmente nos retratos de seus contemporâneos, autorretratos e ilustrações de cenas da Bíblia. Seus autorretratos formam uma biografia singular e intimista em que o artista pesquisou a si mesmo sem vaidade e com a máxima sinceridade.

Tanto na pintura como na gravura, ele expõe um conhecimento completo da iconografia clássica, que ele moldou para se adequar às exigências da sua própria experiência; assim, a representação de uma cena bíblica era baseada no conhecimento de Rembrandt sobre o texto específico, na sua assimilação da composição clássica, e em suas observações da população judaica de Amsterdã. Devido a sua empatia pela condição humana, ele foi chamado de "um dos grandes profetas da civilização".

Sabe-se muito bem que Rembrandt tinha um enorme estúdio e muitos alunos. Sua fama era tanta que muitos homens de posses visitavam Amsterdã a fim de comprar uma de suas obras. A lista de alunos de Rembrandt, tanto de Amsterdã, quanto de Leida é bastante extensa, principalmente porque não se sabe se todos foram alunos do mestre ou se foram alunos de algum de seus pupilos, que copiavam sua técnica, devido a sua vasta influência. Uma breve lista: Ferdinand Bol, Adriaen Brouwer, Gerrit Dou, Willem Drost, Heiman Dullaart, Gerbrand van den Eeckhout, Carel Fabritius, Govert Flinck, Hendrick Fromantiou, Arent de Gelder, Samuel Dirksz van Hoogstraten, Abraham Janssens, Godfrey Kneller, Philip de Koninck, Jacob Levecq, Nicolaes Maes, Jürgen Ovens, Christopher Paudiß, Willem de Poorter, Jan Victors, and Willem van der Vliet.

Bagpipe = gaita de foles escocesa

2011-08-05T19:31:00.000-03:00

Gaita das highlands, gaita das terras altas, gaita da Escócia, gaita escocesa ou piob mhor talvez seja a mais famosa entre todas as gaitas-de-fole. Além da fama, está entre as gaitas tradicionais mais potentes, senão a de potência sonora maior.

Apesar de extremamente popular entre os países lusófonos, o termo gaita escocesa pode ser considerado no mínimo impreciso. Há na Escócia inúmeras outras gaitas para além da gaita das Highlands, como a smallpipes escocesa, a gaita das Bordas, a shuttle pipes e a parlour pipes, além de outras smallpipes.

Como haveria de ser, essa discussão é polêmica entre historiadores (e principalmente entre gaiteiros). Inicialmente pela forma como o instrumento chegou aos povos localizados nas regiões em torno do Mar do Norte. Enquanto alguns defendem ter sido o Império Romano o proliferador, trazendo o instrumento das regiões mediterrânicas, outros crêem que muito antes disso havia um rico intercâmbio cultural entre povos setentrionais e mediterrânicos. Acredita-se que até meados do século XVI utilizava-se na Escócia uma gaita similar, porém de bordão tenor único. Para alguns, uma configuração próxima à atual (com um bordão baixo e dois tenores) tenha surgido inicialmente na Irlanda, denominada Irish Warpipes ou simplesmente Warpipes (alcunha essa hoje muito usada tanto na Irlanda quanto Escócia), e rapidamente absorvida pela população escocesa, em especial as localizadas em regiões ermas como as Terras Altas. Claro que é apenas uma hipótese como tantas outras.

Sempre popular entre o povo escocês, a gaita das Highlands não chegou a sofrer, a exemplo de outros modelos de gaita-de-fole, uma decadência tão acentuada de sua popularidade a partir do período barroco; apesar de gradativamente se restringir novamente à região das Terras Altas.

Isso se deve, principalmente, por ser incorporada como instrumento militar pelos próprios regimentos ingleses já a partir do século XVII. O movimento romântico, com pretensões duma retomada do passado tradicional e idílico ao modo burguês, encontrou forte apelo na cultura escocesa (que por sinal se estende até hoje), e desde então a gaita das Highlands torna a ostentar uma imagem de "instrumento erudito". Foi justamente durante a era do Império Britânico que o instrumento foi disseminado pelo globo, e hoje a encontramos tocadas em regiões improváveis, especialmente o Oriente Médio, sendo elas antigas colônias britânicas.

O início de seu uso nas frentes de batalhas a incentivar os soldados é desconhecido, mas há registros conhecidos de regimentos com gaitas e percussão já a partir do século XVII – a provável origem das bandas regimentais (ou pipe bands). Uma inverdade a esse respeito é sobre a suposta proibição do uso da gaita das Highlands em solo britânico após o levante jacobita de 1745 por ser considerado um instrumento de guerra, visto que nada consta no Ato de Proscrição editado em 1746 em represália aos clãs escoceses. Isso não exime o fato de que muitos gaiteiros foram executados pelo governo inglês.

Após as duas guerras mundias, eventos nos quais se utilizaram pela última vez os gaiteiros no fronte de batalha da forma "clássica", sente-se a necessidade de atrair jovens para a formação de novos gaiteiros. Assim, formalizam-se as bandas regimentais (pipe bands) e iniciam-se os primeiros campeonatos oficiais entre bandas, tudo sob a égide de estatutos controlados por um conselho oficial.

A gaita das Highlands sofreu mudanças até chegar ao modelo atual. A partir do momento em que temos a configuração básica de três bordões (um baixo e dois tenores), e uma cantadeira cônica a utilizar palheta dupla, as maiores diferenças concernem pormenores estéticos exteriores e quanto à sua afinação. Apesar de se manter como um instrumento mixolídio, o timbre de sua afinação tem sido aumentado ao longo dos anos. A partir de 1970, tornou-se padrão a afinação em 444Hz (sendo o normal para instrumentos sonoros em torno dos 440Hz); isso garante um maior "brilho" nas notas, tornando-se mais estridentes. Também, a partir da década de 1990, diversos aparatos modernos facilitaram em diversos aspectos o uso do instrumento. Esses artigos hoje passam a ser disponíveis para outros modelos de gaita, especialmente a gaita galega. Dentre eles, destacam-se:
válvulas para assoprador: a substituir as antigas lingüetas de borracha;
retentores de umidade: serpentinas presas ao assoprador, a fim de reduzir a umidade produzida pelo fôlego do gaiteiro (o que prolonga a vida útil do fole e palhetas), e posteriormente passando a haver retentores e válvulas em peça única;
foles sintéticos: inicialmente de látex e posteriormente de gore-tex, substituindo os antigos foles de couro de cabra, oferecendo uma vida útil maior e evitando o chamado "mal do gaiteiro" (infecção dos pulmões por fungos e bactérias cultivadas no ambiente úmido do fole), havendo hoje em dia modelos com fecho ecler (o que facilita o acesso interno do fole);
estabilizadores de bordões: espécie de válvulas que impedem um excesso de ar nos palhões, ao mesmo tempo que exige uma pressão mínima a soá-las, o que facilita um ataque e corte precisos da música, além de evitar a variação tonal dos bordões;
palhões sintéticos: a substituir os antigos palhões de cana, de vida útil maior e afinação mais fácil e estável. A madeira utilizada hoje em dia é, na maioria das vezes, o jacarandá-africano. Contudo, nem sempre o foi assim, e ainda é possível encontrar boas gaitas construídas em madeiras mais claras, como a de buxo e de cerejeira.

A cantadeira da gaita das Highlands tem hoje sua nota fundamental (ou tonal) afinada em lá 444Hz, enquanto sua nota sensível afina-se em sol. Isso é uma peculiaridade dessa gaita, visto que a diferença entre a nota sensível e a tonal da grande maioria das outras gaitas-de-fole dá-se em meio tom, e não num tom inteiro. Outra característica sua é a de ser uma das únicas gaitas-de-fole mixolídias (senão a única). Por meio duma digitação semi-fechada, é possível soar uma oitava não-cromática na cantadeira. Por fim, os bordões tenores e baixo soam em lá, respectivamente, uma oitava e duas oitavas abaixo da cantadeira.

Oscar Daniel Bezerra Schmidt

2011-08-05T19:12:00.000-03:00

Nasceu em Natal, 16fev1958 é um ex-jogador brasileiro de basquetebol. Com 2,05 m de altura, Oscar é o recordista mundial de pontuação do basquetebol com 49.703 pontos. É considerado um dos maiores jogadores de basquetebol de todos os tempos, dos que não atuaram na NBA. É o irmão do jornalista da Rede Globo Tadeu Schmidt. Este recorde é extra-oficial, pois não havia súmulas de todos os jogos de Oscar no Brasil. Seu rendimento em equipes como Sírio e Palmeiras foram calculados através de estudos do jogador com o seu biógrafo, o jornalista e escritor Odir Cunha, autor do livro "Oscar Schmidt, a história do maior ídolo do basquete brasileiro" (Editora Best Seller, São Paulo, 1996). Seu número da sorte é o 14, tanto que o usou em 1978, porém em 1990 na FIBA usou o número 6. Tentou uma carreira política através do Partido Progressista (PP), se candidatando a senador pelo estado de São Paulo em 1998, mas não a prosseguiu. Oscar atualmente se dedica à condução do recém criado campeonato Novo Basquete Brasil, em contraposição ao campeonato organizado pela CBB e também participa do programa esportivo Esporte Fantástico da Rede Record de televisão. Seu primeiro treinador foi Laurindo Miura, que desenvolveu um trabalho especial de coordenação para ele. Esse trabalho serviu de base para seus arremessos. Quando jovem, foi treinado pelo lendário Francisco Lopes de Albuquerque, a quem atribuiu o mérito do treinamento para seus precisos arremessos. Em 1984 Oscar foi convidado para jogar no New Jersey Nets, mas ele não aceitou porque queria continuar jogando no Brasil.

23ago1987: O dia histórico em que a equipe masculina de basquete do Brasil venceu o poderoso time americano, os favoritos e donos da casa, por 120 a 115, na final dos 10º Jogos Pan-americanos de Indianópolis. Foi uma virada espetacular e a primeira e única vez, até então, que os Estados Unidos perderam em casa. O palco era o Market Square Arena, Indianápolis. De um lado a equipe brasileira; do outro, os norte-americanos. Os Estados Unidos já tinham toda a festa preparada para seu time. No elenco destacavam-se jogadores que mais tarde se tornaram grandes astros da NBA, como David Robinson, Rex Chapman, Dan Majerle e Danny Manning. A seleção do Tio Sam já atropelara Porto Rico nas semifinais, impondo uma vantagem final de cinco pontos. Para os brasileiros, a classificação havia sido contra o México com um placar de 137 a 116. A nossa seleção não assustava muito o técnico Denny Crum. A única tática necessária para garantir o ouro era uma defesa forte em cima de Oscar e Marcel que, segundo ele, tinham uma precisão muito grande nos arremessos. No fim do primeiro tempo, o Brasil perdia por 20 pontos. A equipe formada por Gérson, Oscar, Israel, Marcel e Guerrinha (que substituía o armador Maury, vítima de contusão) voltou com muita determinação e com um ataque extremamente preciso, sobretudo nas bolas de três pontos que foram a chave para a virada do Brasil. Os "reis do basquete" não conseguiam entender o que estava acontecendo, nem mesmo sua fiel torcida, que se calava a cada cesta de Oscar e Marcel. Final de jogo: a cena do banco norte-americano cabisbaixo era contrastante com a euforia de Oscar, deitado no chão, gritando e chorando. Essa era a maior conquista do esporte nacional, desde a Copa do Mundo de 70.

Escalação:
BRASIL (Técnico: Ary Vidal), Gérson, Guerrinha, Marcel, Oscar, Israel
EUA (Técnico: Denny Crum), Smart, Richardson, Rex Chapman, Danny Manning, David Robinson

José Carlos Pace

2011-08-05T18:45:00.000-03:00

Nasceu em São Paulo, 6out1944 — Mairiporã, 18mar1977, o Moco, foi um piloto brasileiro de Fórmula 1, vencedor do Grande Prêmio do Brasil de 1975.

Estreou no automobilismo em 1963, disputando provas de Turismo pela equipe Willys. Em 1970, já na Europa, disputou o Campeonato Inglês de Fórmula 3, sagrando-se campeão. Em 1971 venceu o GP de Imola de Fórmula 2. Com esta vitória, conseguiu um convite para integrar a equipe de Protótipos da Ferrari a partir da temporada de 1972, tendo como melhor resultado o segundo lugar nas 24 horas de Le Mans de 1973. O ingresso na Fórmula 1 deu pela equipe Williams, que na época utilizava carros March da temporada anterior. Ainda assim, Pace pontuou duas vezes, terminando o campeonato em 16º lugar, com três pontos.

No ano seguinte, paralelamente ao Campeonato de Protótipos, disputou a Fórmula Um pela equipe Surtees. Terminou o campeonato em 11º lugar, com 7 pontos, conseguindo como melhor resultado o 3º lugar na Áustria. Foi escolhido o quarto melhor piloto do mundo pelo anuário Autocourse, perdendo para Jackie Stewart, Ronnie Peterson e Emerson Fittipaldi.

Em 1974, começou a temporada novamente na Surtees. Na metade da temporada, mudou de equipe, passando a disputar o campeonato pela Brabham, onde conseguiu o segundo lugar em Watkins Glen, nos Estados Unidos. Terminou o campeonato em 12º lugar, com 11 pontos. Em 1975, disputando a temporada pela Brabham, Pace fez sua melhor temporada no automobilismo. Além da Fórmula 1, participou do Campeonato Brasileiro de Turismo e sagrou-se campeão do Grupo 1. Venceu também as 25 horas de Interlagos. Seu principal feito na temporada veio no segundo GP de 1975, no Brasil. Pace venceu a corrida, fazendo dobradinha com Emerson Fittipaldi; a primeira na Fórmula 1. Terminou a temporada em 6º, com 24 pontos.

O campeonato de 76 não foi muito bom para Pace. Utilizando os motores Alfa Romeo, que eram pesados e gastavam muita gasolina, fez apenas 7 pontos, terminando em 14º lugar. Em 1977, um segundo lugar no Grande Prêmio da Argentina foi o último pódio de José Carlos Pace. Participou de mais duas corridas, Brasil e África do Sul, sem pontuar.

No dia 18mar1977, o avião em que viajava, um pequeno mono-motor de propriedade do também piloto Marivaldo Fernandes, bateu numa árvore na Serra da Cantareira, município de Mairiporã, após decolar do Aeroporto Campo de Marte no início de uma violenta tempestade, tendo Pace morte imediata. Em 1985, o Autódromo de Interlagos foi batizado Autódromo José Carlos Pace em homenagem ao Moco, como era conhecido no meio automobilístico.

Rubens Gonçalves Barrichello

2011-08-05T18:36:00.000-03:00

Nasceu em São Paulo, 23mai1972, é um automobilista brasileiro que, desde 1993 disputa o campeonato mundial de Fórmula 1, sendo atualmente o piloto mais experiente da história desta categoria. É o atual presidente da GPDA, a Grand Prix Drivers - Association e representante dos pilotos de Fórmula 1. Barrichello guiou pela Scuderia Ferrari de 2000 a 2005, como companheiro de equipe de Michael Schumacher, desfrutando de um grande sucesso, incluindo terminar como vice-campeão em 2002 e 2004. A aposentadoria de Schumacher no final de 2006 fez de Barrichello o piloto mais experiente do grid e, no Grande Prêmio da Turquia de 2008, ele atingiu a marca de 257 largadas, tornando-se o piloto com maior número de corridas disputadas na Fórmula 1.

Atualmente, igualou-se a Graham Hill como o piloto com o maior número de temporadas disputadas, com 18 no total. Após competir pela Brawn GP na temporada de 2009, ele foi confirmado para 2011 na equipe Williams, com a esperança de que ainda consiga seu primeiro título na categoria após 18 anos e/ou 19 temporadas disputadas.

Rubinho conquistou cinco títulos brasileiros de kart, sendo considerado imbatível na época. Fez um ano de F-Ford no Brasil (1989), tendo vencido a primeira etapa em Florianópolis, circuito de rua e com pista molhada. No ano seguinte, foi competir na Europa. Foi campeão da Fórmula Opel em seu ano de estréia, 1990, com seis vitórias, sete pole positions e sete voltas mais rápidas. No ano seguinte foi campeão da Fórmula 3 inglesa, pela equipe West Surrey Racing, derrotando David Coulthard. Aos dezenove anos foi então para a Fórmula 3000 na qual terminou em terceiro lugar na classificação geral.

Rubens Barrichello chega ao GP da Inglaterra de 2011 sendo o piloto com maior participação em grandes prêmios: 315, com 311 largadas (contra 256 de Patrese). Outras marcas destacam o desempenho do piloto:
209 provas concluídas na zona de pontuação;
68 pódios (sendo o quarto piloto a subir mais vezes ao pódio da Fórmula 1);
658 pontos conquistados (sendo o 4º maior pontuador).

Títulos
Fórmula Opel (1990)
Fórmula 3 Inglesa (1991)
500 Milhas da Granja Viana (1998, 2000, 2001, 2002, 2004, 2005, 2007 e 2008)
Cinco vezes campeão Brasileiro de Kart
Cinco vezes campeão Paulista de Kart
Desafio das Estrelas de Kart (2008)

Nelson Piquet Souto Maior

2011-08-05T18:20:00.000-03:00

Nasceu em 17ago1952, campeão do mundo de Fórmula 1 em 1981, 1983 e 1987.

Piquet nasceu no Rio de Janeiro e viveu grande parte de sua infância e juventude na recém-inaugurada capital Brasília. É filho do pernambucano Estácio Gonçalves Souto Maior, ex-ministro da saúde, que não aprovava sua carreira automobilística; por isso, Nelson usava o nome de solteira de sua mãe, Clotilde Piquet, escrito erroneamente como "Piket" no início da carreira, para esconder sua identidade. Sua mãe faleceu em Agosto de 2007 aos 84 anos de idade. O pai gostaria que o filho fosse tenista profissional, tendo inclusive o presenteado com uma bolsa numa escola em Atlanta, nos Estados Unidos. Nelson chegou a ser premiado como um bom tenista, porém não achava o esporte suficientemente excitante para que dedicasse a este sua carreira. Ainda assim, o gosto pelo tênis o fez adotar como desenho de seu capacete uma bola de tênis estilizada. Nelson cursou engenharia mecânica na UnB até o terceiro período. Após anos de carreira, Nelson resolveu abandonar as competições, Piquet dedicou-se à carreira empresarial. Fundou em Brasília a empresa Autotrac, pioneira no país em monitoramento de caminhões de carga, e também uma rede de lojas de pneus Pirelli, a Piquet Pneus, que já foi vendida, e uma revenda de automóveis da BMW (Piquet BMW) que também já foi vendida. Em 1995 arrendou o autódromo de Brasília, que leva seu nome, e criou uma categoria de carros esporte-protótipo, com mecânica de Fusca e motores BMW baseada em carros que eram usados em corridas no estado do Ceará, chamada Espron. Seu amigo pessoal, Marcello Prado (Vice-Presidente Executivo da BMW Brasil), além dos motores, lhe cedeu um veículo BMW 318 e Nelson Piquet com sua incrível criatividade e técnica, usou o veículo como molde para copiar o BMW em fibra de vidro para a categoria Espron. Ostentando o logo da BMW em todos os carros da categoria e pela sua forte influência sobre o público jovem da classe "A", a categoria Espron foi um excelente veículo de merchandising para a marca BMW, que na época instalava sua filial brasileira. Com a expiração do arrendamento do autódromo a administração do mesmo foi devolvida ao Governo do Distrito Federal.

Após desentendimentos com a Confederação Brasileira de Automobilismo - CBA, Piquet também tentou fundar uma entidade paralela, a Liga Independente de Automobilismo - LIA, que não vingou. Em meados dos anos 2000, o tricampeão passou a se dedicar principalmente a gerenciar a carreira do filho, Nelson Ângelo Piquet, tanto que, em 2004, Piquet pensou em voltar a correr. Desta vez na GP2, sendo companheiro de seu próprio filho em sua equipe na categoria.

Piquet começou a carreira no kart aos 14 anos onde foi campeão brasileiro em 1971 e 1972. e em 1976 foi campeão da Fórmula Super-Vê. No ano seguinte tentou a sorte na Europa, seguindo o caminho aberto por Emerson Fittipaldi. Participando de algumas das provas do Campeonato Europeu de Fórmula 3, terminou em terceiro, com duas vitórias, atrás do italiano Piercarlo Ghinzani e do sueco Anders Olofsson. Em 1978, na Fórmula 3 inglesa, sagrou-se campeão e quebrou o recorde de Jackie Stewart de maior número de vitórias numa temporada. Sua estreia na Fórmula 1 aconteceu em um teste oferecido pela já extinta equipe BS Fabrications, de Bob Sparshott, que tinha um McLaren M23. Pouco tempo depois, ainda em 1978, Piquet estreou de fato em uma corrida, o Grande Prêmio da Alemanha, em Hockenheimring, com um carro alugado da equipe Ensign. Neste ano, disputaria outros três GPs com o McLaren da BS Fabrications. Com o carro da pequena equipe inglesa, abandonou na Holanda e na Áustria, terminando em nono lugar na Itália, na corrida em que morreu o piloto sueco Ronnie Peterson. De toda forma, o brasileiro já era visto por muitos como uma promessa - sua aparição meteórica rendeu elogios e uma profecia certeira do chefe de equipe da BS Fabrications, David Simms. "Aposto meu dinheiro, com quem quiser, que Nelson Piquet será campeão mundial em três anos." No GP do Canadá, já fazia a sua estreia pela Brabham, com um terceiro carro da equipe então comandada por Bernie Ecclestone. E, assim, logo Piquet foi confirmado como segundo piloto para a temporada de 1979. Na equipe inglesa, chefiada por Bernie Ecclestone e com Gordon Murray como projetista, Piquet teve como companheiro o austríaco Niki Lauda, já bicampeão, que abandonou a Fórmula 1 temporariamente antes do fim da temporada. Piquet sempre atribuiu a Lauda seu aprendizado sobre como negociar contratos e comunicar suas solicitações aos engenheiros e mecânicos da equipe. O ano, porém, é marcado por alguns acidentes e muitas quebras – foram 11 abandonos em 15 corridas, apenas 3 pontos e o 15º lugar na classificação final.

Já no ano seguinte, em 1980, Piquet chegou em segundo no Grande Prêmio da Argentina e obteve sua primeira vitória na categoria no Grande Prêmio do Oeste dos Estados Unidos, no circuito de rua de Long Beach. Com outras duas vitórias no ano, no Grande Prêmio da Holanda, em Zandvoort, e no da Itália, em Imola, Piquet disputou diretamente o título com o australiano Alan Jones da Williams, até a penúltima prova, o Grande Prêmio do Canadá – mas, nesta corrida, Piquet e Jones colidiram na largada, e, após uma segunda largada, Piquet teve que abandonar por uma quebra de motor e o vice-campeonato com 54 pontos. Mas em 1981 viria seu primeiro título mundial, após uma intensa batalha contra o argentino Carlos Reutemann. Na última etapa, no circuito de Las Vegas, também nos EUA, Piquet terminou em 5º lugar, mas Reutemann não pontuou chegando em 8º e o brasileiro venceu o campeonato por apenas um ponto de diferença.

Em 1982, como em muitos anos de carreira de Piquet, as inovações técnicas - especialmente a adoção do motor BMW turbo - não permitiram um desempenho suficientemente competitivo. Com o Brabham BT49D Ford Cosworth V8 aspirado, Nelson Piquet venceu o Grande Prêmio do Brasil em Jacarepaguá, mas após a corrida, sua vitória foi cassada, o mesmo aconteceu com o segundo colocado, o finlandês Keke Rosberg com o Williams FW07C Ford Cosworth V8 também aspirado. Na vistoria dos carros, os comissários de prova desconfiaram da função de uma estranha caixa preta acoplada ao Brabham, o mesmo aconteceu com o Williams. O sistema de refrigeração dos freios era feito com água, o que deixava os carros dentro do peso mínimo exigido antes da largada; porém, ao longo da corrida, a água armazenada nos carros era utilizada, o que deixava os monopostos mais leves do que os das demais equipes. Como o regulamento permitia a reposição dos fluidos antes da pesagem obrigatória, os carros voltavam a ficar dentro do regulamento. O francês Alain Prost com o Renault RE30B V6 Turbo, que terminou então em 3º lugar, foi declarado o vencedor da corrida com as desclassificações técnicas dos dois carros. O modelo BT50 BMW L4 Turbo que a equipe estreou na primeira etapa, voltou a ser utilizado definitivamente a partir do Grande Prêmio da Bélgica em Zolder até o final da temporada. O campeonato teve o boicote das 10 equipes por divergências políticas no Grande Prêmio de San Marino em Ímola: Brabham, Williams, McLaren, Lotus, Ligier, Arrows, March, Fittipaldi, Theodore e Ensign. O atual campeão não conseguiu se classificar para o Grande Prêmio do Leste dos Estados Unidos em Detroit. Uma semana depois, o piloto brasileiro venceu em Montreal, o Grande Prêmio do Canadá, já com o modelo BT50 e com motor Turbo. A prova ficou marcada com a morte logo na largada do italiano Riccardo Paletti que não conseguiu desviar da Ferrari do francês Didier Pironi que não partiu. O ponto alto da temporada de Piquet foi um episódio tenso e, em segunda análise, hilariante. Quando estava próximo da fazer a troca de pneus e o reabastecimento no GP da Alemanha em Hockenheim, Piquet se aproximou do retardatário Eliseo Salazar e tentou a ultrapassagem na Ostkürve, a chicane norte do circuito de Hockenheim. Salazar não viu Piquet se aproximando, manteve a trajetória normal, e os dois bateram. Após sair do carro, Piquet partiu para a agressão física contra Salazar, diante das câmeras de televisão, em uma cena que demonstra um pouco do seu temperamento competitivo e explosivo. "Salazar não é piloto, é motorista", declarou Piquet à época. Curiosamente, ambos haviam se conhecido quando ainda eram recém-chegados à Europa; e, muitos anos depois, chegaram a correr juntos em corridas de Turismo. Num ano marcado por problemas políticos na categoria, acidentes e mortes de pilotos, Piquet fechou o ano em 11º lugar com 20 pontos. Anos mais tarde, Piquet ficou sabendo de um engenheiro do motor que trabalhou com o piloto brasileiro na equipe Brabham naquela época, que aquele famoso acidente foi a melhor coisa que podia ter acontecido à BMW, porque evitou a vergonha do motor alemão explodir em seu próprio país. Contra a quadra francesa: a Renault de Alain Prost e René Arnoux e Patrick Tambay da Ferrari, Piquet consegue em 1983 seu segundo título na última corrida, o GP da África do Sul em Kyalami. A tática da equipe era colocar pouca gasolina um dos dois carros, assim forçava a concorrência a forçarem o ritmo e, paravam para reabastecer. Foi também o primeiro campeonato vencido por um carro com motor Turbo na Fórmula 1.

Em 1984, a Brabham e o motor BMW não chegam a piorar. A McLaren, sob o comando de Ron Dennis, foi a equipe que veio para colocar ordem na Fórmula 1. As inovações introduzidas por Gordon Murray na Brabham não são suficientes, embora Piquet tenha conquistado 9 poles no ano. Chega a liderar por várias provas, mas abandona grande parte delas por problemas mecânicos. Piquet teve uma grande vitória. O modelo BT53, revisado, vai para o Canadá, em Montreal, com um radiador de óleo instalado no bico do carro. Durante a corrida, o radiador foi esquentando o pé do brasileiro fazendo com que o piloto praticamente abandonasse a corrida. Porém, ele seguiu adiante para vencer de forma brilhante. No podium, ele mostrava o dedo do pé com bolhas para Niki Lauda e Alain Prost. O brasileiro tenta uma reação vencendo em Detroit, nos Estados Unidos, mas fica por aí. Termina o ano em 5º lugar cpm 29 pontos.

Em 1985, a chance de brigar na frente foi impedida quando Bernie Ecclestone assinou um contrato de fornecimento dos pneus Pirelli. O desenvolvimento dos pneus italianos era um desafio de proporções gigantescas. Nenhum resultado poderia ser cobrado antes de dois ou três anos. Piquet consegue uma vitória no ano. Ela aconteceu em Paul Ricard, na França. Sob um calor infernal, o brasileiro faz uma corrida bem planejada. Ultrapassa Ayrton Senna da Lotus e Keke Rosberg da Williams. Vai abrindo e fazendo um ritmo de corrida muito bom. As equipes de ponta com a borracha americana da Goodyear não consegue acompanhar o ritmo imposto pelo piloto brasileiro, porque o Brabham número 7 não dá nenhuma demonstração que fará a troca; Piquet vence com relativa facilidade. Foi a última vitória da equipe na categoria. Depois dessa vitória, volta a realidade. O piloto chega a conquistar a última pole da equipe em Zandvoort, na Holanda. Terminou em 2º lugar no Grande Prêmio da Itália, em Monza. Nessa corrida, pela primeira vez juntos no podium, Piquet e Senna, o 3º colocado. Na Bélgica em Spa-Francorchamps, com a pista molhada, após a largada, Piquet escorrega na primeira curva La Source, perdendo várias posições; ele fez uma enorme corrida de recuperação e terminou em 5º. As últimas três provas do campeonato, o piloto brasileiro não terminou. Era hora de mudança de equipe, o ciclo Brabham já tinha terminado. No último ano com a equipe, terminou em 8º lugar com 21 pontos.

Em 1986 Piquet foi para a equipe de seus dois vice-campeões, a Williams, para desenvolver, junto com seu companheiro de equipe, o inglês Nigel Mansell, o projeto dos motores turbo da Honda. No primeiro ano, o carro mostrou-se competitivo, porém uma sucessão de resultados desfavoráveis e estratégias mal calculadas como na última prova da temporada (GP da Austrália), que levaram Piquet e Mansell a perder o título para Prost. Parte do fracasso se deveu a um grave acidente sofrido pelo dono da equipe, Frank Williams, que o deixou afastado do comando da equipe por vários meses, e fadado a uma cadeira de rodas pelo resto da vida. Frank foi o responsável pela contratação de Piquet, enquanto o seu sócio e engenheiro-chefe da equipe, Patrick Head, era claramente defensor de Mansell na equipe. No Grande Prêmio da Alemanha em Hockenheim que Piquet usou a malandragem; na 15ª volta, Nigel Mansell com o carro instável errou uma freada e saiu da pista, prejudicando o rendimento dos seus pneus. O piloto avisa pelo rádio à sua equipe para colocar pneus novos nos boxes. A equipe rapidamente se prepara para recebê-lo, mas quem aparece no pit foi o Williams número 6 do piloto brasileiro. Piquet, brilhante, havia antecipado sua parada para trocá-los. Dentro do pit, pelo rádio, Patrick Head comunica ao piloto inglês para não entrar nesta volta, forçando-o a completar mais uma com os pneus bem gastos, já que a equipe estava comprometida com a execução do carro do seu companheiro de equipe. Na primeira edição do Grande Prêmio da Hungria, Piquet realizou, sobre Ayrton Senna, a ultrapassagem que muitos consideram como a mais bela de todos os tempos na Fórmula 1 – no fim da reta dos boxes, pelo lado de fora de uma curva de 180 graus, escorregando nas quatro rodas. O tricampeão Jackie Stewart, comentando a cena, disse que era "como fazer um looping com um Boeing 747".

Em 1987, as Williams dominaram a temporada. Piquet sofreu um grave acidente logo no início do ano, em um teste no circuito de Imola, na mesma curva Tamburello que se tornaria famosa pela morte de Ayrton Senna. Depois desse acidente, minha visão nunca mais foi a mesma, e eu perdi uma parte da noção de profundidade, declarou Piquet anos depois. Mesmo assim, Piquet e Mansell disputaram o título corrida a corrida – e Piquet, para driblar o alegado favorecimento da equipe ao inglês, lançou mão de suas conhecidas artimanhas, como testar com uma configuração ruim do carro, que muitas vezes seria copiada pelos mecânicos de Mansell, e alterá-la completamente minutos antes do treino ou da corrida. Nos treinos para o GP da Itália, em Monza, o piloto brasileiro estreia a suspensão ativa. Consegue a pole, e também vence. Na prova seguinte, o novo componente é colocado no carro do piloto inglês, mas ele não consegue um acerto adequado. Para não favorecer apenas um lado, a equipe Williams resolve retirar a suspensão dos dois carros. A alegação é que o novo componente não estava totalmente pronto para enfrentar uma corrida e que seria muito arriscada colocar uma nova tecnologia sem ainda ter uma certeza plena de que ela seria melhor e mais resistente que a suspensão tradicional. A verdade é que Mansell não entendia o funcionamento correto dela, diferente do Piquet que tirava máximo proveito. Resultado, na reta final, os dois carros voltam para a suspensão convencional em condições iguais. Nos GPs da Espanha e México, Mansell vence, com Piquet em quarto e segundo lugar respectivamente. O brasileiro vai para o Japão com 12 pontos de vantagem. Nos treinos oficiais no circuito de Suzuka, na ânsia de superar o tempo do seu companheiro de equipe, Mansell sofre um forte acidente, embora não o tenha causado ferimentos sérios, deixou-o sem condições para disputar a prova, e Piquet sagrou-se tricampeão mundial por antecipação. Na última corrida, o GP da Austrália, em Adelaide, o piloto inglês não aparece. Acabou sendo substituído pelo italiano Riccardo Patrese.

A Honda, então consagrada com o melhor motor turbo do período, deixou a Williams e em 1988 passou a equipar a McLaren e a Lotus. Para a McLaren, conseguiu a contratação de Ayrton Senna, e para o lugar que Senna deixara na Lotus levou Nelson Piquet com um contrato milionário. Mas o carro amarelo da lendária equipe, projetado pelo engenheiro francês Gérard Ducarouge (que trabalhou com Senna em 1985 à 1987 na equipe), mostrou-se problemático. Mesmo tendo o motor japonês, a Lotus não tinha forças para lutar com a mesma intensidade do que a McLaren. O Lotus era 7 km/h mais lento do que o McLaren no retão em Jacarepaguá. O carro da Lotus era 2 segundos mais lento e aumentava para 3 em San Marino. O carro não reagia as modificações propostas e experimentadas pelo piloto. O diagnóstico de Piquet: excessiva torção na parte traseira do chassi. Segundo comentários da imprensa automobilística internacional, o Lotus 100T tinha a estrutura rígida de uma casquinha de sorvete. O motor não era o problema por causa do baixo rendimento do carro, mas sim o chassi que Piquet declarou publicamente que era "uma merda" e desentendeu-se completamente com Ducarouge. Com condições de disputar posições com os carros equipado com motor aspirado, o piloto terminou o campeonato em 6º lugar com 22 pontos conquistados. Sem o motor Honda, para 1989 a Lotus contratou Frank Dernie, vindo da Williams; mas o propulsor japonês havia deixado a equipe de Frank, e o time de Peter Warr fechou com o motor Judd que mostrou-se um dos mais fracos da época. O piloto só conseguia se classificar nas provas praticamente no final do grid e disputar posições pelo bloco intermediário e de vez em quando dava para marcar alguns pontos. Para piorar, o brasileiro não conseguiria se classificar para o Grande Prêmio da Bélgica em Spa-Francorchamps, o mesmo acontecendo com o seu companheiro de equipe, o japonês Satoru Nakajima. Pela segunda vez na carreira que o piloto brasileiro ficava ausente de uma corrida. Nenhum pódio, e mais um ano tendo que disputar com o pelotão intermediário, Piquet terminou em 8º lugar no campeonato com 12 pontos. Desiludido com as duas temporadas frustantes na Lotus, Piquet assinou contrato com a equipe Benetton para a temporada de 1990. A falta de potência do motor Cosworth V-8 era compensada pelo notável equilíbrio do chassi do carro, e, após algumas boas corridas, Piquet vence o polêmico GP do Japão, (aquela prova, segundos depois da largada que Senna enfia o seu carro na traseira da Ferrari de Prost ao tentar fazer a primeira curva da pista e com os dois fora da pista, acabou decidindo o campeonato a favor do brasileiro da McLaren). A vitória teve sabor mais especial ainda para Piquet porque o segundo colocado foi o seu amigo de adolescência Roberto Moreno, também pela Benetton, estreando como substituto de Alessandro Nannini, que havia sofrido um gravíssimo acidente de helicóptero que lhe afastou em definitivo da Fórmula 1. Piquet também venceu a corrida seguinte, o Grande Prêmio da Austrália, após uma manobra arriscada na última volta – Nigel Mansell, que ao volante da Ferrari tentava ultrapassar o brasileiro, foi obrigado a frear fortemente e sair da pista na curva mais fechada do circuito, quando o brasileiro, simples e propositalmente, ignorou sua tentativa e seguiu o traçado normal. Um lance sarcástico típico de Piquet no GP de número 500 da história da categoria. Com o magnífico lance, Piquet terminou em 3º com 43 pontos1, e se classificou à frente de um piloto da McLaren e da Ferrari.

Em 1991, ainda na Benetton, Nelson obteve sua última vitória na F-1 no Grande Prêmio do Canadá, e também em cima de Mansell – a quem Piquet se referia ironicamente como "o idiota veloz". O inglês liderava com mais de 50 segundos e, na última volta, já acenando para os torcedores, começou a andar lento. Por causa disso, o alternador não gerou energia suficiente para abastecer toda a eletrônica embarcada do Williams e o carro simplesmente "morreu". Após a vitória, Piquet passou pelo carro parado de Mansell acenando para o rival. Depois declarou que quando viu o carro do piloto inglês parado naquele momento "quase teve um orgasmo". Neste mesmo ano, a Benetton substituiu Roberto Moreno pelo jovem talento Michael Schumacher, patrocinado pela Mercedes-Benz, que até então havia disputado apenas sua corrida de estreia na Fórmula 1. Insatisfeito com as perspectivas da sua equipe para a temporada de 1992, já que o novo motor Ford Cosworth não era suficientemente potente para deixá-lo em condições de voltar a brigar por títulos, Piquet, já com 39 anos de idade e 204 GPs no currículo, decidiu abandonar a categoria máxima do automobilismo após chegar em 4º lugar no chuvoso Grande Prêmio da Austrália. Encerrou sua carreira na principal categoria em 6º lugar com 26.5 pontos.

Em 1992, Piquet decidiu correr as 500 Milhas de Indianápolis, com um Lola-Buick da equipe Menards. Rapidamente se destacou como o mais rápido entre os estreantes. Mas, em um dos treinos, um furo lento num pneu fez o carro rodar a toda velocidade na curva 4 e se espatifar de frente na mureta de proteção do circuito. Além de traumatismo craniano e lesão torácica, Piquet sofreu fraturas múltiplas nas pernas e nos pés, em que perdeu dois dedos. Várias cirurgias no Hospital Metodista de Indianápolis reconstruíram os membros inferiores, mas deixaram seqüelas que obrigaram o brasileiro a abandonar as categorias de monopostos. Mesmo assim, Piquet voltou a Indianápolis para a corrida de 1993, pela mesma equipe, mas foi obrigado a abandonar por problemas de motor. Desde então, Piquet corre apenas por prazer em eventos como as 24 Horas de Le Mans e as 24 Horas de Spa-Francorchamps, e em provas de Turismo como a Mil Milhas Brasileiras, que venceu duas vezes - a última em 2006, dividindo um Aston Martin DBR9 com Hélio Castroneves, Christophe Bouchut e Nelson Ângelo Piquet.

Emerson Fittipaldi

2011-08-05T17:51:00.000-03:00

Nasceu em São Paulo, 12dez1946, Foi o primeiro brasileiro campeão mundial em categorias de ponta no automobilismo internacional, abrindo portas para vários compatriotas. Fittipaldi foi bicampeão da Fórmula 1 em 1972 e 1974, campeão da CART (Fórmula Indy) em 1989 e bicampeão das 500 milhas de Indianápolis em 1989 e 1993. Atualmente é diretor da equipe brasileira na categoria A1GP e compete na GT3 Cup.

Emerson é filho de mãe russa e pai brasileiro, o jornalista Wilson Fittipaldi. Em 1964, ele foi notado a primeira vez em Interlagos, quando brigou com o diretor da prova que o impedia de entrar na ambulância que levava seu irmão Wilson, logo após ele ter sofrido um acidente em sua berlineta da Equipe Willys. Nesse mesmo ano Emerson se tornou piloto e começou a competir de kart, estreando com uma vitória em Santo André (SP), no dia 12 de abril. Terminou o campeonato em nono lugar. Sagrar-se-ia campeão paulista em 1965, quando estreou no automobilismo, dirigindo um Renault 1093, numa corrida na Ilha do Fundão pelo Campeonato Carioca. Ali sofreria também o seu primeiro acidente.

Em 1966, o irmão Wilson teve uma experiência internacional na Fórmula 3, correndo na Argentina, mas apesar de prometido não conseguiu um carro para as corridas na Europa e voltou ao Brasil. Wilson resolveu construir carros de fórmula conhecidos como Fórmula Vê. Emerson dominou o campeonato de Fórmula Vë de 1967, ganhando cinco das sete provas com o carro construído pelo irmão. Também voltou a ser campeão de kart.

Os irmãos Fittipaldi construiriam ainda um Fittiporsche e Emerson ganhou a II Cem Milhas de Kart em Piracicaba, disputada em 1968. Mas a categoria brasileira estava em crise e Emerson resolveu tentar a sorte na Europa. Iriam com ele os pilotos Luiz Bueno e Ricardo Achcar (que já havia vencido naquele mesmo ano na Inglaterra com um carro alugado), mas acabaram desistindo. A última vitória de Emerson no Brasil antes de viajar foi nas 12 Horas de Porto Alegre, pilotando um Volks 1600 (em segundo, pilotando um Corcel, chegaria José Carlos Pace). Emerson teve a sua primeira corrida internacional em 7abr1969 na Holanda e três meses depois, após muitas vitórias na Fórmula Ford, ele estrearia na Fórmula 3 inglesa. Sagrou-se campeão da categoria aos 22 anos.
Seu imenso talento foi notado por Colin Chapman, proprietário da equipe Lotus de Fórmula 1, que o contratou no ano seguinte para correr pela sua equipe. A corrida de estreia foi no Grande Prêmio da Inglaterra, em Brands Hatch, mesmo largando nas últimas posições terminou a prova em oitavo. Três semanas depois, em Hockenheim, marcaria seus primeiros pontos, com um 4º lugar. No final daquele ano, em Monza, seu companheiro de equipe, o austríaco Jochen Rindt, pediu que Emerson amaciasse seu carro para a corrida do dia seguinte. O Brasileiro, no carro de Rindt, sofreu um acidente destruindo o carro do companheiro impossibilitando a sua utilização na corrida. Como Rindt liderava o campeonato, o chefe da equipe deixou Emerson de fora da corrida e Jochen Rindt competiu com o carro dele, mas o piloto austríaco faleceu num acidente que poderia ter matado Fittipaldi. A Lotus, de luto, retirou-se por duas corridas e voltou no penúltimo GP da temporada, em Watkins Glen. Nesse dia, Emerson venceu sua primeira corrida e, ao mesmo tempo, impossibilitou seus adversários de alcançar a pontuação de Rindt, que assim sagrou-se campeão mundial postumamente (ver Grande Prêmio dos Estados Unidos de 1970 F1).

O ano de 1971 não viu vitórias de Emerson, embora sua atuação consistente lhe tenha garantido três pódios. Em 1972, com 5 vitórias, Fittipaldi tornou-se o campeão mundial mais jovem da história da Fórmula 1, com 25 anos, oito meses e 29 dias, recorde que manteve por mais de três décadas e que só foi quebrado em 2005, pelo piloto espanhol Fernando Alonso. Em 1973, Emerson venceu mais 3 corridas, no entanto perdeu o título para o escocês Jackie Stewart. O sucesso contribuiu fortemente para a entrada do Grande Prêmio do Brasil no calendário internacional no ano seguinte, no circuito de Interlagos. Ele mesmo venceu a corrida inaugural. Em 1974, o piloto brasileiro trocou a Lotus pela McLaren, e, com três vitórias (uma delas no Brasil), sagrou-se bicampeão do mundo. Ainda competitivo, venceu mais duas corridas pela mesma equipe no ano seguinte.

Em 1975, fundou, em parceria com o irmão, a equipe Fittipaldi, equipe inteiramente brasileira e que contou em boa parte de sua vida com o patrocínio da cooperativa brasileira de açúcar e álcool Coopersucar, nome pelo qual a equipe se tornou mais conhecida entre os brasileiros. O primeiro ano em sua própria equipe 1976 foi frustrante, com constantes abandonos. Em 1977, Emerson conquistou alguns resultados razoáveis, como três 4º lugares, mas foi em 1978 que ocorreu o grande momento de Emerson em sua própria equipe com o modelo F5A, ao terminar o Grande Prêmio do Brasil no circuito de Jacarepaguá em 2º lugar. A equipe teve dois 4º, 5º e um 6º lugar. Fechou o ano em 7º com 17 pontos. Grandes esperanças no campeonato de 1979. Na corrida de abertura, o piloto terminou o GP da Argentina em 6º lugar com o chassi do ano anterior, mas quando foi para o Fittipaldi F6, ele sofreu. O carro tem uma aparência estética muito bonita, mas tem um problema muito sério: o excesso de torção do chassis; o carro era difícl de controlar principalmente em curvas. Desentendimentos da equipe com o projetista culminou com um péssimo desempenho do carro no campeonato. Nenhum ponto conquistado com ele. O carro era alvo de gozações, e com isso, a Copersucar retirava o apoio à equipe.

A partir de então houve um declínio técnico na equipe, e, ao final de 1980, no mesmo circuito de Watkins Glen onde vencera sua primeira prova, Emerson Fittipaldi retirou-se da Fórmula 1 como piloto; naquele ano, ele conseguiu o último pódium com o 3º lugar em Long Beach, tendo o compatriota Nelson Piquet, o vencedor, e conquistado a primeira vitória na categoria. Em 1981, Emerson Fittipaldi exerce a função de chefe de equipe e tendo como pilotos: o finlandês Keke Rosberg e o brasileiro Chico Serra. Com equipamentos de segunda linha e pouco dinheiro, e nenhum ponto para a equipe no campeonato. No campeonato de 1982, após seu piloto Chico Serra marcar um ponto no Grande Prêmio da Bélgica, sua equipe fechou as portas. Ao longo da carreira na Fórmula 1 foram 149 Grandes Prêmios, 14 vitórias, 6 pole positions, 6 melhores voltas, com um total de 276 pontos.

Emerson, quando ainda estava na Fórmula 1, chegou a realizar testes com carros da CART em circuitos ovais mas não gostou. Com o término da sua carreira na Fórmula 1 ele mudou de ideia e logo no primeiro ano em que realizou algumas corridas por essa categoria estadunidense (1984), ganhou o oval do GP de Michigan, um dos mais difíceis do circuito. Aos 38 anos, Emerson reafirmava seu talento e assinou com a Patrick Racing para disputar regularmente o campeonato da CART de Fórmula Indy. Em 5 anos ele obteve 6 vitórias. Em 1989, após 5 vitórias, ele se tornou o primeiro brasileiro campeão da categoria. Sua mais expressiva e histórica vitória foi a mítica 500 milhas de Indianapolis, quando liderou 158 das 200 voltas. No final, um duelo de arrepiar com Al Unser Jr. A 5 voltas do final Little Unser ultrapassou facilmente Fittipaldi e faltando apenas duas voltas Fittipaldi se aproximou de Unser Jr devido a um grupo de retardatários que o haviam segurado. Na curva 3 do circutio de Indianápolis o brasileiro colocou seu carro por dentro e os carros se tocaram a mais de 350 Km/h, Unser Jr rodou e bateu seu carro no muro, Fittipaldi conseguiu corrigir o carro e venceu a prova sob bandeira amarela. Mesmo com o acidente Unser junior terminou em segundo lugar, pois o piloto brasileiro Raul Boesel - que chegou em terceiro - era retardatário e estava seis voltas atrás. Após a corrida foi constatado que em sua última parada para reabastecimento, ninguém na equipe Patrick se lembrou de que havia poucas voltas para o fim e colocaram muito mais combustível do que o necessário para o final da corrida; desta maneira com o carro mais pesado Fittipaldi não conseguiu segurar a ultrapassagem de Unser Jr a poucas voltas do fim. Roger Penske levou Emerson para seu time, a Penske, em 1990. Emerson continuou entre os melhores da categoria e em 1993 ganhou a sua segunda 500 Milhas de Indianapolis superando o campeão da Fórmula 1 de 1992, Nigel Mansell. Emerson comemorou tomando suco de laranja em lugar do tradicional copo de leite, como forma de promover o produto de suas fazendas. Emerson encerrou sua participação na categoria em 1996, depois de um grave acidente no Michigan International Speedway. Em sua carreira na Fórmula Indy, obteve 22 vitórias e 17 pole positions.

Ingo Otto Hoffmann - Stock Cars

2011-08-05T17:33:00.000-03:00

Ingo Otto Hoffmann, São Paulo, 28fev1953 é um automobilista brasileiro. Hoffmann competiu na Fórmula 1 pela equipe Copersucar-Fittipaldi por 6 corridas só conseguindo largar em 3 delas e não pontuou. Ele é o maior campeão da história do Campeonato Brasileiro de Stock Car, com doze títulos. Os doze títulos foram nos anos de 1980, 1985, 1989, 1990, 1991, 1992, 1993, 1994, 1996, 1997, 1998 e 2002, sendo também dono da maior numero de títulos seguidos, num total 6.

Correu na Stock Car desde seu início em 1979 e a temporada de 2008 foi a sua temporada de despedida. Com isso é um dos pilotos que mais temporadas participou da Stock Car (30 temporadas em 30 anos de Stock Car). Seu carro era em 2008 o de número 17, da equipe AMG, modelo Mistsubishi Lancer. Foi campeão com os carros Opala, Ômega e Vectra. Em 2008 ele disputou a Brasil GT3 Championship, correndo no Lamborghini Gallardo, junto com Paulo Bonifácio. A dupla terminou a competição na oitava posição, com 44 pontos, conseguindo uma vitória e cinco pódios.

Ao final do ano de 2008, após 30 anos na Stock Car e 12 títulos na categoria, Ingo Hoffmann se aposentou das corridas de automóveis, obtendo em sua última corrida na Stock Car o 3º lugar no GP de Interlagos, vencido pelo piloto Thiago Camilo, e que consagrou como campeão da temporada o piloto Ricardo Maurício e como vice o paulista Marcos Gomes. Ingo recebeu diversas homenagens por todas as conquistas em sua carreira; numa das homenagens, recebeu de presente o Opala com o qual foi campeão pela primeira vez na Stock Car em 1980, totalmente reformado nos boxes de Interlagos no fim de semana de sua última corrida e sem que ele soubesse. A surpresa foi feita por seu então parceiro, o paranaense Lico Kaesemodel, a quem ele tem como a um filho. Apesar da aposentadoria como piloto, Ingo Hoffman continua ligado ao automobilismo, trabalhando como chefe de uma equipe da Stock Car a partir de 2009.

Pina Bani

2011-08-05T17:25:00.000-03:00

http://pinabani.blogspot.com/

Inspiraçao
Sexo: Feminino
Signo astrológico: Peixes
Quem sou eu
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Sérgio Guerra - HEREROS Angola

2011-07-26T20:44:00.000-03:00

Os hereros se dividem entre Angola, Namíbia e Botsuana, totalizando mais de 240.000 representantes da etnia. Apesar dos subgrupos, todos falam o mesmo idioma, o herero, além de português em Angola, inglês em Botsuana e inglês e africâner na Namíbia. São um povo mítico, com uma história marcada por sangue. EM Angola, resistiram à colonização portuguesa. Na Namíbia, resistiram à escravidão e se opuseram à dominação alemã, ação que os tornou vítimas de um dos maiores genocídios da história. Em 1904, o general Lothar von Trotha ordenou às tropas alemãs o cumprimento de uma ordem de extermínio e dizimou cerca de 80% da população dos hereros. Para conhecer mais de perto o modo de vida dos hereros, Guerra passou uma temporada vivendo dentro das comunidades e observando suas práticas cotidianas. Vi que, mesmo diante da escassez, dividem sempre o alimento com os demais. Vi que cultivam a solidariedade, que evitam o personalismo e o egocentrismo, que praticam uma economia familiar de grande inteligência, sempre voltados para a ampliação de um patrimônio cujo usufruto é sempre coletivo. Vi que honram e festejam os seus antepassados. Vi que praticam com grande eficácia a justiça, coibindo infrações com pesadas multas que, a um só tempo, são prejuízo econômico e reprimenda moral.

A convivência com os hereros fez Guerra perceber que, apesar de sua lógica de vida muito particular, eles já não vivem tão isolados e lidam com alguns mecanismos que caracterizam o que se costuma chamar de civilização. Eles fazem comércio, já freqüentam escolas, consomem álcool, locomovem-se entre a aceitação e a recusa de tudo isso. Desde o século passado, pelo menos, eles já mantinham contato intenso e compulsório com a sociedade moderna e com o homem branco, explica. O trabalho que resultou no livro, na exposição e no futuro documentário Hereros Angola teve início em junho de 2009, quando Guerra viajou para as províncias do Namibe e Kunene, acompanhado por 17 pessoas. Foram 60 dias de documentação dos hábitos e costumes dos hereros, resultando em mais de 10 mil imagens e uma centena de depoimentos. De lá para cá, somaram-se mais de 10 viagens e pelo menos mais 10 mil imagens. Nesse registro, a imagem e palavra pertencem aos hereros e eles não podem ser subestimados. Subestima-os os que desejam catequizá-los, redimi-los, salvá-los da suposta ignorância, como também os que deles se aproveitam intencionalmente e de má fé, afirma. Eles não se negam à reflexão, ao diálogo e à mudança, pois muito já tiveram que mudar ao longo do tempo. Já não são iguais aos seus antepassados. Mas desejam, contudo e apesar de tudo, que possam trilhar um caminho que não os leve obrigatoriamente à completa descaracterização da sua economia e cultura, finaliza.

Responsável pela comunicação do governo angolano, há quase 15 anos ele vive na ponte-aérea Salvador-Luanda. Daí nasceu uma relação de amor profundo com o país africano, dando origem a um dos mais completos registros fotográficos das 18 províncias angolanas e de suas populações, o que resultou em cinco livros. O mais recente, Hereros, é aquele no qual Guerra aprofunda seu olhar sobre a cultura daquele país e a matéria prima para a grande e inédita exposição 'Hereros Angola', com cerca de 100 fotos selecionadas pelo artista plástico e curador Emanoel Araujo. A mostra se insere na programação do Museu Afro Brasil comemorativa do Ano Internacional dos Povos Afrodescendentes, declarado pela Assembléia Geral das Nações Unidas. Após ter sido realizada em Luanda e Lisboa, em 2009, com ampla repercussão, a mostra Hereros Angola ganha novos contornos e dimensão maior para exibição em São Paulo. Sérgio Guerra realizou mais viagens ao deserto do Namibe, produziu novas fotos, fruto do estreitamento das relações com os Hereros. Além das fotografias, em diversos formatos, algumas plotadas em grandes formatos, a mostra inclui uma cenografia que reúne vestimentas, adereços e objetos de uso tradicional e ritualístico da etnia. Hereros - Angola traz ainda vídeos de depoimentos colhidos entre os sobas (líderes), mulheres e jovens sobre a sua cultura e a forma como encaram a vida. Parte integrante da mostra são cantos ritualísticos captados entre estes povos. O repertório de imagens, depoimentos e sons reunidos levarão o expectador ao universo destes pastores de hábitos seminômades, que são exemplo da perpetuidade e resistência de uma economia e cultura ancestrais ameaçadas pelo acelerado processo de modernização e ocidentalização dos países africanos. A realização da mostra em São Paulo, no Museu Afro Brasil, ao tempo em que homenageia Angola de forma peculiar, fecha a triangulação entre África, Portugal e Brasil, bases da formação cultural do povo brasileiro. A exposição é viabilizada graças ao patrocínio exclusivo da UNITEL, empresa de telefonia móvel angolana que está a ligar a cultura de Angola ao mundo.

Sérgio Guerra é um fotógrafo de fina sensibilidade e já assinou reportagens de grande impacto sobre Angola. Os seus “instantâneos” revelam um olhar acutilante mas també poético para a realidade angolana. Os longos anos de presença no nosso país, sempre ligado a projetos culturais, dão-lhe a “visão” suficiente para captar belas imagens representativas do que somos. Sérgio Guerra, mostra no Museu de História Natural, dia 27 às 18h30, fotografias sobre os hereros. As fotos deram um livro sobre os povos do deserto, tão perto da alma angolana mas ao mesmo tempo tão distantes de nós.

A etnia herero, que habita a região central de Angola, na África, é composta por pastores polígamos e seminômades. Ninguém conhece tão bem esse povo - nem mesmo os angolanos - quanto o pernambucano Sérgio Guerra, 49 anos. Fotógrafo e publicitário, há 12 anos Guerra vive e trabalha em Angola, na área de comunicação do governo. Fascinado pela cultura dos herero, ele lança amanhã na Livraria Cultura Villa Daslu, em São Paulo, o livro "Hereros - Angola", uma bela edição, com 242 imagens nas quais registrou cenas do cotidiano, cerimônias e costumes desse povo. A primeira vez que Sérgio Guerra teve contato com a etnia foi em 1999, durante a gravação de um programa de TV para a emissora estatal de Angola. Desde então e até o ano passado, Guerra retornou ao local outras vezes, sempre fotografando o jeito de viver do povo herero. Até que decidiu lançar o livro. "Numa das viagens, passei dois meses ininterruptos na tribo, registrando os costumes deles. Fiz grandes amigos lá", diz. Mas não foi fácil para Guerra, que é vegetariano. Os herero possuem costumes completamente diferentes. O gado que eles criam é parte da dieta, com leite e carne. Eles desprezam o peixe e ocasionalmente caçam e coletam frutos.

Apesar de ter acesso a água, o povo não toma banho e protege a pele com uma espécie de manteiga misturada com raspas de uma pedra rica em óxido de ferro. "É por isso que nas fotos eles têm uma coloração meio avermelhada. De fato, a mistura protege a pele. Não senti nenhum odor", conta Guerra. Mas não tomar banho é a faceta menos intrigante desse povo. Todas os bebês meninos devem ser circuncidados e as meninas, assim que menstruam, devem fazer sexo com um primo para prepará-la para o casamento. "Eventualmente, algumas engravidam. Se já estiverem prometidas a um marido, o filho será considerado como sendo dele. Caso contrário, será do primo que a engravidou", diz. Uma das marcas registradas dos herero é a falta dos três dentes incisivos inferiores (os da frente). Os dentes são arrancados num ritual de passagem da adolescência para a vida adulta. O procedimento é feito com um pedaço de pau e pedra. "Quando a dor passa, o jovem fica orgulhoso em mostrar a boca sem os três dentes." O povo herero também é bastante festivo. Sempre que um bebê nasce, ocorre uma grande celebração na aldeia. "Quando são gêmeos, a festa é maior ainda", diz Guerra. Quando um dos gêmeos morre, o irmão ganha uma tora de madeira, representando o que morreu e que ele deverá guardar pelo resto da vida. Momentos como esses, que mostram instantes bem particulares da tribo, foram registrados pelas lentes de Sérgio Guerra em belíssimas fotos, ampliadas nas 260 páginas do livro.

O autor - Fotógrafo, publicitário e produtor cultural, Sérgio Guerra nasceu em Recife, morou em São Paulo e no Rio de Janeiro, até se fixar na Bahia nos anos 80. A partir de 1998, passou a viver entre Salvador, Rio de Janeiro e Luanda, onde desenvolve um programa de comunicação para o Governo de Angola. Em suas constantes viagens pelo país, testemunha momentos decisivos da luta pela paz e reconstrução, constituindo um dos mais completos registros fotográficos das 18 províncias angolanas. Seu acervo fotográfico propiciou a publicação dos livros 'Álbum de família', 2000, 'Duas ou três coisas que vi em Angola', 2001, 'Nação coragem', 2003, 'Parangolá', 2004, 'Lá e Cá', 2006, 'Salvador Negroamor', 2007, 'Hereros-Angola', 2010 e a montagem das exposições 'As muitas faces de Angola' (Brasília, Salvador, São Paulo, em 2001); 'Nação Coragem' (São Paulo, em 2003, e Zimbabwe, em 2008); 'Lá e Cá' (realizada na Feira de São Joaquim, a maior feira livre da América Latina, tendo as bancas dos comerciantes como suporte da exposição, Salvador, 2006); 'Salvador Negroamor' (destacou-se como a maior exposição fotográfica a céu aberto que se tem registro até hoje, com aproximadamente 1500 painéis espalhados na cidade, Salvador, 2007); 'Mwangole' (Salvador, 2009); e 'Hereros-Angola' (Luanda e Lisboa, 2010).

O curador - Emanoel Araújo é escultor, desenhista, gravador, cenógrafo, pintor, curador e museólogo, nascido em Santo Amaro da Purificação, na Bahia, a 15 de novembro de 1940. Em Salvador, formou-se em Belas Artes e foi diretor do Museu de Arte da Bahia. Lecionou artes gráficas, desenho, escultura e gravura na City College University of New York. Em Brasília, foi membro da Comissão dos Museus e do Conselho Federal de Política Cultural, instituídos pelo Ministério da Cultura. Já em São Paulo, foi Secretário Municipal de Cultura, e Diretor da Pinacoteca do Estado, onde liderou uma gigantesca reestruturação nos anos 90, transformando o prédio em um dos principais museus do país e um dos roteiros turísticos culturais da cidade. Emanoel Araújo é considerado um extraordinário escultor e já realizou várias exposições individuais e coletivas por todo o Brasil, Europa, Estados Unidos e Japão. Como não podia deixar de ser, recebeu diversos prêmios em todas as técnicas trabalhadas. Suas obras tridimensionais se destacam pelas grandes dimensões, pelos relevos e pela formas integrantes nas edificações urbanas. Seu estilo - mesmo sendo único - dialoga com movimentos artísticos de toda a história, mas sempre com ênfase nos detalhes que descrevem e valorizam as características africanas.

Sérgio Guerra e os Hereros - O contato inicial de Sérgio Guerra com os hereros causou impacto imediato no artista. 'Quando os vi pela primeira vez, foi como se uma porta da minha percepção tivesse sido aberta para algo que sabia existir, mas hesitava em acreditar, recorda. O ano era 1999, quando ocorreu uma viagem às províncias de Huíla e Namibe para as gravações do programa Nação Coragem, que levava aos angolanos noticiário de atualidades e informações sobre a cultura do país e suas populações. Ali, Guerra registrou imagens dos mukubais, um dos subgrupos dos hereros. Sete anos depois, retornou ao Namibe e descobriu outros subgrupos: os muhimbas, os muhacaonas, os mudimbas e os muchavícuas. 'Comecei a entender que aqueles povos, apesar da aparência diferente, eram todos da mesma raiz, da mesma família, explica. Na convivência com os hereros, Guerra percebeu que os próprios angolanos sabiam muito pouco sobre essa etnia e sequer conseguiam distingui-los. Descobri que, para além da minha atração por estes povos, poderia ser útil, de alguma maneira, se pudesse partilhar com um número maior de pessoas tudo aquilo que me foi dado a conhecer sobre eles.

Link para arquivo de imagens em (.pptx)do fotografo:
http://www.4shared.com/file/58LdGlPT/Sergio_Guerra.html

Cornelis Corneliszoon van Haarlem - Maneirismo

2011-07-12T17:06:00.000-03:00

Nasceu em Haarlem 1562 - 11nov1638, pintor holandês, um dos líderes do Maneirismo do norte da Europa.

Foi membro da escola maneirista de Haarlem, e recebeu suas primeiras aulas de Pieter Pietersz, aperfeiçoando-se mais tarde em Antuérpia, França e Bélgica. Sua primeira encomenda oficial ocorreu em 1583, quando a municipalidade de Haarlem solicitou uma cena mostrando o Banquete da Guarda Civil, tornando-se então pintor da cidade e recebendo muitas outras encomendas. Também participou na reorganiação da Guilda de São Lucas em sua cidade.

Suas primeiras obras tinham uma feição italianista muito estilizada, mas depois evoluiu em direção a um maior naturalismo. Deixou trabalhos nos gêneros mitológico, bíblico, e foi uma importante referência para Frans Hals na retratística.

Link para arquivo de imagens digital (.pptx) outras obras do artista:
Cornelis van Haarlem.pptx

Franz Heinrich Louis Corinth (Lovis) - Impressionismo Alemão

2011-07-12T16:33:00.000-03:00

Nasceu em Tapiau, Prússia Oriental, 21jul1858 — Zandvoort, Países Baixos, 17jul1925, pintor alemão que, ao lado de Max Liebermann, Lesser Ury e Max Slevogt, veio a ser um dos mais importantes representantes do impressionismo em seu país.

Em 1876 iniciou seus estudos na Escola de Belas Artes de Königsberg e, em 1880, em Munique com os professores Defregger e Löfftz. Passa dois anos na França onde frequenta a Academia Julian sob orientação de Bouguereau e Robert Fleury (1884 a 1886).

Volta à Alemanha, vivendo entre Berlim e Munique. A partir de 1901 fixa-se na capital. Corinth e os conceituados mestres Max Liebermann e Max Slevogt tornaram-se os principais expoentes do impressionismo alemão. Participaram também, com outros vanguardistas, do movimento denominado Secessão de Berlim, que haveria de mudar a concepção da arte germânica. Do impressionismo, Corinth iria evoluir para a corrente expressionista, época em que foi professor da pintora brasileira Anita Malfatti.

Link para arquivo de imagens digital (.ppt)com mais obras do artista:
http://www.4shared.com/file/48zN02YI/Lovis_Corinth.html

Helo - Brazuca friend´s (vídeo: SkyCar)

2011-07-12T15:46:00.000-03:00

heloxkinha@hotmail.com

Helo Vaka☮.
aniversário: 9 de julho
religião: Tenho um lado espiritual independente de religiões
humor: pateta/palhaço
estilo: contemporâneo

Preocupe-se mais com a sua consciência do que com sua reputação. Porque sua consciência é o que você é, e a sua reputação é o que os outros pensam de você. E o que os outros pensam é problema deles. Bob Marley

Esta obra encontra-se com EXCLUSIVIDADE na galeria Alegria jcnavegador

trabalhador da construção civil tenta acertar 500MPH sobre duas rodas, e Holden pode, finalmente, uma bomba de Ute novo. Hospedado por Andrea Feczko.

William Merritt Chase

2011-07-06T21:26:00.000-03:00

Nasceu em 01nov1849 - 25out1916, americano pintor conhecido como um expoente do Impressionismo e como professor. Ele também é responsável por estabelecer a Escola de Chase, que mais tarde se tornaria Parsons The New School for Design.

Ele nasceu em Williamsburg (agora Nínive), Indiana, para a família de um comerciante local. Pai de Chase levou a família para Indianapolis em 1861 e empregou seu filho como vendedor no negócio da família. Chase cedo mostrou um interesse na arte, e estudou com local, auto-didata artistas Barton S. Hays e Cox Jacob. Após um breve período na Marinha, professores Chase exortou-o a viajar para New York para continuar a sua formação artística. Ele chegou a Nova York em 1869, conheceu e estudou com Joseph Oriel Eaton por um tempo curto, então inscritos no National Academy of Design sob Lemuel Wilmarth, um aluno do famoso artista francês Jean-Léon Gérôme. Em 1870 fortuna da família em declínio forçou Chase para deixar Nova York para São Louis, Missouri, onde sua família foi então baseada. Enquanto ele trabalhava para ajudar a sustentar sua família tornou-se ativo na comunidade de St. Louis arte, ganhando prêmios por suas pinturas em uma exposição local. Ele também exibiu sua primeira pintura na Academia Nacional, em 1871. Talento Chase suscitou o interesse de ricos colecionadores St. Louis, que arranjou para que ele visitar a Europa por dois anos, em troca de pinturas e ajudar Chase na obtenção de arte européia para suas coleções.

Perseguição na Europa liquidados na Academia de Belas Artes, em Munique, um centro de longa data de formação artística que estava atraindo um número crescente de americanos. Ele estudou com Alexander von Wagner e Karl von Piloty, e fez amizade com artistas americanos Walter Shirlaw, Frank Duveneck, e Joseph Frank Currier. Após a morte de Chase, em seu leilão Estate, que possuía mais trabalhos por Currier do que qualquer outro artista. Em Munique, Chase empregou seu talento rapidamente crescente na maioria das vezes em obras figurativas que pintou no estilo vagamente escovado popular com seus instrutores. Em janeiro de 1876, uma dessas obras figural, um retrato intitulado "Keying Up" - The Court Jester (agora na coleção da academia de Pensilvânia das Belas Artes) foi exibido no Clube Art Boston, mais tarde, ano que foi exibido e ganhou uma medalha na Philadelphia Centennial Exposition, e esse sucesso ganhou sua fama de Chase em primeiro lugar.

Chase viajou para Veneza, Itália em 1877 com Duveneck e Henry John Twachtman antes de retornar aos Estados Unidos no verão de 1878, um artista altamente qualificados que representam a nova onda de europeus educados talento americano. Casa na América, ele exibiu sua pintura pronto para o passeio (coleção da Liga Union Club) com a recém-formada Sociedade dos Artistas americanos em 1878. Ele também abriu um estúdio em Nova York, na Décima Rua Building Studio, o lar de muitos dos pintores importantes do dia. Ele era um membro da ladrilhadores, um grupo de artistas e autores, entre os quais alguns de seus amigos notáveis: Winslow Homer , Arthur Quartley e Augustus Saint Gaudens.

Em 1881, o amigo e artista William Preston Phelps viajou para a Europa a fazer equipa com Chase para ir em uma excursão de trabalho da Itália, Veneza, Capri, em seguida, volta para a Alemanha.

Chase cultivada personna múltiplos: sofisticado e cosmopolita, homem de família dedicado, e professor estimado. Chase casado Alice Gerson em 1886 e juntos criaram oito filhos durante o período mais enérgica Chase artística. Sua filhas mais velhas, Alice Dieudonnee Chase e Dorothy Bremond Chase, muitas vezes modelado para seu pai. Em Nova York, no entanto, Chase tornou-se conhecido por sua extravagância, especialmente em seu vestido, suas maneiras, e acima de tudo em seu estúdio. Na Rua Décimo, Chase tinha se mudado para Albert Bierstadt's antigo estúdio e tinha decorado como uma extensão da sua própria arte. Chase encheu o estúdio com mobiliário luxuoso, objetos decorativos, aves empalhadas, tapetes orientais e exóticos instrumentos musicais. O estúdio serviu como um ponto focal para os membros sofisticados e elegantes do mundo da arte de Nova York do final do século 19. Em 1895 o custo de manutenção do estúdio, além de suas outras residências, forçado Chase para fechá-la e leilão o conteúdo.

Além de sua pintura, Chase ativamente desenvolveu um interesse em ensinar. O convite de um patrono, Chase abriu o Shinnecock Escola de Verão em Hills leste de Long Island, New York em 1891 e lecionou até 1902. Perseguição adotado o ar plein método de pintura, e muitas vezes ensinou aos seus alunos em aulas ao ar livre. Ele também abriu a Escola de Arte de Chase em 1896, que se tornou o New York School of Art, dois anos depois com Chase ficar em como instrutor até 1907. Chase lecionou na academia de Pensilvânia das Belas Artes 1896-1909, a Art Students League de 1878-1896 e novamente 1907-1911, e a Associação de Arte do Brooklyn em 1887 e 1891-1896. Junto com Robert Henri, que se tornou um instrutor rival, Chase era o professor mais importante de artistas norte-americanos por volta da virada do século 20. Além de sua instrução de artistas da costa leste como Charles Demuth, Silas Dustin, Marsden Hartley, M. Jean McLane, Georgia O'Keeffe e Edward Charles Volkert, ele teve um papel importante na influência da Califórnia arte na virada do século, especialmente na interação com Arthur Frank Mathews, Martinez Xavier e Cinza Percy.

Arte escultura Ecológicas

2011-07-06T19:01:00.000-03:00

eco-escultura 2010 - ilha de Tavira
http://artefemera.blogspot.com

Reportagem veiculada na RPC, TV IMAGEM de Paranavaí. Como criar esculturas com galhos de árvores - Artista: Antônio de Menezes Barbosa

Uma escultura de madeira em forma de cavalos no Parque da Água Branca.Filmado no dia 28/12/2008.

Artista Plástico: Roberto Chagas, Escultura com Motoserra - Cabeça de Cavalo

Artista Fabiano Sena

Peça entalhada no formato de um peixe que ira servir de encosto para uma cadeira.

esculturas em madeira feita pelo artista Edson Lopes; escultor_edlopes@hotmail.com

Esculturas em Madeira Vitor Nepomuceno; http://arteemvideosdigital.blogspot.com

Antonio Panda Gianfratti tocando em uma escultura de madeira na antiga fabrica de cadeados em Sao Paulo

Rainha de Sabá - Batsheba

2011-06-14T18:30:00.000-03:00

Mais uma temática que inspirou diversas obras artísticas

Pouco se sabe sobre a rainha de Sabá, inclusive seu próprio nome. Os autores árabes a tratavam como Balquis, soberana da Arábia que viveu por volta do século 10 a.C. e se tornou famosa principalmente pela visita que fez ao rei Salomão, em 985 a.C.. Nessa época, após haver discutido com seus conselheiros, decidiu procurar pessoalmente o rei de Israel com o intuito de negociar com ele um tratado comercial que lhe assegurasse o monopólio das caravanas que viajavam de Israel e Tiro com destino às Índias, passando pelo seu reino ao sul da Arábia. Este era habitado pelos sabeus, raça semítica de cultura muito antiga e de linguagem semelhante à etíope - cujos povos foram os primeiros colonizadores da Etiópia -, e dele se dizia que possuía grande riqueza e poderosos recursos justamente por estar localizado na rota comercial entre a Índia e a África.

Diz a lenda que a rainha nasceu por volta do ano 1020 a.C. e morreu aos 55 anos de idade, sem nunca ter casado. Tendo assumido o trono com apenas quinze anos, em virtude da morte do pai, ela precisava acompanhar os costumes do seu povo, que tanto dava direitos iguais a homens e mulheres, como exigia que a soberana fosse virgem. Por isso se dedicou aos estudos, à filosofia e ao misticismo. O episódio de sua visita a Jerusalém provavelmente tem tudo a ver com a curiosidade dos estudiosos, pois a presunção é a de que tenha tomado conhecimento da sabedoria e esplendor do monarca, e por isso resolveu verificar pessoalmente se as informações eram verdadeiras. A Bíblia contém a seguinte passagem (Livro dos Reis 9:26/28), “Equipou também o rei Salomão uma frota em Aslongaber, perto de Aflat, na praia do mar Vermelho, na terra de Edom. Hiram (rei de Tiro) mandou seus próprios servos nessa frota, marinheiros experimentados em náutica, para ajudar os homens de Salomão. Foram a Ofir, donde trouxeram quatrocentos e vinte talentos de ouro, que apresentaram ao rei Salomão”.

Ofir, cidade histórica e quase lendária do mundo antigo, ficou conhecida como produtora e exportadora de ouro. Citada no Velho Testamento e em numerosas obras antigas como cidade de grande esplendor, sua situação geográfica permanece desconhecida até hoje, acreditando-se que tenha pertencido à área do oceano Índico. Ouvindo falar de Salomão, a rainha de Sabá procurou conhecê-lo. No mesmo texto bíblico Livro dos Reis (9:2/8) está escrito que ela “Chegou a Jerusalém com uma numerosa comitiva, com camelos carregados de aromas e uma grande quantidade de ouro e pedras preciosas. Apresentou-se diante do rei Salomão e disse-lhe tudo o que ela tinha no espírito. A tudo lhe respondeu o rei. Nenhuma das suas perguntas lhe pareceu obscura e deu solução a todas. Quando a rainha de Sabá viu toda a sabedoria de Salomão, a casa que ele tinha feito, os manjares de sua mesa, os apartamentos de seus servos, as habitações e uniformês de seus oficiais, os copeiros do rei e os holocaustos que ele oferecia no templo do Senhor, ficou estupefata e disse ao rei: É bem verdade o que ouvi a teu respeito e de tua sabedoria, na minha terra. Eu não quis acreditar no que me diziam, antes de vir aqui e ver com os meus próprios olhos. Mas eis que não contaram nem a metade: tua sabedoria e tia opulência é muito maior do que a fama que havia chegado até mim. Felizes os teus homens, felizes os teus servos que estão sempre contigo e ouvem a tua sabedoria”.

“Presenteou o rei com 120 talentos de ouro e grande quantidade de perfumês e pedras preciosas. Não apareceu jamais uma quantidade de aromas tão grande com a que a rainha de Sabá deu ao rei Salomão. A frota de Hiram, que trazia o ouro de Ofir, trouxe também grande quantidade de madeira de sândalo e pedras preciosas. Com este sândalo fez o rei balaustradas para o templo do Senhor, assim como harpas e flautas. E desde então não se transportou mais desta madeira de sândalo, e não se viu mais dela até o dia de hoje. O rei Salomão deu à rainha de Sabá tudo o que ela desejou e pediu, além dos presentes que ele mesmo lhe fez com real liberalidade. E a rainha retomou o caminho de volta com a sua comitiva”.

Nada mais se sabe sobre a rainha de Sabá, a não ser que teve um filho com o rei Salomão. Chamado Menelik, ele assumiu o trono com o título "Novo de Imperador" e "Rei dos Reis de Etiópia", fundando a "Dinastia Salomonica" que governou aquele país, com poucas interrupções, durante aproximadamente três mil anos ou 225 gerações, terminadas com o Imperador Haile Selassie, em 1974.

A rainha de Sabá - uma mulher exótica, misteriosa de grande poder - está imortalizada no mundo de grandes obras religiosas, entre eles a Bíblia hebraica e no Alcorão muçulmano. Ela também aparece nas pinturas turco e persa, nos tratados cabalísticos, medieval, cristão e obras místicas, onde ela é vista como a personificação da Sabedoria Divina e um prognosticador do culto de Santa Cruz. Na África e na Arábia seu conto é ainda contado nos dias de hoje e, de fato, seu conto tem sido contada e recontada em muitos países há quase 3.000 anos. Tentar saber quem ela pode realmente ter sido é uma tarefa árdua, e uma pergunta logo surge. Por que, se tão pouco se sabe sobre ela, ela tem-se uma figura tão importante?
Os contos de Salomão e a Rainha de Sabá são os mitos de fundação do Estado moderno de Israel e Etiópia.
Link para arquivos de imagens .PPT das diversas obras estimuladas no mito:
http://www.4shared.com/file/hbjQYMdJ/Rainha_de_Sab_-_Batsheba_1.html
http://www.4shared.com/file/uiBztBFR/Rainha_de_Sab_-_Bathsheba.html

Tippi Hedren e Tippi Degre (de Africa)

2011-06-14T18:07:00.000-03:00

nome artístico de Nathalie Hedren (New Ulm, 19jan1930) é uma atriz estadunidense.

Descendente de escandinavos, Tippi Hedren deve sua carreira cinematográfica ao diretor Alfred Hitchcock, que descobriu a loira modelo num comercial de televisão e que então a contratou para o elenco de The Birds, em 1963, e pelo qual ela recebeu o Globo de Ouro. Dirigida por Hitchcock, também atuou em Marnie, em 1964. A partir de 1981 começou a envolver-se ativamente em diversas causas humanitárias, entre elas os direitos dos animais. É também coordenadora voluntária do programa "Food for the Hungry". Tem viajado pelo mundo para fundar programas de ajuda aos atingidos por terremotos, furacões, fome e guerra e recebeu inúmeros prêmios, incusive o "Humanitarian Award". É praticante da fé Baha'i. É mãe da atriz Melanie Griffith.

Filmografia parcial
1963 - The Birds
1964 - Marnie
1967 - A Countess from Hong Kong
1973 - The Harrad Experiment
1981 - Roar
1990 - Pacific Heights
1994 - The Birds II: Land's End
1996 - Citizen Ruth
2004 - I Heart Huckabees

Link para arquivo do ensaio fotografico:
http://www.4shared.com/file/cNb-YQiJ/Tippi.html

Tippi Degre, também conhecido como "Tippi de África" tem estado a viver em França e de Madagáscar, nos últimos sete anos. Este é um documentário feito no ano passado em seu retorno à África, e ponte de duas culturas completamente diferentes, se encontrar com amigos antigos e novos.

Susannah and the elders

2011-06-14T17:32:00.000-03:00

A estória de Susanna serviu de inspiração e produção para dezenas de pintores, a temática inspira voyeurismo e facilita a comercialização e demanda das obras artísticas.

Susanna ou Shoshana "lírio" incluída no livro de Daniel (capítulo 13) pela Igreja Católica Romana e Ortodoxa Oriental. É uma das adições no livro de Daniel, considerados apócrifos pelos protestantes. Ela está listada no artigo VI dos 39 Artigos da Igreja da Inglaterra entre os livros que estão incluídos na Bíblia, mas não utilizado para a formação da doutrina, não está incluído no judaica Tanakh.

Susanna em visita a uma feira hebraica é falsamente acusada por lascivo voyeur. Como ela se banha em seu jardim, tendo enviado seus assistentes de distância, dois velhos lascivos secretamente observa a encantadora Susanna. Quando ela faz o seu caminho de volta para sua casa, que abordá-la, ameaçando a alegação de que ela se encontrava com um jovem no jardim, a menos que ela concorda em ter relações sexuais com eles.

Ela se recusa a ser chantageado é presa e prestes a ser condenado à morte por promiscuidade, quando um jovem chamado Daniel interrompe o processo, gritando que os idosos devem ser questionados para impedir a morte de um inocente. Após a separação, os dois homens são questionados sobre os detalhes (cross-examination) do que viram, mas discordam sobre a árvore sob a qual Susanna supostamente conheceu o amante. No grego texto, os nomes das árvores citadas pelos anciãos forma trocadilhos com a sentença dada por Daniel. A primeira diz que eles estavam sob uma aroeira, e Daniel diz que um anjo está pronto para ser cortado em dois. O segundo diz que eles estavam em um carvalho árvore, e Daniel diz que um anjo está pronta a serra em dois. A grande diferença de tamanho entre o mastique e um carvalho faz anciãos mentirosos para todos os observadores. Os caluniadores são condenados à morte, e triunfa a virtude.

Os trocadilhos grega nos textos têm sido citados por alguns como prova de que o texto nunca existiu em hebraico ou aramaico, mas outros pesquisadores haviam sugerido pares de palavras para as árvores e cortar o som semelhante o suficiente para supor que elas poderiam ter sido utilizados em um original. A Bíblia Anchor usa "teixo","cortar","cravo" e "unir" para obter este efeito em Inglês. Outros sugerem que os trocadilhos foram adicionados pelo tradutor grego e não dizem nada sobre a forma original do texto.

O texto grego sobrevive em duas versões. A Septuaginta é o texto "só aparece na Chisianus Codex . A versão de Theodotion é aquele que aparece na Católica Romana bíblias. Foi considerado como uma parte da literatura de Daniel e foi colocado no início do Livro de Daniel nos manuscritos do Antigo Testamento. Jerome colocou no final de Daniel, com um aviso que não é encontrada na Bíblia hebraica.

Sexto Júlio Africano, não conta a história como canônicos. Jerônimo (347-420), ao traduzir a Vulgata, tratados nesta seção como um não-canônico fábula. Em sua introdução, indicou que Suzana era uma adição apócrifa, pois não foi escrito em hebraico, como foi o livro original de Daniel, mas foi escrito em grego. Orígenes observa (na Epistola ad Africanum ) que foi "escondido" (compare "apócrifos") pelos judeus de alguma forma. Não há judeu primeiras referências ao livro.

A história foi muitas vezes pintado de cerca de 1500, pelo menos não por causa das possibilidades que ela oferece para um nu feminino de destaque em uma pintura de história - pinturas de Bate-Seba banhar ofereceu uma disciplina alternativa com as mesmas vantagens, e ambos também ofereceu uma oportunidade de incluir a escultura clássica e arquitetura em suas configurações. Susanna é o tema de pinturas de vários artistas, incluindo (mas não limitado a) Lorenzo Lotto (Susana e os Anciãos, 1517), Rubens, Van Dyck, Tintoretto, Rembrandt, Tiepolo, e Artemisia Gentileschi. Alguns tratamentos, sobretudo no período barroco, enfatizar o drama, outros se concentrar no nude, uma versão do século 19 por Francesco Hayez - National Gallery, Londres não tem anciãos visível a todos. A história é retratada no Crystal Lotário, um cristal de rocha gravada feita na Lotaríngia região do noroeste da Europa nos meados do século 9, agora no Museu Britânico.

Em 1749, George Frideric Handel escreveu um idioma Inglês - oratório Susanna. Susanna (e não Peter Quince) é o tema do poema de 1915 Peter Quince no Cravo por Wallace Stevens, que foi musicado pelo compositor americano Dominic Argento e pela canadense Gerald Berg.

O artista americano Thomas Hart Benton (1889-1975) pintou um Susanna moderna em 1938, agora no Novo Museu em San Francisco. Ele conscientemente incluído pelos pubianos, ao contrário da estátua, como imagens da arte clássica. A fábula foi criada durante a Grande Depressão, e Benton incluiu-se como um dos voyeurs.

O escritor belga Marnix Gijsen utiliza elementos da história em sua primeira novela Boek van Het Joachim van Babylon, de 1947. A ópera americana Susannah por Carlisle Floyd, que ocorre no sul-americano do século 20, também é inspirada por esta história, mas com que de final feliz e menos com os anciãos substituída por uma viagem pregador hipócrita que seduz Susannah.

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http://www.4shared.com/file/ZMm5HC3-/Suzanna_and_the_elders.html